具体描述
In this issue of "Parkett," Jan Verwoert describes Tomma Abt's abstractions as "defined by a kind of retroactive temporal logic: the movement that leads to the finished picture is a movement that keeps flowing back on itself in the process of overpainting." Julien Fronsacq calls Mai-Thu Perret's work "a product of a different persona" and suggests that it revolves "around the structure of the novel." According to Johanna Burton, Zoe Leonard uses the predominantly male photographic lineage to "speak in tongues," and to play with expectations--even as she expresses the metaphysical loneliness inherent to the medium: "There is no such thing as a truly entwined gaze," writes Burton, "only ever the promise of one and the deep breach that results from its impossibility." Also: Philipp Kaiser on Richard Hawkins, Josef Strau on Ei Arakawa, Charles Bernstein on art criticism, texts by Philip Ursprung and Jens Hoffmann, insert by John Stezaker and spine by Paulina Olowska.
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坦白说，我最初拿起这本厚重的刊物时，是抱着一种略微功利的心态，期待能从中找到一些关于市场热点或即将爆发的新星的线索。然而，阅读过程逐渐将我的关注点从“价值”转向了“质地”。书中对媒介本体论的探讨，尤其是在探讨摄影的物质性与数字图像的瞬时性之间的张力时，展现出一种近乎偏执的细致。它不满足于表面的图像再现，而是试图穿透屏幕或相纸的物理层面，去探究艺术家如何处理“存在”和“痕迹”这两个永恒的命题。 那些关于特定艺术项目的个案研究，其资料的丰富程度令人咋舌。我看到对一个长达数年的行为艺术项目的详细时间线梳理，其中不仅包含了官方记录的影像资料，更有大量的工作笔记、观众的即时反馈，甚至是项目发起者在特定日期记录下的情绪波动。这种极度的透明化处理，使得读者能够以一种几乎是参与者的身份去体验艺术创作的完整周期，而非仅仅欣赏其最终的定格瞬间。这种详尽的文献呈现，是那些轻浮的艺术杂志完全无法比拟的深度体现。
评分这本名为《Parkett, No. 84》的出版物，单从其装帧和内页的设计来看，就流露出一种对当代艺术领域细致入微的关注与探索精神。首先映入眼帘的是那种特有的、略带粗粝感的纸张触感，它似乎在无声地与读者对话，暗示着其中收录的内容并非是那种经过过度修饰的、商业化的艺术品展示，而更接近于一种深入工作坊或艺术家工作室的内部视角。我尤其欣赏它在排版上所展现出的那种大胆的留白艺术，这种留白并非空洞，而是精心计算过的呼吸空间，让每一篇独立的文章、每一幅图像都有了足够的视觉重量去支撑其所承载的观念。 读完一些引人深思的导言之后，我立刻感受到一种强烈的学术气息与策展思维的碰撞。那些关于特定艺术运动或新兴媒介的深度分析，其论述的严谨性让人联想到大学的研讨会报告，但措辞上却又避开了学院派的冗余和晦涩，转而使用了一种更具现场感和批判性的语言。例如，其中对于某些国际双年展的评论，没有停留在简单的赞美或批判，而是深入挖掘了展览背后的地缘政治语境与艺术资本的流转关系，这种多维度的解读视角，极大地拓宽了我对当代艺术生态的理解边界。它不是简单地呈现作品，而是试图解构作品诞生的复杂场域。
评分我必须指出，这本书在呈现某些实验性视觉艺术作品时，所采取的印刷技术与色彩还原度达到了一个令人惊叹的高度。那些涉及复杂光影和微妙色阶过渡的绘画或摄影作品，在经过专业筛选的纸张上得以再现，其色彩的纯净度和细节的层次感，几乎可以媲美原作在特定灯光下的观感。这种对“再现质量”的极致追求，体现了出版方对艺术图像伦理的深刻理解——即媒介的选择本身就是阐释的一部分。 更深层次来看，我注意到其对“时间性”在艺术中的处理尤为深刻。无论是通过长曝摄影捕捉到的空间中隐秘的运动轨迹，还是通过文字描述的那些漫长、近乎静止的雕塑创作过程，这本书都在提醒我们，艺术的价值不仅仅在于我们“看到”了什么，更在于它如何迫使我们重新审视我们“感知”时间的方式。那些对衰变、记忆和遗忘主题的探讨，都以一种沉静而有力的姿态，将读者带入一种更具哲学深度的冥想之中。这是一本需要慢读、值得反复把玩的艺术文献。
评分这本书的版式设计简直是一场视觉的冒险。我得承认，第一次翻阅时，有几个跨页的布局让我感到有些措手不及，它们打破了传统图录的线性叙事逻辑，仿佛故意在引导读者在信息流中迷失片刻，然后猛然间又被一张极具冲击力的摄影作品或装置图景所捕获。这种跳跃感，恰恰模拟了我们在真实艺术空间中体验作品时的那种不确定性和惊喜交织的心情。特别值得一提的是，其中穿插的一些艺术家访谈片段，往往被设计成一种非对称的布局，文字与留白、甚至是一些手写的注释风格的字体，共同构成了一种视觉诗意，让人感觉不是在阅读文字，而是在破译一封写给未来的信件。 在内容层次上，该期似乎格外专注于那些处于“边缘”或“过渡期”的艺术实践。我注意到好几篇篇幅较长的文章，它们深入挖掘了一些在主流媒体上鲜有露面的艺术群体，探讨了他们如何利用低技术或非传统材料进行具有高概念性的表达。这种对“未被充分记录”的艺术史的抢救性关注，令人印象深刻。它不仅仅满足了艺术爱好者的求知欲，更像是在为未来的艺术史学家提供了第一手的、未经净化的原始资料。文字的密度很高，需要反复咀嚼，但每一次回味，都能从中提取出新的细微差别和潜在的哲学指向。
评分这期《Parkett》的语言风格呈现出一种令人愉悦的、有时甚至是尖锐的内在张力。它在保持严肃探讨的同时，又时不时地冒出几句辛辣的、直指时弊的评论，这种“鞭策”的态度，使得阅读体验充满了活力，而不是陷入沉闷的学术泥沼。我特别欣赏其中一篇关于公共空间介入的评论，作者的笔法犀利如刀，毫不留情地剖析了艺术介入公共领域时常伴随的“伪善性”和“同化风险”。这种不妥协的批判精神，是真正优秀的艺术刊物不可或缺的脊梁。 此外，我感觉编辑团队在国际视野的平衡上也做得非常到位。它避免了过度聚焦于某一两个文化中心的影响力，而是巧妙地将来自不同大陆、使用不同母语的艺术声音编织在一起，形成一个多声部的对话场域。阅读这些不同文化背景下的艺术叙事交织时，我体验到了一种真正的全球化脉动——即艺术是如何在不同的社会结构和历史记忆中，以异质但又相通的方式，回应人类共同的生存困境。这种编辑的智慧，远超出了简单地“罗列”作品的范畴。
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