Music in Theory and Practice, Volume 1 with Audio CD pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:McGraw-Hill Humanities/Social Sciences/Languages

作者:Bruce Benward

出品人:

页数:416

译者:

出版时间:2008-05-16

价格:$ 125.71

装帧:Spiral-bound

isbn号码:9780077254940

丛书系列:

图书标签:

• 音乐
• 艺术
• 音乐理论
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• 和声学
• 作曲
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• 音乐分析
• 音频教材

乐理与实践，第一卷（附音频CD） 《乐理与实践，第一卷（附音频CD）》是一本旨在为音乐学习者构建坚实理论基础的综合性教材。本书循序渐进地引导读者深入理解音乐的内在结构和运作原理，并将其与实际的音乐创作和表演紧密结合。 本书涵盖的核心内容： 音高与音程： 从最基本的音符和音名开始，系统讲解全音、半音、音程的构成、分类以及识别方法。读者将学习如何准确地读写音符，理解不同音程在音乐中的情感色彩和功能。 音阶与调式： 深入探讨各种大小调音阶的构成、特点及其在音乐中的作用。本书将详细介绍自然大调、和声大调、旋律大调，以及自然小调、和声小调、旋律小调。同时，还将触及一些重要的调式，如教会调式，帮助读者理解不同调式带来的独特听觉感受。 和弦与和声： 详细介绍三和弦、七和弦等基本和弦的构建方法，以及它们在音乐中的连接和功能。读者将学习如何识别不同和弦的音响特征，理解和弦进行在音乐中的逻辑性和表现力，并通过实际练习掌握基础的和声写作技巧。 节奏与节拍： 阐释各种拍号的意义，讲解全音符、二分音符、四分音符、八分音符等各种时值符号的运用，以及休止符的概念。通过对节奏模式的分析和练习，读者将能够准确地把握音乐的脉搏和律动。 音乐形式与结构： 介绍基本的音乐曲式，如二部曲式、三部曲式、回旋曲式、奏鸣曲式等。读者将学习如何分析乐曲的段落划分、主题发展以及整体结构，从而更深刻地理解音乐作品的组织方式。 记谱法与音乐术语： 全面介绍各种乐谱符号的意义和用法，包括高音谱号、低音谱号、转调记号、表情记号、演奏技法符号等。本书还将解释和定义大量的音乐术语，确保读者在阅读和理解音乐作品时无障碍。 音乐的感知与聆听： 除了理论知识，本书还强调了通过积极的聆听来加深对音乐的理解。附带的音频CD提供了大量的音乐范例，涵盖了不同时期、不同风格的优秀作品，引导读者在实际聆听中体会乐理知识的应用，辨别音程、和弦、调式以及乐曲形式。 本书的特色： 理论与实践相结合： 本书不局限于枯燥的理论讲解，而是通过大量的练习题、乐曲分析以及音频CD中的示例，将理论知识转化为实际的音乐技能。读者将被鼓励进行创作和改编，将所学知识应用于实践。 清晰的结构和逻辑： 内容编排合理，层层递进，从基础概念到复杂理论，帮助读者建立清晰的学习路径。每章节后都配有复习题和练习，巩固所学内容。 丰富的音频资源： 附带的音频CD提供了与教材内容相匹配的音乐范例，包括不同乐器的独奏、合奏片段，以及各种乐理概念的清晰演示。这对于听觉学习者来说是宝贵的资源，能够有效提高学习效率和理解深度。 适合多种学习者： 无论是初次接触音乐理论的学生，还是希望系统梳理和深化音乐知识的音乐爱好者，本书都能提供有价值的指导。它既是音乐学院学生的入门教材，也是业余学习者的理想伴侣。 注重音乐的感性体验： 在严谨的理论分析之外，本书也鼓励读者去感受音乐的情感和表现力。通过对不同音乐作品的赏析，培养读者的音乐审美能力。 《乐理与实践，第一卷（附音频CD）》不仅仅是一本教材，更是一扇通往音乐世界奥秘的大门。它将帮助您解锁音乐的语言，理解旋律的起伏，感受和声的色彩，从而更自由、更有深度地体验和创造音乐。通过本书的学习，您将能够更加自信地解读乐谱，分析音乐作品，甚至开始自己的音乐创作之旅。

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这本《音乐理论与实践》的教材，光是名字就透露出一种严谨和系统的气息，让我这个初涉音乐殿堂的门外汉既敬畏又充满期待。我原本以为音乐学习无非就是死记硬背一些音阶和和弦，但翻开这本书后，才发现真正的音乐世界远比我想象的要宏大和精妙。首先吸引我的是它对基础概念的阐述，简直是化繁为简的大师手笔。比如，对调性（tonality）的解释，它没有用那些晦涩难懂的术语堆砌，而是用生动的比喻，将复杂的音响关系描绘得清晰可见，仿佛我能“看”到音符是如何相互作用、构建起整个音乐结构的。作者在处理节奏（rhythm）时，也展现了极高的耐心，将复合拍号和不规则节拍的划分讲解得层次分明，配合着书中的实例，即便是像我这样节奏感相对迟钝的人，也能逐步跟上节奏的脉搏。更让我惊喜的是，书中对听觉训练的重视，这套书显然是为“学以致用”而设计的，而不是仅仅停留在纸面上的理论堆砌。它潜移默化地引导读者去“听”——去分辨和弦的色彩变化，去捕捉旋律线条的起承转合。这本书就像一位经验丰富的音乐导师，它不仅仅告诉你“是什么”，更重要的是教你“为什么”以及“如何去感受”。对于任何想建立扎实音乐理论基础的人来说，这绝对是一块不可多得的基石。

