Stand-up Comedy in Theory, or, Abjection in America

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出版者:Duke University Press Books
作者:John Limon
出品人:
页数:160
译者:
出版时间:2000-6-23
价格:USD 21.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780822325468
丛书系列:
图书标签:
  • stand-up
  • comedy
  • psychoanalysis
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  • 喜剧
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  • 美国文化
  • 文化研究
  • 表演研究
  • 社会学
  • 文学批评
  • 酷儿理论
  • 边缘化
  • 身份认同
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具体描述

"Stand-Up Comedy in Theory, or Abjection in America" is the first study of stand-up comedy as a form of art. John Limon appreciates and analyses the specific practice of stand-up itself, moving beyond theories of the joke, of the comic, and of comedy in general to read stand-up through the lens of literary and cultural theory. Limon argues that stand-up is an artform best defined by its fascination with the abject, Julia Kristeva's term for those aspects of oneself that are obnoxious to one's sense of identity but that are nevertheless - like blood, faeces, or urine - impossible to jettison once and for all. All of a comedian's life, Limon asserts, is abject in this sense.Limon begins with stand-up comics in the 1950s and 1960s - Lenny Bruce, Carl Reiner, Mel Brooks, Mike Nichols, Elaine May - when the norm of the profession was the Jewish, male, heterosexual comedian. He then moves toward the present with analyses of David Letterman, Richard Pryor, Ellen DeGeneres, and Paula Poundstone. Limon incorporates feminist, race, and queer theories to argue that the 'comedification' of America-stand-up comedy's escape from its narrow origins - involves the repossession by black, female, queer, and Protestant comedians of what was black, female, queer, yet suburbanising in Jewish, male, heterosexual comedy.Limon's formal definition of stand-up as abject art thus hinges on his claim that the great American comedians of the 1950s and 1960s located their comedy at the place (which would have been conceived in 1960 as a location between New York City or Chicago and their suburbs) where body is thrown off for the mind and materiality is thrown off for abstraction - at the place, that is, where American abjection has always found its home. As the first study of its kind, "Stand-Up Comedy in Theory, or, Abjection in America" will appeal to a wide audience including those interested in cultural studies, Jewish studies, gender and queer theory.

