具体描述
Jeffrey Richards examines the cultural, social, economic and technological circumstances that dictated the rise and decline of each successive cycle of Ancient World epics, from the silent film era, to the "golden age" of the 1950s, right up to the present day ("Gladiator," "300," "Rome"). Analysis reveals that historical films are always as much about the time in which they are made as they are about the time in which they are set. The ancient world is often used to deliver messages to the contemporary audience about the present: hostility to totalitarian regimes both Fascist and Communist, concern at the decline of Christianity, support for the new state of Israel, celebrations of equality and democracy, and concern about changing gender roles. The whole adds up to a fresh look at a body of films that people think they know, but about which they will learn a good deal more.
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用户评价
这本书的结构非常线性且富有条理，对于初次接触好莱坞历史的读者来说，无疑是一份极佳的入门指南。作者清晰地梳理了从默片时代向有声电影过渡时期，制片厂如何建立起自己独特的“人才工厂”体系，这部分内容逻辑严密，脉络清晰，让人对资本如何高效地将“天赋”转化为“产品”有了直观的认识。书中对早期合同条款和明星保密协议的解析，读起来非常有趣，揭示了“造星运动”背后的法律和商业壁垒。美中不足的是，作者在讨论不同族裔和少数群体在银幕上的代表性议题时，态度显得过于保守和应景，似乎是在用现代的眼光去审视过去，而非深入理解当时社会语境下的妥协与进步的微妙平衡。这种处理方式使得某些关键的社会批判部分显得力度不足，有些流于表面化，缺乏批判性的锐度。它成功地描绘了“光影之城”的辉煌，但在探讨其阴影面时，似乎有些犹豫不决了。
评分我最近沉迷于研究二十世纪中叶的视觉艺术与社会思潮的交汇点，而这本书提供的视角，虽然聚焦于银幕上的宏大叙事，却意外地触及了那个时代集体潜意识的脉搏。作者的叙事节奏非常老练，擅长在快速剪辑般的场景切换中，抛出令人深思的论断。比如，他对战后美国对“古典美”的集体怀旧情结如何被好莱坞的布景师们精准捕捉并放大，那段分析极其深刻，让我重新审视了那些看似俗套的异域风情片。不过，书中对技术革新的关注点似乎更偏向于机械层面的创新，比如摄影机角度和早期特效的“魔术”，对于那些对叙事结构和镜头语言哲学有更高要求的读者来说，可能会感到不够尽兴。我期待能看到更多关于蒙太奇理论在商业片制作中的实际应用案例，而不是仅仅停留在“效果惊人”的赞叹上。这本书无疑是一扇通往旧日好莱坞辉煌殿堂的侧门，但总感觉内部的学术会议室的大门还没有完全为我敞开。
评分这部关于好莱坞黄金时代制作的史诗巨片的合集简直是电影爱好者们的福音。作者以一种近乎考古学家的严谨态度，深入挖掘了那些被时间尘封的幕后故事。我特别欣赏他对预算失控和明星特技的生动描绘，尤其是关于《宾虚》拍摄过程中那些几乎致命的意外场景，读起来让人手心冒汗。书中对服装和布景设计的细节刻画入木三分，仿佛能闻到摄影棚里旧木头和油漆的味道。然而，我有一个小小的遗憾，那就是作者在讨论早期电影配乐对情绪渲染的技巧时，着墨略显单薄，总觉得少了一点音乐理论的深度支撑，纯粹的情感描述稍显飘忽。总体而言，如果你想了解那些被巨型摄影机和无数灯光烘托出的“造梦工厂”是如何诞生那些不朽的视觉奇观的，这本书提供了绝佳的视角，它不仅仅是历史的记录，更是一部关于工业美学的教科书。那些关于制片厂制度如何塑造演员形象的分析，更是精妙绝伦，揭示了光鲜外表下的权力运作机制。
评分读完这本书，我产生了一种强烈的“时间错位感”。作者的文笔极其华丽，充满了那个年代特有的浮夸和浪漫主义色彩，仿佛每一个句子都被打磨成了镶嵌着水钻的片头字幕。他笔下的导演和演员，不再是历史书上的名字，而是活生生的、充满缺陷和激情的造物主。我尤其喜欢其中关于“布景即角色”的章节，书中详细描述了如何用一块特定的希腊石柱复制品，来象征主角内心的道德困境，这种将建筑符号学融入大众娱乐的努力，实在令人赞叹。但坦白说，书中后半部分关于类型片公式化的探讨略显重复和乏味，缺乏对七十年代后好莱坞风格转变的深入探讨。它似乎过分沉醉于前二十年的巅峰状态，对于行业变革的阵痛描写不足。对于追求全面历史脉络的读者而言，这本书的视野略显局限，更像是一部献给特定黄金时代的情书，而非全面的编年史。
评分这本书的资料搜集能力令人叹为观止，其详尽程度几乎达到了令人发指的地步，仿佛作者翻遍了所有制片厂的档案库，并成功说服了健在的灯光师和道具师吐露实情。我尤其对其中关于早期彩色胶片显色技术对演员肤色处理的微小调整进行了细致的对比分析，这部分内容对于钻研视觉传达的专业人士来说，价值极高。然而，这种对“物料”和“技术参数”的过度沉迷，似乎牺牲了一部分对人物内心世界的挖掘。书中充斥着对灯光师的赞美，却很少深入剖析编剧们在审查制度下如何巧妙地进行“文字游戏”，以规避风险。整体阅读体验像是在一个极其精美、但过于安静的博物馆中漫步，虽然所有展品都光彩夺目，但缺少了当时片场那种喧嚣的、充满人性的冲突和火花。如果能在这些技术细节中穿插更多关于人与人之间微妙权力斗争的故事，这本书的厚度将更具感染力。
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