Cleo de 5 a 7 (BFI Film Classics)

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出版者:British Film Institute
作者:Steven Ungar
出品人:
页数:128
译者:
出版时间:2008-07-15
价格:USD 14.95
装帧:Paperback
isbn号码:9781844571765
丛书系列:BFI Film Classic
图书标签:
  • p
  • French cinema
  • Agnès Varda
  • New Wave
  • Women filmmakers
  • Paris
  • 1960s
  • Film studies
  • BFI Film Classics
  • Cleo from 5 to 7
  • Character study
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具体描述

Cleo de 5 a 7, Agnes Varda's classic 1962 work depicts, in near real-time, ninety minutes in the life of Cleo, a young woman in Paris awaiting the results of medical tests that she fears will confirm a fatal condition. The film, whose visual beauty matches its evocation of early-Fifth Republic Paris, was a major point of reference for the French New Wave despite the fact that Varda never considered herself a member of the core Cahiers du cinema group of critics-turned- film-makers. Ungar provides a close reading of the film and situates it in its social, political and cinematic contexts, tracing Varda's early career as a student of art history and as a photographer, the history of post-war French film, and the lengthy Algerian war to which Cleo's health concerns and ambitions to become a pop singer make her more or less oblivious. His study is the first to set a reading of Cleo's formal and technical complexity alongside an analysis of its status as a visual document of its historical moment.

《Cleo de 5 a 7》:一部关于时间、身份与存在的影像诗篇 阿涅斯·瓦尔达的《Cleo de 5 a 7》(BFI Film Classics)不仅是一部电影,更是一次对生命、时间与女性身份的深刻探索,它以其独特的视角和细腻的情感,将观众带入一个迷人的巴黎午后,见证着一位年轻歌女的蜕变之旅。这部影片并非仅仅记录Cleo在一个下午的经历,而是通过她极具象征意义的漫步,深入剖析了她在等待医学检测结果期间所经历的心理剧变,以及在这个过程中她对自我、对他人、对整个世界的全新认知。 影片的故事发生在1961年的巴黎,恰逢法国电影新浪潮的黄金时期。瓦尔达以她标志性的自由、实验性风格,将现实与虚构、主观与客观巧妙地融合在一起。Cleo,一个年轻貌美的歌手,正处于事业的上升期,她的生活看似光鲜亮丽,充满了音乐、掌声和仰慕的目光。然而,在她等待一个至关重要的医学检测结果时,她的世界被一种前所未有的不确定性所笼罩。这个检测结果,可能意味着她将面临癌症的威胁,也可能意味着她可以继续享受生活。这种悬而未决的状态,让Cleo陷入了深深的焦虑和自我怀疑之中。 瓦尔达镜头下的巴黎,不再是游客眼中的浪漫符号,而是Cleo内心世界的映射。她的漫步,从一家又一家的咖啡馆,到热闹的街头,再到宁静的公园,每一步都承载着她复杂的情绪。她开始审视自己的生活,那些曾经让她沉迷的虚荣,那些肤浅的人际关系,在死亡的阴影下显得如此苍白无力。她与恋人的对话,与朋友的互动,都充满了对生命意义的追问。影片通过大量的主观镜头和长镜头,让观众能够感同身受Cleo的内心挣扎,仿佛与她一同走在这段迷茫而又充满启示的旅程中。 《Cleo de 5 a 7》之所以经典,在于它对“时间”这一概念的独特处理。影片严格按照Cleo等待检测结果的两个小时来展开叙事,这种“实时性”的处理方式,不仅增强了影片的紧迫感,也让观众更深刻地体会到时间的流逝和生命的脆弱。瓦尔达通过对巴黎街道、人物表情、钟表等元素的特写,不断提醒着观众时间的无情与珍贵。Cleo从最初的惶恐不安,到后来的沉思内省,再到最终的释然接受,她的心理轨迹随着时间的推移而发生着深刻的变化。 更重要的是,影片对“女性身份”的探讨,在当时具有开创性的意义。Cleo并非传统意义上的被动女性,她是一个在社会、文化和男性凝视下寻求自我定位的现代女性。她试图通过自己的外貌、歌声和爱情来定义自己,但当这些外在的支撑突然动摇时,她被迫去寻找更内在的价值。瓦尔达通过Cleo的眼睛,展现了女性在面对困境时所爆发出的坚韧与成长。影片中,Cleo与不同的人相遇,包括一个年轻的士兵,这个士兵以其纯粹和对生命的尊重,为Cleo带来了新的视角。她开始意识到,生命不仅仅关乎个人,也关乎与他人的连接,关乎对世界的责任。 《Cleo de 5 a 7》不仅仅是一部关于疾病的电影,它更是一次关于生命觉醒的寓言。Cleo最终获得的“治愈”,并非仅仅是医学上的,更重要的是精神上的。她学会了如何面对不确定性,如何珍视当下,如何在一个充满变数的世界中找到属于自己的位置。影片的结尾,当Cleo走出影院,重新回到街头时,她已经不再是那个被恐惧所困扰的年轻女子,而是一个经历了深刻蜕变,对生命有了全新理解的成熟个体。 这部影片对电影语言的运用也达到了炉火纯青的地步。瓦尔达巧妙地运用镜子、窗户等元素,来暗示Cleo内心的反射与审视。她对色彩的运用,对音乐的编排,都服务于影片的情感表达和主题深化。从Cleo初登台时的鲜艳服装,到她在街头漫步时的相对朴素,再到她与士兵交谈时的平和,色彩的变化也反映了她心境的转变。 《Cleo de 5 a 7》是一部值得反复品味的电影,它以其诗意的影像、深刻的思想和对女性命运的关怀,成为了法国新浪潮中不可磨灭的经典之作。它提醒着我们,生命中最深刻的成长,往往发生在最不确定的时刻;而真正的勇气,恰恰在于直面内心的恐惧,并在时间的洪流中,找到属于自己的声音和意义。这部影片,是对时间、存在和女性主体性的一次优雅而充满力量的致敬。

