具体描述
编选了徐玉兰在《是我错》、《梁祝》、《春香传》、《追鱼》、《北地王》、《红楼梦》、《关汉卿》、《盘夫》、《西园记》、《西厢记》、《评雪辨踪》、《打金枝》、《送凤冠》、《打柴得宝》、《亮眼哥》、《乔老爷》、《珍珠塔》等剧中的唱腔89段。书中《论徐派唱腔》一文是作者对徐玉兰唱腔从音区旋律、板式、基调、用腔、特征音调、唱法等方面进行剖析，对每段唱腔都作了评注。该书由徐玉兰作序，朱配瞻题写书名。插页中有俞损飞的题词，照片、题词的插页8面。
作者简介
顾振遐（1931~）
一级作曲。中国音乐家协会会员、中国戏剧家协会会员、上海戏剧家协会理事、上海戏曲音乐学会理事。江苏省泰县人。1953年春调入华东越剧实验剧团从事作曲。后又被调至华东戏曲研究院音乐组，从事作曲及研究工作。1955年，上海越剧院成立后，被分配进该院任作曲兼音乐组副组长、二团团长。在戏曲音乐创作上追求推陈出新，强调曲调与内容、人物的和谐一致及旋律性、戏剧性与抒情性的融合。主要作品有舞台剧及电影《红楼梦》、舞台剧及电视连续剧《梁山伯与祝英台》、《北地王》、《西园记》、舞台剧及电影《追鱼》、《打金枝》、《鲁迅在广州》（获上海市第一届戏剧节音乐创作奖）及《西施归越》等剧的作曲。主要论文有《徐玉兰唱腔简析》及《越剧依字行腔初探》。此外还编著出版了《徐玉兰唱腔集成》一书。曾先后随团出访过苏联、民主德国、朝鲜、越南、日本等国及香港地区。文化大革命后，先后担任剧院创作研究室副主任、主任，三团团长、艺术研究室主任等职。1986年担任《中国戏曲音乐集成·上海卷》副主编。在1992年中国戏曲音乐学会举办的首届中国戏曲音乐评奖中，《红楼梦》一剧的作曲，获得"孔三传"优秀音乐创作奖。
目录信息
读后感
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用户评价
说实话，一开始是被《江南丝竹韵事》这个名字吸引的。《江南丝竹韵事》这本书，简直就是一本活泼灵动的民俗志，它没有宏大的理论框架，而是像一串串散落在运河两岸的珍珠，每一颗都闪耀着独特的光芒。它关注的焦点非常小众，比如专门用了近百页的篇幅来记录苏州评弹中“说”与“唱”的转换技巧，以及不同弹拨乐器（如月琴、三弦）在烘托特定情绪时的音色偏好。作者的叙事风格非常接地气，夹杂着不少吴语的俚语和谚语，读起来就像是听一位老先生在茶馆里拉着你，拉家常似地讲述这些艺术家的故事。我特别感动于其中关于艺人生活状态的描绘，那些为了生计四处奔波，却始终坚守艺术纯粹性的灵魂人物，他们的故事远比舞台上的光鲜亮丽更引人深思。这本书的价值，不在于它有多高的学术地位，而在于它像一个温柔的守望者，默默地记录下了那些即将被现代快节奏生活消磨殆尽的，带着泥土芬芳的艺术记忆。它让我对“民间艺术”有了更深层次的理解，那不是被高高供奉的殿堂之音，而是渗透在市井烟火中的生命力。
评分拿起《水磨腔的呼吸与停顿》，我立刻被其近乎冥想般的阅读体验所吸引。这本书的风格极其个人化，与其说是学术论著，不如说更接近于一位资深票友对心爱之物的“深情注脚”。作者似乎完全抛弃了传统的学术腔调，用一种极其私密和感性的语言，探讨了声乐艺术中“空气”和“时间”的哲学意义。书中花了大量篇幅去描绘如何在演唱中控制气流的细腻变化，比如如何用一个极轻微的鼻音来暗示人物的犹豫，或者如何通过一个恰到好处的停顿来加强情感的爆发力。这些描述非常抽象，但作者却能用极其生活化的比喻来阐释，让人读起来不觉得枯燥，反而像是跟随一位大师在进行私密的嗓音指导。我个人特别喜欢它关于“腔调中的留白”的论述，它提醒我们，声音的魅力往往存在于那些未被发出的部分，存在于听众的想象空间中。这本书的装帧非常简约，黑白为主，反而更凸显了内容的纯粹性，仿佛它就是要让你撇开一切外界干扰，只专注于那虚无缥缈的“声”的艺术。
