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出版者:

作者:Anfam, David

出品人:

页数:150

译者:

出版时间:2010-11

价格:$ 84.75

装帧:

isbn号码:9781905620289

丛书系列:

图书标签:

• 艺术史
• 抽象表现主义
• 现代艺术
• 绘画
• 美国艺术
• 战后艺术
• 艺术运动
• 杰克逊·波洛克
• 马克·罗斯科
• 威廉·德·库宁

雕塑的沉默：论物质、空间与观看的重塑 图书名称：雕塑的沉默：论物质、空间与观看的重塑 作者：[此处留空，可想象一位理论学者的名字] --- 内容简介 《雕塑的沉默：论物质、空间与观看的重塑》是一部深入探讨20世纪中后期雕塑艺术本体论、感知经验及其与特定环境互动的学术专著。本书旨在超越传统雕塑史叙事中对“形体”与“纪念性”的过度关注，转而聚焦于雕塑如何通过对材料的解构、对空间的介入以及对观众视角的挑战，实现一种全新的“存在论”宣言。 本书的论述并非建立在对特定艺术流派的罗列之上，而是通过一系列精选的案例与理论框架的交织，揭示当代雕塑美学从“物体的具象化”向“关系的生成”的根本性转变。我们关注的焦点是：当雕塑逐渐脱离传统底座的束缚，融入或侵蚀日常空间时，它所发出的“沉默”——这种沉默既是媒介自身的限制，也是对过度阐释的抵制，更是一种迫使观看者重新校准其感知系统的邀请。 全书结构清晰，分为四个主要部分，每一部分都围绕一个核心的理论支点展开深入探讨。 第一部分：材料的去中心化与偶发性（The Decentering of Materiality and Contingency） 本部分质疑了传统雕塑中“永恒性”与“坚固性”的观念。我们不再将材料视为被驯服的载体，而是将其视为具有内在生命力与偶然属性的参与者。 1. 从大理石到日常废弃物：物质的伦理学 本书追溯了从后工业时代兴起的“非艺术材料”在雕塑中的应用。重点分析了艺术家如何通过选择回收金属、塑料碎片或自然界中未经加工的元素（如沙土、枯木），来挑战艺术品的“价值崇高性”。讨论的案例侧重于材料在时间流逝中的变化——锈蚀、分解、风化——这些不可逆转的过程被视为艺术作品生命周期中不可或缺的一部分，而非简单的损耗。此处深入探讨了残余物（Rubble）和废弃物（Waste）作为艺术对象的合法性及其对消费主义文化的批判张力。 2. 结构与悬置：重力与张力的协商 传统的雕塑是重力的胜利。然而，本书细致考察了那些通过极简主义、结构主义或特定工程学原理实现“漂浮感”或“不稳定性”的作品。探讨了钢缆、磁力、空气动力学等非传统支撑方式如何改变作品的内在张力。这种张力不仅是物理的，也是心理上的——观众在面对看似即将崩塌或悬于一线的作品时，其感知安全感被置于何种境地。分析了作品中“未完成”状态的意义，即结构本身成为叙事的一部分。 第二部分：空间作为雕塑的维度（Space as a Sculptural Dimension） 雕塑不再是“物体在空间中”，而是“空间被组织或界定”。本部分将重点置于雕塑如何与它所处的环境进行对话、渗透或重构。 3. 场域特异性（Site-Specificity）的深化：从介入到共生 区别于简单的场地适应，本书探讨了场域特异性如何演变为一种本体论立场。