In the process of creating modern art following India's independence in 1947, Indian artists faced a paradox as they sought to maintain a local idiom, an 'Indianness' representative of their newly independent nation, while connecting to modernism, an aesthetic then understood as universal and Western. They depicted India's pre-colonial past while embracing aspects of modernism's rejection of the past in pursuit of the new, and they challenged the West's dismissal of non-Western places and cultures as 'not modern', as sources of primitivist imagery but not of modernist artworks. Highlighting these paradoxes, Rebecca M. Brown explores the emergence of a self-conscious Indian modernism - in painting, drawing, sculpture, architecture, film, and photography - in the years between independence and 1980, by which time the Indian art scene had changed significantly and postcolonial discourse had begun to complicate mid-century ideas of nationalism. Through close analyses of specific objects of art and design, Brown describes how Indian artists engaged with questions of authenticity, iconicity, narrative, urbanization, and science and technology. In his acclaimed Apu trilogy (1955-59), the filmmaker Satyajit Ray presented the rural Indian village as a socially complex space rather than as the idealized site of 'authentic India'. The painter Bhupen Khakhar reworked Indian folk idioms and borrowed iconic images from calendar prints in his paintings of urban dwellers such as "Man with Bouquet of Plastic Flowers" (1976). In planning the Ashok Hotel and the Vigyan Bhavan conference centre in New Delhi during the 1950s, Indian architects developed a revivalist style of bold architectural gestures anchored in India's past. Discussing these works of art and design along with others, Brown chronicles the mid-twentieth-century trajectory of India's modern visual culture.
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这本《Art for a Modern India, 1947-1980》给我最大的惊喜,在于它所呈现出的那种“现代性”的复杂度和多维度。在阅读之前,我可能对“印度现代艺术”的概念有些模糊,觉得它可能就是模仿西方,或者仅仅是表现一些异域风情。但读了这本书,我才意识到,印度在走向现代化的过程中,艺术家们所经历的挣扎、探索和创新,是多么的深刻和独特。他们是如何在吸收西方现代艺术理念的同时,又坚定地捍卫和发展自己的民族文化根源?书中对这个问题的探讨,令人深思。我尤其欣赏作者在描绘不同艺术家的艺术理念时,那种细腻入微的洞察力。无论是那些致力于融合印度传统绘画技法与西方现代观念的大师,还是那些大胆尝试新媒介、新表现形式的先锋,他们身上都闪烁着独立思考和创新精神的光芒。这本书就像一位博学的向导,带领我穿梭于那个充满变革与活力的时代,去发现印度艺术的独特魅力和深远影响。
评分我最近一口气读完了《Art for a Modern India, 1947-1980》,感觉自己仿佛经历了一场横跨数十年的艺术盛宴。这本书给我带来的不仅仅是知识的增长,更多的是一种精神上的触动。它让我看到了一个国家在诞生初期,艺术家们是如何用他们的画笔、雕塑和各种媒介,去描绘、去建构、去定义一个崭新的“印度”的。书中对社会现实的关注,对民族身份的探索,以及对个体情感的表达,都贯穿始终,并且随着时代的变迁而呈现出不同的面貌。我喜欢作者在分析作品时,那种不落俗套的视角,她总能找到那些被忽视的细节,挖掘出作品背后隐藏的深意。读这本书,你会感觉到,艺术从来不是孤立存在的,它与社会、文化、历史有着千丝万缕的联系,并且以最直接、最感性的方式,反映着那个时代的脉搏。对于任何对印度文化、对艺术史,乃至对国家发展历程感兴趣的读者来说,这本书都是一本不可多得的佳作。
评分不得不说,对于一个像我这样,平常只关注一些西方经典艺术作品的读者来说,《Art for a Modern India, 1947-1980》带来了一种全然不同的视角和体验。它彻底颠覆了我对“艺术史”的固有认知,让我意识到,在世界的另一端,在印度这样一个充满文化底蕴和历史厚重感的国度,也孕育出了如此丰富且富有生命力的艺术运动。这本书的编排非常有条理,从1947年独立至今的这三十多年,被清晰地划分为几个重要的时期,每个时期都有其独特的艺术特征和代表人物。我印象特别深刻的是,书中不仅探讨了那些被学院派认可的“高雅艺术”,还花了相当大的篇幅去挖掘和介绍那些源自民间、植根于乡土的艺术形式,以及它们如何被现代艺术家所借鉴和转化。这种对多元文化元素的尊重和整合,正是现代印度艺术最吸引我的地方之一。作者的文字充满了一种温和的力量,她用一种非常平等和包容的态度,去解读每一件作品,每一个艺术家的选择,让读者能够感受到艺术背后的情感和思考。
评分老实说,我在拿起《Art for a Modern India, 1947-1980》之前,对印度艺术史的了解几乎为零。但这本书的叙事方式,用一种非常引人入胜的语言,让我迅速进入了那个充满活力的艺术世界。作者的写作风格非常灵活,有时像一位充满激情的艺术评论家,对作品进行深刻剖析;有时又像一位亲切的朋友,娓娓道来那些艺术家的故事和他们的创作心路历程。我特别喜欢书中对不同时期艺术思潮的梳理,从最初的带有政治色彩的民族主义艺术,到后来对形式和抽象的探索,再到更具个人化和实验性的表达,整个过程都显得那么自然而有逻辑。这本书让我意识到,印度艺术的发展并非一条直线,而是充满了曲折、碰撞与融合。那些艺术家们,在时代的洪流中,既有对传统的反思,也有对未来的憧憬,他们用自己的方式,为现代印度留下了宝贵的艺术财富。这本书的价值,不仅在于它记录了艺术,更在于它解读了艺术背后所蕴含的时代精神和文化基因。
评分这本《Art for a Modern India, 1947-1980》绝对是一次令人着迷的探索之旅,即便你对印度当代艺术史知之甚少,也能被其丰富的叙事所吸引。作者以一种近乎学者的严谨,却又饱含深情的笔触,为我们勾勒出独立后印度艺术发展的宏大图景。从民族独立初期的理想主义萌芽,到社会变迁中的艺术探索,再到国际化视野下的多元发展,书中的每一个章节都像是打开了一扇通往不同时代的窗户。我尤其喜欢作者在解读艺术作品时,那种将艺术创作与社会、政治、经济背景紧密结合的分析方法。它不仅仅是罗列艺术家和作品,而是试图理解这些艺术品是如何在那个特定时期,回应并塑造着“现代印度”这一概念的。书中对抽象表现主义、现实主义以及民间艺术复兴等不同流派的介绍,都十分到位,既有清晰的理论阐述,又不乏生动的案例分析。读完,你不仅会对那些艺术家的名字和他们的作品留下深刻印象,更会对那个时代的印度,有了更深层次的理解和感悟。它不仅仅是一本艺术史,更是一部关于国家身份构建和文化觉醒的动人史诗。
评分ch1. 在殖民传统中寻求自我。
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