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出版者:

作者:Nadeem, Shahid

出品人:

页数:378

译者:

出版时间:2009-4

价格:$ 28.19

装帧:

isbn号码:9780195474770

丛书系列:

图书标签:

• 戏剧
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《未竟的旋律：十九世纪欧洲室内乐的沉浮与变迁》 一部深入剖析十九世纪欧洲室内乐发展历程的权威之作，揭示了从古典主义的余晖到浪漫主义的汹涌浪潮中，小型合奏形式如何经历深刻的艺术变革与社会重塑。 导言：时代的和声与微小的剧场 十九世纪的欧洲，是一个充满剧烈变革的时代。工业革命的轰鸣、民族主义的勃兴、中产阶级的崛起，共同塑造了一个新的文化景观。在宏大的交响诗和歌剧光芒的映照下，室内乐——这种需要演奏者之间进行最精微对话的艺术形式——在悄然中经历了一场深刻的内部革命。它不再仅仅是贵族沙龙中的消遣，而成为了作曲家们探索个人情感、实验对位法、以及回应时代精神的“微小剧场”。 本书《未竟的旋律》旨在超越传统的音乐史叙事，聚焦于室内乐在这一关键时期的生存状态、艺术形态的演变，以及它在音乐社会结构中的地位变迁。我们考察了弦乐四重奏、钢琴三重奏、钢琴五重奏等核心体裁，如何在新旧思想的碰撞中，找到新的表达语言和存在价值。 第一部分：从古典主义的坚固基石到浪漫主义的个人独白（1800-1840） 第一章：贝多芬遗产的重负与解放 拿破仑战争的硝烟尚未散去，贝多芬晚期弦乐四重奏的“晦涩”与深刻，为后来的作曲家树立了一座难以逾越的高峰。本章细致分析了贝多芬在结构、和声以及对位法运用上的突破，如何使四重奏从“娱乐性合奏”一跃成为严肃的哲学探讨。 我们审视了舒伯特如何继承并转化了这一遗产。舒伯特的室内乐作品，如他最后的几部四重奏和几部钢琴五重奏，展现了一种前所未有的抒情性与内在的忧郁。他放弃了贝多芬式的宏大戏剧冲突，转而追求一种更内敛、更侧重于声部之间微妙色彩交织的“歌曲性”。我们重点分析了《死神与少女》中，对既有形式的改造如何服务于强烈的主观情感表达。 第二章：钢琴三重奏的“家庭化”与“英雄化”的拉锯 在室内乐谱系中，钢琴三重奏（小提琴、大提琴、钢琴）的地位尤为微妙。它既是家庭演奏的理想选择，又是展示钢琴家炫技才能的舞台。本章追溯了从海顿、莫扎特的清晰结构到贝多芬的“钢琴驱动”模式的转变。 在浪漫主义初期，这一体裁面临两难：是回归到钢琴与弦乐的平等对话（如门德尔松早期的作品），还是彻底让钢琴成为叙事的主导者（如早期的肖邦）。本书通过对大量早期出版乐谱的分析，揭示了出版商和听众对“悦耳性”和“技巧展示”的需求，如何影响了作曲家对该体裁的最终定型。 第二部分：中世纪的复兴与“新德意志学派”的挑战（1840-1875） 第三章：室内乐中的“中世纪幽灵”——复古主义的浪潮 十九世纪中叶，随着民族主义和历史意识的觉醒，室内乐领域出现了一股强劲的复古（Archaism）浪潮。作曲家们，特别是德国和奥地利的音乐家，开始向巴赫和亨德尔的对位法原则回归，试图以此对抗当时盛行的、被认为“过度感性化”的李斯特式狂想曲风格。 我们详细考察了这种复古主义如何渗透到室内乐结构中。例如，舒曼的几部室内乐作品，虽然植根于浪漫的抒情传统，但在对位和赋格结构的运用上，明显受到了对巴赫研究热潮的影响。本书区分了“真诚的复兴”与“形式上的模仿”，并指出这种对古典形式的重新审视，为后来的勃拉姆斯奠定了理论基础。 第四章：勃拉姆斯：室内乐的真正救世主？ 约翰内斯·勃拉姆斯被誉为“浪漫主义时代的贝多芬”。他的室内乐作品，尤其是在他三十岁之后，成为了衡量浪漫主义室内乐成熟度的标尺。本书认为，勃拉姆斯真正的贡献不在于发明了新的体裁，而在于他对现有体裁——尤其是弦乐四重奏和钢琴三重奏——进行了前所未有的“密度”和“复杂性”的强化。 我们对比分析了勃拉姆斯早期（如降E大调第一钢琴四重奏）和成熟期（如升c小调第二钢琴四重奏）的作品，论证了他如何将严谨的对位技巧、复杂的节奏型与深刻的德奥浪漫主义情感语汇无缝融合。他的作品要求演奏者和听众都具备极高的音乐素养，标志着室内乐正式脱离了沙龙和大众娱乐的范畴，成为严肃音乐会的核心。 第三部分：欧洲的十字路口：从德奥中心到巴黎的精致与俄国的广阔（1875-1900） 第五章：巴黎的“光影”：德彪西前奏曲与法式的精致 当德奥地区沉浸在勃拉姆斯的厚重主题和严密结构中时，巴黎的音乐家们，如弗兰克和随后的德彪西，为室内乐注入了新的色彩和空气感。 以塞萨尔·弗兰克为例，他通过循环曲式的使用，赋予了室内乐叙事连贯性，但其和声语言却明显倾向于更流动的色彩变化。本书深入研究了德彪西对钢琴音色和弦乐泛音的探索，如何在室内乐的语境下，挑战了传统德奥和声的逻辑。我们考察了《为长笛、中音提琴和大提琴而作的奏鸣曲》，探讨了如何在极简的配器中，实现“印象派”的光影效果。 第六章：斯拉夫的“异域之声”：民族乐派与室内乐的融合 十九世纪末，东欧的民族乐派作曲家们——德沃夏克、斯美塔那、柴可夫斯基——将他们的民间旋律、斯拉夫节奏以及对故土的深情融入室内乐创作。 本书分析了这种融合的复杂性。德沃夏克在美国期间创作的弦乐四重奏（如“美国”），展示了传统欧洲体裁如何吸收异域（美洲原住民和黑人灵歌）的节奏和旋律元素而不失其核心结构。我们认为，民族乐派的介入，极大地拓宽了室内乐的“情感词汇表”，使其能够表达更广泛的地域性叙事。 结论：未竟的探索与未来的奠基 十九世纪的室内乐，是一部不断自我定义、不断在“传承”与“创新”之间拉扯的历史。它在面对交响乐的宏大叙事时，选择了深化内省的维度；在面对新兴的中产听众时，学会了在技巧展示与艺术深度之间寻求平衡。 本书总结道，这一时期的室内乐作品，无论其风格如何分化，其核心都在于对“人与人之间最直接、最不加修饰的对话”的追求。这些作品不仅为二十世纪的勋伯格、肖斯塔科维奇等人的革新铺平了道路，更以其永恒的亲密感和智性挑战，确保了室内乐在所有音乐体裁中不可替代的地位。通过深入挖掘这些作品背后的社会、哲学与艺术动机，我们得以理解，为何这些“微小的剧场”最终成为了欧洲音乐史上最宏伟的舞台之一。

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