雕塑不再是可移动的实体，而是与特定地理、历史或社会背景深度耦合的“事件”或“配置”。分析了艺术家如何通过微妙的干预（如在建筑缝隙中植入结构，或在特定光照下激活材料的色彩）来揭示场所潜藏的结构性矛盾。核心议题在于：当作品被移除，原场地是否丧失了其完整性？ 4. 身体的拓扑学：雕塑与人的尺度 本书认为，雕塑与观众的互动是动态且多义的。我们考察了那些要求观众进行身体穿越、绕行或攀爬的作品。这不仅仅是关于观看的体验，更是关于“在场”（Presence）的经验。雕塑通过界定人可以移动的路径、视野被阻挡的角度以及身体与材料的物理距离，重塑了我们对“尺度”的认知。讨论了“可进入性”在当代艺术中的伦理学意义，以及作品如何通过迫使观众进入一个非标准的物理框架来瓦解其惯常的观看习惯。 第三部分：观看的去语言化与现象学转向（The De-Linguistification of Viewing and Phenomenological Turn） 本部分着眼于雕塑如何反抗语言描述的局限性，转而诉诸于最原始的、现象学的感知体验。 5. 光影、阴影与不可见性：视觉的悖论 雕塑的实体性依赖于对光的捕获与反射。本部分探究了光线如何成为雕塑的“活性成分”。分析了那些故意采用低反射率材料或设计复杂几何形状以产生多重、模糊阴影的作品。阴影被视为雕塑的“第二形体”——它是不稳定的、依附于环境条件的，却又清晰地界定了主体的存在。这种对阴影的关注，是对传统强调清晰轮廓的古典美学的颠覆。 6. 瞬间的滞留：运动与停滞的辩证法 虽然雕塑通常被视为静止的艺术形式，但许多当代作品通过内部结构或外部环境（如水流、风力）暗示了持续的或潜在的运动。本书研究了这种“被冻结的动能”如何影响观看。观众的目光被引导去“预演”作品下一秒的状态，从而使得观看行为本身成为一种延展的、时间性的活动。讨论了如何通过重复的、节律性的元素来制造一种近乎冥想式的“时间停滞感”。 第四部分：档案、缺席与物体的遗忘（Archive, Absence, and the Oblivion of the Object） 最后，本书转向了雕塑在后现代语境下的身份危机——当实体不再是终点时，艺术品如何存在于意义的场域中。 7. 复制、模型与铭刻的失效：作为信息的残余 在媒介复制技术高度发达的时代，实体雕塑的独特性受到了挑战。本部分审视了艺术家如何利用照片、蓝图、3D扫描或残骸本身作为作品的替代物或补充材料。重点分析了模型（Maquettes）从“设计草图”升格为“独立作品”的过程，以及当原件丢失或被毁时，这些“信息残余”如何维系其艺术本体。讨论了“档案”（Archive）作为一种物质性的存在，对雕塑历史的重写作用。 8. 沉默的遗产：对“宏大叙事”的拒绝 本书以对“沉默”的重新定义收尾。这种沉默并非空无一物，而是对那些试图用纪念碑或宏大形式来承载历史重任的艺术表达方式的批判性回应。当代雕塑通过其物质的破碎性、空间的非中心化和观看的个体化，拒绝提供明确的答案或教条式的结论。它们留给观众的是一种持续的、未解决的问题意识，促使我们反思艺术作为一种物质存在，在不断变化的文化景观中，其最根本的责任究竟是什么。 --- 目标读者： 艺术史学家、当代艺术理论研究者、雕塑专业学生，以及所有对物质文化、现象学美学和空间感知理论感兴趣的读者。 关键词： 物质性、空间介入、场域特异性、现象学、身体尺度、后纪念碑性、偶发性。