评分《戏园子里的光影变迁》这本书的视角非常独特，它聚焦于舞台美术和灯光在声腔艺术感染力中所起到的辅助作用。它不是一本讲唱歌技巧的书，却深刻地揭示了“看”如何影响“听”的体验。作者以历史时间线索为主轴，从早期的油灯、蜡烛照明，到后来的电灯和现代的LED舞台灯光，系统地分析了光线的色温、亮度和投射角度如何微妙地改变观众对演员嗓音情感色彩的认知。比如，书中提到在某个特定剧目中，琥珀色的暖光是如何被用来加强某些高音的悲壮感，而冷色调的蓝光又如何衬托出唱腔中那种空灵的哀怨。这种对“听觉与视觉交互影响”的探讨，给我带来了巨大的启发。它让我意识到，我们对舞台艺术的感知是全方位的，而声腔艺术的“集成”绝不只是声音本身的堆砌，更包含了表演环境的整体营造。这本书的史料挖掘非常扎实，配有大量舞台设计的历史图纸和当时的演出照片，使得理论分析有了坚实的历史依据，读起来既有学术的严谨，又不失对舞台魔术的迷恋与赞叹。
评分这部名为《昆曲之声：吴侬软语里的悲欢离合》的集子，光是捧在手里，那厚重的纸张和考究的装帧就让人心生敬畏。它似乎凝聚了江南水乡数百年来的湿润气息和婉转韵味。我最欣赏的是它对曲谱整理的细致入微，不仅仅是简单的五线谱或工尺谱标注，更包含了大量对特定腔调在不同剧目中细微变化的图示说明，仿佛作者试图将声音的形状用眼睛捕捉下来。比如其中对《牡丹亭》“惊梦”一折中旦角气息流转的剖析，那段文字细腻得让人几乎能听到杜丽娘初醒时的那声悠长的叹息。它不像某些理论书籍那样晦涩难懂，反而充满了实践的温度。我尤其喜欢它在介绍某些失传或罕见流派时所引用的老乐师口述记录，那种未经修饰的、带着地方口音的质朴语言，比任何学院派的论述都来得真实动人，让人感觉自己真的坐上了旧时的戏台子底下，闻着油彩和汗水混合的气味，聆听历史的回响。这本书的配图也极为用心，那些泛黄的老剧照和手绘的服装草图，为文字增添了极强的视觉冲击力，使得品读的过程变成了一场跨越时空的沉浸式体验。
评分我总是在寻找那些能够打破学科壁垒的著作，《声腔流变与文人情怀》这本书恰好做到了这一点。它绝非一本单纯的戏曲研究，而是巧妙地将中国古典文学中的“哀感”主题，与特定地域声腔的发声方式和板式结构做了跨界对话。作者高明的之处在于，他没有强行将两者捏合，而是通过细致的文本比对，展现了文人笔下的“感物伤怀”是如何在民间艺人的喉咙里，通过特定的腔调转折被“具象化”和“可听化”的。比如书中对宋词中“叹”字的读法与腔调中特定拖腔的处理对比，逻辑清晰，论证有力。这本书的阅读体验是富有挑战性的，它要求读者不仅要有一定的文学功底，还要对音乐的结构有所感知，但一旦进入作者的节奏，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它让我明白，艺术的本质是相通的，无论是笔墨还是指尖，最终都指向人类共通的情感内核。这本书的排版和引文格式非常严谨，看得出作者在学术态度上的一丝不苟，让人对其中提出的观点更愿意去信服和深入思考。
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