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目录信息

读后感

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用户评价

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这部作品的结构安排简直是一次对电影语言的重新定义。它毫不留情地撕碎了传统叙事的线性结构,用一种近乎意识流的方式,带领我们体验角色在特定时间段内的全部感官和认知负荷。影片中的重复出现的场景和物品,如某个特定的街角、某件衣服的颜色,都像是一种视觉上的回声,不断敲打着主角(以及观众)的潜意识。我尤其欣赏它在处理“意义”问题上的克制。它不强加任何宏大的主题,而是让意义自然而然地在日常的细节中浮现和消散。观看它,更像是在参与一场精心编排的感官实验,你很难用简单的“好”或“坏”来评判,它更多是一种“影响”。那些看似漫长、甚至略显沉闷的段落,恰恰是为最终的爆发积蓄能量。它要求观众付出耐心,但回报是极其丰厚的——一次对时间、存在和城市关系的全新理解。这部电影,绝对是电影史上一块无法被忽视的里程碑。

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我必须承认,我完全被这部作品的节奏和氛围所掌控了。它有一种近乎催眠的魔力,让我的感官完全沉浸在那个特定的下午。导演对于“等待”这个主题的处理,达到了一个前所未有的高度。那种悬而未决的状态,并非是靠廉价的剧情冲突来维持,而是通过对日常行为的极度放大和详尽描绘来实现的。看着主角走过那些熟悉的街道,观察她与形形色色的人们进行的那些看似漫不经心、实则暗流涌动的对话,我感到一种强烈的共鸣。我们的人生中,又有多少时间是花在无目的的游荡和无声的期盼之中呢?影片没有给予任何明确的答案或廉价的安慰,它只是忠实地记录了这一段“存在”的过程。摄影机仿佛是一个隐形的观察者,它不评判,只是记录。这种冷静客观的态度,反而让情感的冲击力更加深沉。它挑战了传统叙事中对“行动”的过度依赖,证明了“静默的发生”同样具有强大的戏剧张力。对于那些习惯了快节奏爆米花电影的观众来说,这部片子可能会显得有些“慢”,但正是这种慢,构建了其独特的,近乎诗意的哲学空间。

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这部电影的声场设计简直是天才之举,它比任何画面都更能传达角色的内心世界。巴黎的声音——汽车的鸣笛声、咖啡馆里模糊的交谈声、街头艺人的旋律——它们并非仅仅是背景噪音,而是构成叙事肌理的重要元素。每一个音符、每一次环境音的突然闯入,都精确地对应着主角心境的某一瞬间波动。影片最巧妙的地方在于,它将一个看似简单的“时间限制”的设定,转化成了一面审视个体存在本质的棱镜。观众跟随主角穿梭于光怪陆离的都市丛林,却始终能感受到一种内在的疏离感。她像是一个被时间放逐的幽灵,观察着周围生命的蓬勃,却无法真正融入。导演对镜头构图的把握也是一流的,那种介于纪实和风格化之间的美学处理,使得每一个静帧都充满了可以解读的象征意义。它不是在讲述一个故事,它是在邀请你进入一种特定的“状态”。看完后,我感觉自己像刚从一场漫长而深刻的冥想中醒来,头脑清晰,但心中却充满了对生活复杂性的敬畏。

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我对这部影片中对女性视角的处理方式深感震撼。它避开了所有俗套的“女性困境”的刻板描绘,转而提供了一种极其私密且复杂的第一人称体验。主角的脆弱、她的理智、她偶尔流露出的那种难以言喻的都市女性的坚韧,都被细腻地捕捉了下来。影片的对白极少,很多关键的情感交流是通过眼神和肢体语言完成的,这要求演员具备极高的表现力,而他们无疑做到了。这种“少说多看”的策略,极大地增强了观众的主动参与性——我们必须主动去填补那些没有说出口的空白。此外,影片对巴黎的呈现也很有意思,它不是那种明信片式的浪漫化,而是带着一种更贴近生活的、甚至是略显疲惫的真实感。这种真实的背景,反而凸显了主角内心世界的抽离。这是一次关于自我确认的深刻探索,它告诉我们,有时候,我们最需要面对的敌人,恰恰是那个映照在橱窗玻璃上的自己。

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这部影片的魔力简直让人沉醉,它不仅仅是一部电影,更像是一次深入灵魂的旅程。从一开始,导演就用那种不动声色的镜头语言,将巴黎这座城市的生活气息描绘得淋漓尽致。那种日常的琐碎、不经意的优雅,都透过银幕扑面而来,让人仿佛能闻到街角的咖啡香气。角色的塑造极为细腻,尤其是主角的内心挣扎,那种对时间流逝的焦虑感,通过她与周围环境的互动被不断放大。每一次她与他人的短暂交汇,都像是一次微型的哲学探讨,关于生命意义、关于孤独,以及关于如何面对即将来临的未知。我特别欣赏影片处理时间的方式,它不是线性的推进,而更像是一种心理上的压缩与拉伸,某些瞬间被无限延长,某些重要的转折却转瞬即逝。光影的运用更是教科书级别的,阴影和光斑在特定的场景中扮演了情绪的催化剂,将人物内心的微妙波动外化。看完之后,那种挥之不去的余韵久久不散,让人忍不住想要立刻重温,去捕捉那些第一次观影时可能忽略的细节。这无疑是一部值得反复品味的艺术品,它的深度和广度远超一般的叙事电影。

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