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从一名学习者的角度来看，这套教材真正令人称道的是它提供的“多维学习路径”，它不仅仅是纸面上的知识传递，更是一种全面的能力构建。在学习那些需要耳朵验证的环节时，书本提供的辅助资源（虽然我这里只谈论书籍本身，但其理论设计显然是围绕着一个更完整的系统构建的）是其理论框架能够成功落地的关键保障。书中对声部进行（voice leading）的讲解，其细致程度让我仿佛置身于一个小型合唱团的排练室。它不仅仅告诉你如何避免平行五度，更深入探讨了如何确保每个声部线条的连贯性和歌唱性（singability）。这需要读者不仅在视觉上理解，更要在脑海中不断地“唱出”这些声部，确保它们之间的和谐共存。这种对“实践”的强调，即使在纯理论的章节中也从未间断。它让你明白，每一个理论规则的背后，都蕴含着人类听觉的审美偏好和情感表达的需求。这本书成功地将“智力上的理解”与“听觉上的感受”紧密地结合起来，使理论学习不再是冰冷的数学游戏，而是一场充满人文关怀的艺术探索。

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我必须承认，这本书的排版和设计，虽然经典耐看，但对于习惯了当代鲜亮色彩和大量图表的读者来说，可能需要一个适应期。它的视觉语言是内敛的，主要依靠清晰的字体和精确的乐谱示例来支撑内容的传达。然而，正是这种朴素，反而凸显了其内容的重量。我注意到，书中的每一个示例，无论是短小的和弦进行，还是复杂的赋格片段，都经过了精心的筛选，它们完美地契合了正在讨论的理论点，没有丝毫多余的“填充物”。特别是对曲式分析（form analysis）的部分，作者使用了一种非常清晰的层次标注法，将奏鸣曲式（sonata form）的呈示部、发展部和再现部的结构划分得一目了然，再配合那些标志性的历史乐曲作为案例，使得原本抽象的结构概念变得具象化、可触摸。我曾尝试用其他更“现代”的教材来学习曲式，但往往因为图示过于简化或分析过于草率而效果不佳。这本教材的细致入微，体现了一种对知识传递的责任感——它要求读者付出专注，同时也保证了学习的质量和有效性，绝对是“少即是多”的典范。

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坦白说，这本书的深度和广度一开始确实让我有些手足无措，它绝对不是那种可以轻松翻阅的消遣读物，更像是一份需要投入大量精力去啃食的学术“大餐”。我记得第一章关于对位法（counterpoint）的介绍，其详尽程度令人咋舌，从最基础的平行八度、五度的禁止，到复杂的旋律线条交织，每一步骤都伴随着大量来自巴赫时代的经典范例进行剖析。这要求读者必须静下心来，对照着书本上的五线谱逐一分析，思考每一个音符选择背后的逻辑和声学效果。阅读过程中，我频繁地拿起铅笔，在谱子上做标记，标注那些关键的导音进行、解决倾向，以及不协和音程的解决路径。这种沉浸式的学习体验，虽然耗费心神，但带来的收获是无可替代的。它强迫我走出舒适区，去直面音乐创作中最核心的“结构美学”。而且，这本书在讲解时，极少采用如今流行的那种碎片化教学方式，而是坚持系统性地铺陈知识体系，从单音到和声，再到曲式分析，环环相扣，逻辑严密得像是一座精心设计的迷宫。对于那些渴望成为作曲家或高级演奏者的人来说，这种严谨的训练是通往精通的必经之路，它塑造的不仅仅是知识，更是一种严谨的音乐思维模式。

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这本书最让我感到“物超所值”的地方，在于它对音乐史脉络的巧妙整合，这绝非一本单纯的理论手册可以比拟的。作者深知，音乐理论是依附于历史语境而存在的。因此，在讲解某个特定的和声手法时，比如关于调式（modes）的运用，它会立刻将我们拉回到中世纪圣咏的氛围中去体会其原始的纯净感；当讨论到功能和声（functional harmony）时，又无缝衔接到巴洛克和古典主义时期的标准框架内。这种“理论即历史，历史即理论”的编排方式，极大地丰富了我们对所学知识的理解深度。我不再只是机械地记住“属七和弦解决到主和弦”，而是开始理解在特定历史时期，这种解决方式是如何成为一种社会和审美规范的。书中对不同时期作曲家如何“打破”或“拓展”既有规则的分析尤为精彩，它展示了理论的生命力正在于其被挑战和超越的过程。这种历史的纵深感，让枯燥的规则学习变得像是在追溯一条波澜壮阔的文化河流，让人对音乐艺术的演变过程产生由衷的敬畏和热爱。

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