Olafur Eliasson/Hans Ulrich Obrist pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Eliasson, Olafur/ Obrist, Hans-Ulrich

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2008-2

价格:$ 24.86

装帧:

isbn号码:9783865603357

丛书系列:Hans Ulrich Obrist：The Conversation Series

图书标签:

• 艺术
• 装置艺术
• 奥拉夫·埃利亚松
• 汉斯·乌尔里希·奥布里斯特
• 当代艺术
• 展览
• 访谈
• 艺术哲学
• 视觉艺术
• 实验艺术

《Olafur Eliasson / Hans Ulrich Obrist》是一本深入探索艺术家奥拉维尔·埃利亚松（Olafur Eliasson）及其创作实践与理念的著作。本书汇集了埃利亚松与其亲密合作者，当代艺术界极具影响力的策展人汉斯-乌尔里希·奥布里斯特（Hans Ulrich Obrist）之间的对话、访谈、评论以及埃利亚松本人撰写的文字。 奥拉维尔·埃利亚松以其极具感染力的、常常涉及感官体验和物理现象的装置艺术闻名于世。他的作品挑战观者感知世界的方式，模糊了艺术、科学、自然与科技之间的界限。从巨大的“天气项目”（The Weather Project）到他在全球各地公共空间创作的干预性作品，埃利亚松的作品总是引发人们对环境、社会和个人体验的深刻思考。他善于运用光、水、雾、温度等自然元素，结合精心设计的技术手段，创造出既具诗意又充满力量的艺术体验。 本书的另一位核心人物，汉斯-乌尔里希·奥布里斯特，是当代艺术领域最活跃、最具前瞻性的策展人之一。他的工作以其对艺术家个体和艺术进程的深入关注而著称，通过大量的对话和出版物，为理解和推广当代艺术做出了巨大贡献。奥布里斯特与埃利亚松长期的合作关系，使得本书能够提供一个独一无二的视角，来揭示埃利亚松创作背后的思考过程、灵感来源以及其艺术理念的演变。 《Olafur Eliasson / Hans Ulrich Obrist》并非一本简单的作品集，而是一次深入的、多维度的探究。书中收录的访谈，将读者带入埃利亚松工作室的日常，了解他如何从一个想法发展成一个完整的艺术项目，以及他如何管理一个庞大的工作室团队。埃利亚松在书中分享了他对于艺术在当下社会中的角色的看法，以及他如何通过艺术来促进对话和解决问题。他对于“观看”本身的研究，对于我们如何感知和理解周围世界的好奇心，贯穿于他的所有作品之中，本书也将对此进行深入的阐释。 此外，书中还可能包含评论家和学者的文章，从不同的角度剖析埃利亚松的作品，探讨其在艺术史上的位置以及其作品所产生的社会文化影响。这些文章可能会关注埃利亚松在环境艺术、公共艺术以及社会参与性艺术等领域的贡献，并对其作品的美学特征、概念深度以及其在技术运用上的创新进行评价。 本书的结构旨在为读者提供一个全面而深刻的理解，不仅是关于奥拉维尔·埃利亚松的艺术作品，更是关于他作为一位思想家、一位实践者以及一位对世界充满好奇的观察者。通过埃利亚松和奥布里斯特之间的对话，读者将能够体会到艺术创作的复杂性、策展的深度以及知识在艺术实践中的重要作用。 这本书是任何对当代艺术、奥拉维尔·埃利亚松作品，或对艺术与社会、科学、环境之间关系感兴趣的读者不容错过的读物。它提供了一个宝贵的平台，让读者能够直接接触到艺术家本人及其最密切的合作者，从而获得对艺术创作过程和内在驱动力更深刻的理解。通过这本书，读者将有机会进入埃利亚松的艺术世界，感受他作品的独特魅力，并对其艺术理念进行更深入的思考。它不仅是一本关于艺术家的书，更是一本关于如何“看见”和“感受”的书，它邀请读者积极参与到对艺术和世界的探索之中。

