具体描述
Since its inception in 2005, MOME has bridged the gap between the contemporary graphic novel scene and the current cutting-edge literary scene, serving as a perfect sampler of today's best young graphic novelists in a quarterly format that sits as handsomely on the newsstand alongside journals like McSweeney's and Paris Review as it does in the graphic novels section. Vols. 13 and 14 of the popular series welcome the return of renowned graphic novelist David B. (Epileptic, Babel) as well as returning regulars Jonathan Bennett, Sophie Crumb, Andrice Arp, Paul Hornschemeier, Kurt Wolfgang, Eleanor Davis, Zak Sally, Tom Kaczynski, Dash Shaw, Joe Kimball, and Ray Fenwick. Tim Hensley also returns with more of his brilliant "Wally Gropius" strips, as does fan favorite Al Columbia Plus, several other surprises from some of the best new talent in comics. MOME is an accessible, reasonably priced quarterly running approximately 120 pages per volume, mostly in color, and spotlighting the most exciting new storytellers in comics along with special surprises. MOME is quickly earning a reputation as one of the premier literary anthologies on the shelves, and the only one composed almost entirely of comics.
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用户评价
这本书，说实话，拿到手的时候，我心里是抱着一种近乎朝圣般的心情的。毕竟“MOME”这个名字在独立出版界，尤其是在关注先锋艺术和哲学思辨的圈子里，那份厚重感是毋庸置疑的。我首先翻阅的是它的目录和那些赫然醒目的标题——那些关于“后数字时代的身体政治”的探讨，或是“孟菲斯设计运动的幽灵”这类文章，每一个词组都像一块精心打磨过的鹅卵石，散发着冷峻而深邃的光泽。我记得当时正值一个漫长的雨季，正好适合沉浸在这种需要高度集中注意力的文本之中。然而，当我真正开始深入阅读那些关于符号学变迁的长篇论述时，我发现自己像一个迷失在巨大迷宫里的探险者。作者们似乎共享着一种高度默契的语言体系，那是建立在大量晦涩理论基础之上，对于习惯于更直白叙事节奏的读者来说，无疑构成了一道高耸的知识壁垒。我花了几乎一周的时间，才勉强消化了其中一篇关于“非物质劳动与景观消费”的章节，那种感觉更像是完成了一项艰巨的学术任务，而非享受阅读的乐趣。纸张的质感倒是上乘，那种略带粗粝的触感配合着严谨的排版设计，确实体现了它作为一份高质量刊物的身份，但在内容消化上，我不得不承认，我这次的“朝圣之旅”遇到了不少颠簸的路障。
评分这份特刊给我的直观感受，可以用“精美到令人窒息”来形容，但这种精美却有着一种令人不安的疏离感。它的视觉语言是如此大胆和具有攻击性，那些大量采用的超现实主义摄影作品和极简主义的图形设计，仿佛在不断地质疑着你对“美”的基本定义。我特别留意了其中几页关于“新兴城市美学”的专题部分，那些被捕捉到的、关于钢筋混凝土与自然光线交织的瞬间，摄影师的镜头语言冷酷而精确，它不带任何情感地记录着现代都市的骨架。但这种过度的风格化，反而让内容本身显得有些单薄。我期待着一种更富有人文关怀的切入点，或许是对居住在这些结构中的个体的细腻观察，但书本似乎更热衷于探讨结构本身，探讨形式对精神的压制。读完之后，我脑海中留下的是一片片清晰、锐利的几何图形，而不是鲜活的人物故事或深刻的社会洞察。它更像是一份面向未来设计师或理论家的“工具书”或“灵感板”，对于我这种试图在艺术与日常生活中寻找连接点的普通爱好者来说，它似乎过于高冷，让人难以亲近，总有一种被挡在玻璃墙外的感觉。
评分这份MOME特刊的定价是相当高的，这无疑也设定了它面向的受众群体——那些有足够的经济能力和学术储备来“消费”这些前沿思潮的专业人士。我尝试着从哲学思辨的角度去理解它所探讨的“存在的消解”，但每当我的思维试图抓住一个清晰的哲学框架时，这本书又会用一串精心构造的、充满拉丁文和德文术语的句子将我推开。它就像一位技艺高超的魔术师，一直在展示他如何用各种复杂的道具和手法来迷惑你的双眼，让你惊叹于他的技巧，但最终你却不确定他到底表演了什么“戏法”。我更欣赏那些能将复杂的思想提炼成清晰、有力的洞察的作者。这本书展现的，更多是思想的“密度”，而非思想的“穿透力”。它让我感觉，我正在阅读的，与其说是知识的传递，不如说是一种身份的象征——一种宣告自己站在思想最前沿的姿态。所以，它很适合摆在书架上，作为一种品味的佐证，但要说它真正改变了我对世界的某一 konkret 看法，坦率地说，我还没有找到那个突破口。
评分翻阅这本书，我最大的困惑来自于其跨学科的碎片化倾向。它似乎试图在一期之内涵盖从建筑学批判到声音艺术的整个光谱，但这种广度却牺牲了深度。每一篇文章都像是一次快速而急促的闪现，它抛出了一个引人深思的论点，却在关键时刻戛然而止，将后续的探讨留给了读者去“自行补完”。例如，其中一篇关于“网络延迟与时间感知”的短文，开篇极其惊艳，用一种近乎诗意的语言描述了数据传输中的微小停顿如何重塑我们的“现在”。我内心激动地期待着它如何构建一个全新的时间哲学模型，但随后的篇幅却转向了对某个特定软件界面的分析，这种跳跃显得突兀且缺乏必要的过渡。这使得阅读体验变得像是在玩一个复杂的拼图游戏，但最重要的几块关键碎片却被故意隐藏了。我不断地在寻找一个核心的、可以贯穿始终的“主线”，但收获的却是更多更精巧的“支线”——它们各自精彩，却无法交汇成一条令人信服的河流。
评分说实在的，我购买它更多是出于一种“收藏”的心理，而非“阅读”的渴望。当我把它和其他一些我钟爱的文学作品并排放置时，它散发出的气质是完全不同的——更像是一件精心制作的艺术品，而非一个承载故事的载体。那些关于当代装置艺术的评论，其语气之坚定、论断之绝对，读起来颇有种“时代宣言”的意味。评论者似乎认定他们的解读就是唯一的真理，丝毫没有留给读者自行揣摩和质疑的空间。这种不容置喙的权威感，对于我这种喜欢在阅读中进行自我对话的人来说，是一种无形的束缚。我试图在其中寻找一些可以引发共鸣的、关于创作困境或自我怀疑的挣扎，毕竟艺术的本质常常与痛苦相伴，但文本中充斥的却是一片对现有体制的批判和对未来趋势的自信满满的预言。我甚至在想，作者们是否已经太过沉醉于自我建构的完美逻辑中，以至于忘记了，艺术最终是要与真实的、不完美的生命经验产生碰撞的。这本书提供的是一个高度提纯的理论环境，一个远离尘嚣的象牙塔。
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