《沉默的呐喊:战后美国社会中边缘群体的文化表达与身份构建》 一、 引言:被遮蔽的声音与未竟的叙事 本书深入探究了自二战结束以来,美国社会中那些长期处于边缘地位的群体——包括但不限于非裔美国人、拉美裔移民、同性恋群体、残障人士以及工人阶级——如何通过一系列非主流的文化实践和艺术形式,构建自身的身份认同,并挑战主流话语的霸权。我们关注的焦点并非仅仅是压迫与抵抗的二元对立,而是这些群体在夹缝中发展出的复杂、多层次的文化景观,探寻其如何将日常生活的“失语”转化为有力的社会符号和文化资产。 战后美国,在消费主义的浪潮和中产阶级“黄金时代”的叙事之下,社会结构性的不平等并未消失,反而以更隐蔽的方式渗透到文化生产的各个层面。那些被主流文化机构排斥或边缘化的声音,被迫在地下空间、社区聚会所、小剧场以及非官方的艺术场域中寻找出口。本书旨在系统梳理和分析这些“沉默的呐喊”——从波西米亚式的文学反叛,到街头涂鸦艺术的兴起,再到地方性民间音乐的复兴——它们是如何共同编织出一幅与官方历史叙事截然不同的美国社会图景。 二、 战后“异化”的景观:现代性的反思 二战后的美国,物质的富裕与精神的空虚并存。本章着重考察在快速城市化和工业重组背景下,特定群体体验到的深刻“异化感”。我们借鉴现象学和社会学的视角,分析这种异化如何转化为独特的文化表达。 首先,对郊区化和标准化生活的反叛是关键线索。以“垮掉的一代”为例,他们的诗歌和生活方式是对中产阶级虚伪道德的直接抨击,尽管其内部存在着阶级和种族局限性,但其对“真实性”的追寻,为后来的反文化运动奠定了基础。 其次,探讨劳动阶级在去工业化浪潮中的文化心理。在“铁锈地带”逐渐成形的背景下,工人群体的集体身份面临瓦解,他们通过地方性的体育文化、工会活动中的口头传统以及特定的音乐流派(如早期蓝调和工人歌谣的变体),试图锚定正在消逝的社群感。这些实践往往被主流社会视为“低俗”或“非生产性”,但它们却是抵抗文化同质化的重要堡垒。 三、 身体的政治与公共空间的争夺 身份政治的兴起并非空中楼阁,而是根植于对身体自主权和公共空间使用权的实际斗争。本章聚焦于那些直接通过身体的展示或限制来发出政治信号的文化实践。 我们将详细分析非裔美国人社区中的“赛跑与韵律”:从哈林区的黑人爵士乐(Jazz)如何通过即兴创作挑战既定的音乐结构,到舞蹈形式如何成为一种非语言的政治宣言。特别是,我们关注身体在被监视和被规训的社会环境中如何寻求解放,例如早期同性恋群体在隐秘的酒吧和地下集会中发展出的特定行为规范和符号系统,这些都是在严酷的社会压力下为了生存而发展出的复杂文化代码。 此外,本书还考察了残障艺术家的角色。他们如何利用媒介(如早期电视的边缘时段或实验剧场)来展示被主流医疗话语所掩盖的身体经验,从而重新定义“正常”与“健全”的边界。这些艺术实践往往具有高度的象征性和挑衅性,直指公共空间对差异的排斥。 四、 媒体的“回音壁”:非主流叙事的构建 在战后由少数几家大型媒体公司主导的文化传播格局中,边缘群体的声音往往被扭曲或消音。本章探讨了他们如何利用新兴或低成本的技术手段,绕过传统守门人,建立自己的信息网络和叙事体系。 我们分析了独立电影制作、地下报刊(Zines)以及社区电台(如早期非商业性的FM电台)的作用。这些平台不仅是信息传播的工具,更是社群自我教育和意识形态强化的场所。例如,六十年代兴起的地下报纸,它们粗糙的排版和直接的语言,恰恰象征着对光鲜亮丽的“大报”的拒绝,代表了一种对“慢新闻”和“参与式报道”的早期实践。 对于视觉文化,我们考察了流行艺术(Pop Art)的反讽性。虽然波普艺术被主流市场迅速吸收,但其对消费符号的挪用和夸张,在特定语境下,成为了对美国过度物质主义的尖锐批判,尤其是在被视为“异端”的艺术家的手中,其批判力度远超表面光鲜。 五、 结论:跨越鸿沟的文化遗产 《沉默的呐喊》试图证明,战后美国的文化活力并非完全源自自上而下的创新或主流精英的推动,而是大量来自社会底层的、带有强烈地方性和群体色彩的文化生产共同塑造的结果。这些非主流实践,尽管时常被历史叙事所遗忘或边缘化,却是理解当代美国身份政治、文化多元性以及社会抵抗精神的关键钥匙。它们共同揭示了一个复杂而矛盾的现实:在一个宣扬人人平等的国家里,表达的权利和可见性是如何通过持续的文化斗争来赢得的。本书的最终目的,是将这些被遮蔽的文化遗产重新置于历史的聚光灯下,审视它们对未来社会表达的持久影响。

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读后感

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天呐,这书的封面设计简直就是一场视觉上的迷宫!那种粗粝的质感和压抑的色彩搭配,仿佛一下子就把人拽进了一个充满反讽和不安的地下世界。我是在一家独立书店里偶然看到它的,起初还以为是本关于社会学或是文化批评的严肃著作,但翻开目录后,那种潜藏的、近乎挑衅的能量就抑制不住地喷涌出来。作者的行文风格就像是把一把生锈的螺丝刀硬生生地塞进了你最舒适的认知结构里,让你不得不开始审视那些平时被我们习惯性忽略掉的、甚至是不愿触碰的社会边缘地带。特别是其中关于“被抛弃者”的论述,那种近乎病态的细致观察,让我对日常生活中那些被边缘化的声音产生了全新的敬畏。你读着读着,会感觉自己不再是一个旁观者,而是被强行拉到了舞台中央,接受着作者无情的审视。它不是那种能让你安安静静地在咖啡馆里享受阅读的轻松读物,它更像是一种精神上的“微创手术”,让你在疼痛中获得某种清醒的顿悟。我花了整整一个周末才勉强消化完前三章,每一次阅读都伴随着深深的自我怀疑,但这怀疑恰恰是这本书最宝贵的地方——它迫使你直面那些你试图逃避的真相。