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那些在我脑海中挥之不去的艺术形象，便是那些大胆而富有表现力的笔触，它们仿佛是艺术家内心最直接的呼唤，直接穿透了视觉的表象，触及到了我内心最深处的情感。我对那些能够以最纯粹、最原始的方式传递情感的艺术形式总是情有独钟，而“抽象表现主义”恰恰就是这种艺术形式的典范。我一直很好奇，那些艺术家们是如何在创作过程中，将内心的冲动、思考和情感，转化为如此具有视觉冲击力的作品？是什么样的精神力量，驱使他们敢于挑战传统的艺术规范，开创出如此独特的艺术风格？这本书，无疑会是我的一个重要指引，它将带领我深入了解那些在画布上纵横捭阖的灵魂，理解他们的创作理念，他们的艺术追求，以及他们如何在这个充满变革的时代，用艺术表达他们的思考和感悟。我期待着通过这本书，去感受那些艺术作品所蕴含的强大能量，去体会那些艺术家们在创作过程中所经历的挣扎与升华，从而获得一次深刻的艺术启迪。

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我一直对那种能够瞬间抓住人灵魂的艺术作品情有独钟，而那些被冠以“抽象表现主义”之名的作品，无疑就是其中的佼佼者。它们的魅力在于，它们不试图描绘我们所熟知的现实，而是直击我们内心最深处的感受。我曾有幸在画廊亲眼见过那些巨幅的、色彩浓烈、笔触奔放的画作，当时的感觉可以用“震撼”二字来形容。那种强烈的视觉冲击力，仿佛能瞬间将人带入一个全新的维度，在那里，逻辑和具象的束缚荡然无存，只有纯粹的情感在流淌。我一直在思考，是什么样的力量，能驱使艺术家们将如此原始、如此难以言喻的情感，以如此直接的方式呈现在世人面前？这本书，我想一定能为我揭示这一切的奥秘。它可能不仅仅是关于艺术家的技法，更是关于他们的思想、他们的时代背景，以及他们如何在这种独特的艺术形式中，找到了自我表达的终极途径。我期待着能够深入了解那些在画布上挥洒自如的灵魂，他们的创作过程，他们的灵感来源，以及他们如何在这个艺术史上留下了不可磨灭的印记。

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这本书的封面上那大胆而充满活力的笔触，立刻就抓住了我的眼球。我一直对那些似乎能将情感直接倾泻在画布上的艺术家们着迷，尤其是那些在二战后涌现出的、颠覆了传统艺术观念的先驱们。他们是如何在那个动荡不安的年代，将内心深处的焦虑、喜悦、迷惘与希望，转化为如此具有冲击力的视觉语言的？这本书的书名就如同这些画作一般，充满了未知的、抽象的张力，预示着一场关于色彩、线条和形式的深刻探索。我期待着能够深入了解那些将个人情感的自由表达置于一切之上的艺术家们，他们是如何在画布上打破藩篱，创造出一种全新的艺术语境。那些巨大的、充满能量的画面，仿佛在低语着艺术家们不为人知的内心世界，而这本书，我想就是一把能够解开这些秘密的钥匙。它不仅仅是关于艺术史上的一个流派，更是一扇通往人性深处、通往情感原始力量的窗口。我渴望通过这本书，去感受那些纯粹的、不受拘束的创造力，去理解那些在画布上纵横捭阖的艺术家们的精神世界。

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这本书的名字，本身就带着一种神秘的邀请，仿佛在召唤我去探索那些肉眼看不见、却能触及心灵深处的世界。我一直认为，艺术中最令人着迷的部分，就是它能够超越语言的限制，直接与我们的情感产生共鸣。而“抽象表现主义”这个词，恰恰概括了这种直觉式的、情感化的艺术表达方式。那些作品，往往没有明确的叙事，没有具象的形象，但它们所散发出的能量和情绪，却足以撼动人心。我常常会对着那些色彩斑斓、线条交错的画面发呆，试图去解读艺术家隐藏在其中的信息，感受他们想要传达的情感。这本书，我想就是一本绝佳的向导，能够帮助我理解这些抽象的视觉语言，揭示那些在画布背后，艺术家们的心路历程。我渴望通过这本书，去认识那些敢于挑战传统、勇于探索内心世界的艺术家们，去了解他们是如何用最纯粹的艺术形式，来表达他们对生活、对世界、对人性的深刻理解。

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当我看到这本书的封面时，脑海中立刻浮现出那些在画布上尽情挥洒的颜料，那种不受拘束、充满原始生命力的画面。我对那些能够直接触动我内心深处、让我产生强烈情感共鸣的艺术作品总是情有独钟，而“抽象表现主义”无疑就是其中的代表。我一直在好奇，是什么样的力量，让艺术家们敢于抛弃具象的束缚，用色彩和线条来表达他们最真实的情感？是什么样的过程，让他们能够将内心的激荡和思考，转化为如此具有视觉冲击力的作品？这本书，我想就是我寻找答案的绝佳途径。我希望能在这本书中，不仅仅看到那些令人惊叹的画作，更能深入了解创作这些画作的艺术家们的思想，他们的生活经历，以及他们所处的那个特殊的时代背景。我渴望通过这本书，去理解那些艺术家们是如何在画布上建立起一个属于他们自己的、充满情感和精神力量的宇宙。

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