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打开书页时，那种扑面而来的实验精神令人振奋。不同于那些精心打磨、力求完美的印刷品，这本书似乎有意保留了某种粗粝感，仿佛直接从工作室的案头搬了过来。大量的草图、现场照片，甚至是未完成的实验记录，都被毫无保留地展示出来。这种透明度非常罕见，它揭示了大师级创作背后隐藏的无数次失败和修正。对我来说，这远比那些最终定稿的作品更具教育意义。它展示了如何在一个充满不确定性的环境中保持创造力的敏锐度，如何将突发状况转化为新的创作契机。我甚至可以想象作者们在编辑制作这个选集时的挣扎与抉择——如何取舍如此庞杂的材料，最终呈现出一种既克制又充满爆发力的视觉节奏。这本书的价值，不在于它“收录了什么”，而在于它“如何展示了创造的艰辛与乐趣”。

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这本画册初入手时，那种沉甸甸的质感便让人心生敬畏。装帧的设计，简约却不失力量，黑白分明的排版，仿佛在向我们宣告，内容本身才是主角。我翻阅的瞬间，脑海中浮现的并非是对单一艺术作品的赞叹，而是一种宏大的、关于光影与空间哲学的构建。它不是一本传统的艺术家作品集，更像是一部视觉辞典，收录了太多看似不相关的元素——空气的流动、温度的变化、色彩在不同介质上的折射。我尤其欣赏其中对“感知”这一主题的探讨，那种邀请观者主动参与到艺术建构过程中的姿态，极具颠覆性。比如，关于如何用人造光源模拟自然天光的作品，其背后蕴含的物理学知识与美学思考的交织，让我不得不停下来，重新审视我习以为常的日常环境。这种深度，需要时间去消化，每一次重读，都会有新的光线射入我原有的理解框架中。它不是快速消费的视觉甜点，而是一份需要慢火细炖的精神食粮，让人沉浸其中，无法自拔地去追溯创作背后的逻辑链条。

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这本书的排版设计简直是一场视觉的“迷宫游戏”。每一页的留白、图像与文字的相对位置，都仿佛经过了精密的计算，目的性极强地引导着读者的视线，却又时不时地制造出意料之外的“断裂”。有时是大幅的、几乎占据整版的纯色块，让你不得不聚焦于色彩本身所散发出的“气场”；下一页可能又是密集的、小字体的技术说明，要求你立刻从感性抽离到理性分析。这种节奏的骤变，完美地呼应了其作品中常见的对环境和感官的操控。它在教导我们，阅读艺术作品并非线性的过程，而是充满跳跃、回溯和感官切换的体验。我体验到了一种久违的、需要全身心投入去“解码”的阅读乐趣，这完全不是那种可以一边喝咖啡一边漫不经心地翻阅的书籍，它要求你全神贯注地进入到那个被精心构建的阅读空间之中。

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深入阅读后，我逐渐意识到，这本书的核心魅力在于其对“观看”行为本身的解构与重塑。它通过大量的装置作品的记录，引导我们反思日常生活中被我们忽略的那些“看不见”的现象。比如，对湿度、气流、甚至磁场的捕捉与可视化，这些原本是科学范畴的元素，在书中却被赋予了诗意的维度。这种融合性，使得艺术不再是高高在上的审美对象，而是与我们呼吸的空气、脚下的地面、以及我们对时间流逝的感知紧密相连的现实存在。它提供了一种看待世界的全新视角——一个充满可塑性和未被定义的可能性的世界。读完之后，我发现自己开始不自觉地去观察窗外的光线如何穿过树叶投下斑驳的影子，去感受室内温度的微妙变化。这本书的成功之处在于，它成功地将书本的内容外溢到了读者的真实生活中，让艺术成为一种持续性的、无声的“生活实践”。

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与其说这是一本关于某个特定艺术家的作品手册，不如将其视为一场跨学科对话的精彩记录。书中的文字部分，那些引人深思的访谈录和文本摘录，展现了一种罕见的智识上的开放性。我惊叹于两位（如果提及的名字是艺术家和策展人的话）如何将哲学思辨、建筑学原理与看似纯粹的视觉艺术实践无缝地编织在一起。阅读这些文字，就像是置身于一场高强度的思想交锋现场，那些关于时间性、物质性、以及观看行为本身的探讨，直击艺术的核心命题。我特别留意到对“过程”的强调，许多作品的最终呈现似乎只是漫长实验的一个瞬间切片，而书页则忠实地记录了这些碎片化的探索路径。这种非线性的叙事结构，迫使读者必须调动自身的经验和联想力去填补空白，构建起属于自己的理解网络。它挑战了我们对“完成度”的定义，转而赞美那些永恒的、进行中的状态。

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