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这本书的叙事节奏简直是神出鬼没,时而像一场失控的脱口秀,充满了尖锐的断句和意料之外的逻辑跳跃;时而又像一部晦涩的哲学论文,用冗长且复杂的句式构建起一座座思维的迷宫。我尤其欣赏作者在处理那些令人不适的主题时所展现出的那种近乎冷酷的幽默感。它不是那种让你开怀大笑的段子,而是一种令人后背发凉的“知道了”式的苦笑。比如,书中对于某些社会规范的解构,简直是教科书级别的“反向操作”。你以为你理解了作者的意图,结果下一段文字就把你的理解彻底打碎,让你重新回到起点,带着更深的困惑和更少的傲慢去重新审视文本。说实话,这本书对读者的智力要求非常高,它拒绝提供任何明确的答案或抚慰人心的结论。每一次尝试去抓住它的核心观点,它就像水银一样从指缝间溜走,留下的只有一种被彻底挑战后留下的兴奋感。我得承认,有些段落我不得不反复阅读三四遍,不是因为我没读懂,而是因为我需要时间去消化那种强烈的认知冲击力。

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这是一本让人在合上书页之后,仍能在脑海中回响很久的书。它的影响力是渗透性的,而不是爆炸性的。我发现自己开始用书中的某些术语来审视日常对话,甚至在看电影或听音乐时,也会不由自主地将作品中的元素与书中的理论框架进行比对。这种后劲十足的阅读体验,是我近几年来从未有过的。作者的文字密度极高,每一个词的选择都充满了精确的算计,似乎少一个形容词,整个论证的张力就会瞬间瓦解。它绝不是一本适合用来“消遣”的书籍,更像是一次严格的智力训练。我甚至强烈推荐给那些正在从事创意产业或者社会研究的朋友们,但前提是,他们必须准备好接受一次彻底的思维重塑。这本书不会告诉你该相信什么,它只会无情地揭示你目前所相信的一切的脆弱性,这才是它最锋利、也最迷人的地方。

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这本书最让我感到震撼的是它对待“失败”和“被排斥”的态度。它没有采用那种常见的、带有怜悯或道德审判的视角来描绘边缘群体,而是用一种近乎科学解剖刀般精准的笔触,去分析“被排除在外”本身如何构成了一种新的、极具力量的社会结构。作者似乎在暗示,在高度同质化的现代社会中,真正的颠覆力量往往诞生于那些被系统性遗忘的角落。我读到其中一个关于“笑声的失效”的章节时,简直是毛骨悚然。它探讨了当所有人都学会了用固定的模板来表达“有趣”时,真正的、发自肺腑的、可能带有攻击性的幽默是如何被驯化和消音的。这不仅仅是理论探讨,它更像是一份对我们这个时代集体潜意识的深度扫描报告。读完之后,我对那些在社交媒体上被瞬间遗忘的热点事件,乃至那些在聚光灯下努力扮演“正常”的人们,都有了一种全新的、略带悲悯的理解。

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从排版和装帧来看,这本书散发着一种故意为之的“反商业化”气息。纸张的粗糙感和字体的选择,都似乎在向读者宣示:“我不是来取悦你的。”这种强硬的姿态,反而激发了我深入挖掘的兴趣。它不像那些流行的畅销书那样,用流畅的语言和清晰的结构来引导你。相反,它更像是作者在深夜里,面对着一堆破碎的镜片,试图拼凑出一个关于现代社会病态的拼图。书中的注释部分也极其引人入胜,它们与其说是对正文的补充,不如说是另一种平行的、同样充满张力的独白。我发现自己常常在阅读正文时忍不住跳到后面的注脚,然后又被注脚里的某个典故或引用重新拉回主线。这种结构上的不稳定感,恰恰完美地契合了主题所探讨的那种支离破碎、难以归类的存在状态。这本书需要的不是一个普通的读者,而是一个愿意与其一同陷入这场智力探险的“共谋者”。

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