具体描述
The boldly political mural projects of Diego Rivera and other leftist artists in San Francisco during the 1930s and early 1940s are the focus of Anthony W. Lee's fascinating book. Led by Rivera, these painters used murals as a vehicle to reject the economic and political status quo and to give visible form to labor and radical ideologies, including Communism. Several murals, and details of others, are reproduced here for the first time. Of special interest are works by Rivera that chart a progress from mural paintings commissioned for private spaces to those produced as a public act in a public space: Allegory of California, painted in 1930-31 at the Stock Exchange Lunch Club; Making a Fresco, Showing the Building of a City, done a few months later at the California School of Fine Arts; and Pan American Unity, painted in 1940 for the Golden Gate International Exposition. Labor itself became a focus of the new murals: Rivera painted a massive representation of a construction worker just as San Francisco's workers were themselves organizing; Victor Arnautoff, Bernard Zakheim, John Langley Howard , and Clifford Wight painted panels in Coit Tower that acknowledged the resolve of the dockworkers striking on the streets below. Radical in technique as well, these muralists used new compositional strategies of congestion, misdirection, and fragmentation, subverting the legible narratives and coherent allegories of traditional murals. Lee relates the development of wall painting to San Francisco's international expositions of 1915 and 1939, the new museums and art schools, corporate patronage, and the concerns of immigrants and ethnic groups. And he examines how mural painters struggled against those forces that threatened their practice: the growing acceptance of modernist easel painting, the vagaries of New Deal patronage, and a wartime nationalism hostile to radical politics.
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用户评价
从文学技法的角度来看，这部作品是对“视角”概念的深刻探讨。作者似乎不断地在玩弄读者的感知，让你质疑你所看到的一切是否真实，或者说，是否是叙事者希望你看到的样子。叙事的切换是如此流畅而难以察觉，有时你以为你完全进入了一个角色的内心，下一秒，你却被猛地拉回到一个全知视角，以一种上帝般的冷漠俯瞰着这一切。这种不断的身份错位，制造出一种持续的认知不适，但恰恰是这种不适，迫使我跳出舒适区，更深地参与到文本的构建之中。书中对于某种特定情感的描摹，极其细致入微，那种近乎病态的执着和无法放手的挣扎，被刻画得入木三分，让人读完后会忍不住反思自身在面对失去和拥有时的真实面貌。这本书的语言虽然朴实，但力量惊人，它像一把钝刀，慢慢地磨砺你的心智，直到你感受到那种经年累月的疲惫。
评分这部作品的叙事节奏像是在缓慢展开一幅巨大的历史画卷，充满了令人窒息的细节和深沉的内省。作者似乎对人性的复杂性有着近乎残酷的洞察力，笔下的角色绝非扁平的符号，而是活生生地在道德的灰色地带挣扎。我尤其欣赏那种独特的氛围营造，仿佛整个故事都被笼罩在一层经久不散的薄雾之中，既朦胧又清晰地呈现着过去的重量。叙事者时不时地会插入一些晦涩的哲学思考，这些段落的密度极高，需要反复阅读才能真正领悟其背后的深意。它不是那种让人读完后感到轻松愉快的消遣之作，相反，它像一把手术刀，精准而冷静地剖开了我们日常生活中习惯性忽略的那些痛点和矛盾。阅读过程中，我时常停下来，望着窗外发呆，试图消化那些刚刚读到的、关于时间和记忆交织的复杂结构。那种从字里行间渗透出来的忧郁感，极其真实，仿佛能触摸到纸张上的冰冷质感。作者的遣词造句极具匠心，每一个动词的选择都像是在精确地校准情绪的刻度，使得即使是描绘最平淡无奇的场景，也蕴含着不容忽视的张力。
评分这是一次关于“缺席”的文学实践。它没有用宏大的史诗去填满空白，反而专注于那些缺失的部分——那些未曾发生的事件、那些永远无法抵达的远方、以及那些永远无法挽回的瞬间。作者的叙事策略是高度依赖暗示和象征的，他提供了一系列的碎片，而将最终的图像拼凑起来的责任，几乎全部落在了读者肩上。这种阅读体验是高度主动和创造性的，我感觉自己不是在消费一个现成的故事，而是在共同完成一项创作。书中的意象反复出现，比如特定的颜色、天气现象，以及某种反复出现的动作，它们像音乐中的主题旋律，在不同的章节中变奏，引导着情感的走向。虽然阅读过程需要极大的专注力，甚至有些耗费心神，但最终，当那些看似不相关的线索在你的脑海中交汇时，那种豁然开朗的震撼感，是任何平铺直叙的故事都无法比拟的。它真正做到了，让文字超越其载体，成为一种沉浸式的存在体验。
评分这本书的结构设计简直是精巧绝伦，如同一个复杂的机械钟表，每一个齿轮和发条都咬合得天衣无缝。它不是线性的，而是像曼陀罗一样，不断地从中心向外扩展，又不断地回归原点，每一次回归都带来了新的理解和视角。我欣赏作者处理时间流逝的方式——它不是一条直线，而是可以被压缩、拉伸，甚至在特定的情感强度下发生“回响”的介质。阅读时，我感觉自己像一个被困在时间迷宫里的探险家，每走一步都可能发现与过去某个瞬间的重叠。对话部分尤其精彩，它充满了潜台词，角色们说出的话往往只是冰山一角，真正的交流发生在他们没有说出口的沉默和停顿之中。这种留白的处理，极大地考验了读者的共情能力和想象力，也使得这部作品拥有了极高的重复阅读价值，因为每次重读，你都能在那些未被明说的角落里发现新的意义。
评分如果说文学是有气味的，那么这本书闻起来就像是老图书馆里被阳光晒干的皮革和尘封已久的羊皮纸混合的味道。它讲述的不是一个故事，而是一种状态，一种被时间洪流裹挟而无法挣脱的宿命感。作者的文风简直是教科书级别的“节制与爆发”的完美结合。他能用最简洁的句子勾勒出宏大的背景，但在关键的情感转折点，语言的洪流会突然决堤，以一种近乎抒情的、近乎癫狂的方式倾泻而出，让人措手不及。我特别注意到书中对于环境的描写，那些建筑、街道、甚至是光线的走向，都不仅仅是背景板，它们本身就是角色的延伸，是沉默的见证者。这种环境与人物命运深度捆绑的手法，极大地增强了作品的史诗感。我花了很长时间才适应这种略显疏离但又极度精确的叙事口吻，它要求读者保持一种审慎的距离感，但越是保持距离，你越是被故事中暗流涌动的激情所吸引。每一次翻页，都像是在小心翼翼地揭开一个古老仪式的面纱，既敬畏又好奇。
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