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出版者:

作者:Milton Babbitt

出品人:

页数:205

译者:

出版时间:1987-4

价格:USD 25.99

装帧:Paperback

isbn号码:9780299107949

丛书系列:

图书标签:

• Music
• 音乐理论
• 现代音乐
• 十二音技法
• 作曲
• 音乐分析
• 美国作曲家
• 20世纪音乐
• 复杂性
• 先锋派
• 音乐哲学

探索二十世纪音乐的迷宫：阿诺德·勋伯格与十二音体系的革新 引言：时代的巨响与音乐的转向 二十世纪初，欧洲的音乐世界经历了一场前所未有的地震。以理查德·瓦格纳的晚期作品为起点，调性系统的根基开始松动，如同冰川融化，无数的色彩和张力被释放出来，却也带来了结构上的迷失。正是在这动荡不安的时代背景下，一位坚定的、不妥协的音乐思想家——阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg），以前所未有的力度，将音乐推向了一个全新的、充满挑战的领域。本书并非探讨密尔顿·巴比特（Milton Babbitt）的学术研究或创作实践，而是深入剖析将彻底改变西方音乐进程的“十二音序列作曲法”的起源、发展、理论基础及其深远影响。我们聚焦于勋伯格本人，这位被誉为“新维也纳乐派”精神领袖的作曲家，如何从晚期浪漫主义的桎梏中挣脱出来，建立起一套崭新的音乐语法。 第一部分：从调性瓦解到无调性宣言 勋伯格的音乐生涯是一部不断自我超越的历史。早期的作品深受勃拉姆斯和马勒的影响，展现出精湛的对位技巧和丰富的情感张力。然而，随着他创作的深入，他开始感到传统调性框架——即以主音为中心的等级结构——已无法承载他日益复杂和强烈的内心体验。 本书的开篇将详述勋伯格在1908年至1913年间所经历的“情感突破”。在此期间，他创作了《第二弦乐四重奏》（尤其是饱受争议的终曲）和著名的《倚靠月光》（Pierrot Lunaire）。这些作品标志着他正式迈入“自由无调性”的阶段。无调性并非是放弃组织，而是拒绝建立传统的、可预测的调性中心。它释放了所有十二个音的潜力，使它们拥有平等的地位，如同一个民主的音高社会。 然而，这种自由带来了新的危机：如何确保音乐的连贯性、逻辑性和结构性？无调性如同一次彻底的“去中心化”，如果不对其进行约束和规范，作品极易沦为无意义的音响碎片。正是对这种“结构缺失”的担忧，促使勋伯格踏上了寻找新秩序的旅程。 第二部分：十二音体系的诞生与严谨的逻辑 本书的核心部分，将详细解构十二音体系（Twelve-Tone Technique，或称十二音列作曲法）的诞生过程。这不是一个突发的灵感，而是勋伯格经过多年深思熟虑和试验的必然结果。体系的形成标志着二十世纪音乐史上一次重大的理性回归。 我们将追溯十二音体系的理论基础： 1. 音列的构建（The Tone Row）： 解释“音列”的定义——一个包含所有十二个半音的独特排列组合。关键在于，在同一音列中，任何一个音符在被完整演奏之前，不能重复出现，确保了所有音高的平等性。 2. 列的变形与操作： 详细阐述作曲家如何利用音列进行逻辑严谨的转换，这些操作是确保音乐组织性的关键： 原始形式（Prime, P）： 初始的音列排列。 逆行（Retrograde, R）： 将音列从后往前演奏。 倒影（Inversion, I）： 将音列中音与音之间的音程方向颠倒。 逆行倒影（Retrograde Inversion, RI）： 倒影的逆行。 3. 移位与矩阵： 分析勋伯格如何通过十二个不同的起始音高（移位）来生成一套完整的、相互关联的“音列矩阵”。这种方法确保了即便在看似随机的音响背后，隐藏着一个复杂而统一的数学结构。 本书强调，十二音体系并非是“反旋律”或“反和谐”，而是一种新的组织原则。它用音列的内部逻辑取代了调性功能（如属-主关系）来引导和连接音乐材料。 第三部分：体系的早期实践与美学争论 十二音体系一经确立，便引发了巨大的美学争议。保守派认为这是对传统音乐美学的背叛，而支持者则视其为必然的未来。 我们将分析勋伯格使用该体系创作的里程碑式作品，例如他的《钢琴组曲》（Op. 25）和《小提琴协奏曲》。这些作品展示了如何在严格的数学限制下，依然能表达出深刻的人文关怀和戏剧性张力。 勋伯格本人对该体系的看法至关重要：他认为这是一种“对不付代价的调性写作的补偿”，它提供了一种必要的技术工具，以抵抗无调性带来的无序化倾向。他坚信，虽然听众需要时间适应，但这种体系最终将成为古典音乐的内在逻辑，而非一种故弄玄虚的“实验”。 第四部分：勋伯格之外的影响与扩散 虽然本书聚焦于勋伯格本人，但理解他的体系必须将其置于其学派的语境中。勋伯格的两位杰出学生——阿尔班·贝尔格（Alban Berg）和安东·韦伯恩（Anton Webern）——以各自不同的方式接受并发展了这一技术。 贝尔格：他将十二音技法与强烈的表现主义情感和残存的调性痕迹相结合，创造出更具抒情性和戏剧张力的作品（如歌剧《露露》）。 韦伯恩：他将十二音体系推向了极端的简洁、清晰和点描化，强调音色、节奏和音高的分离性，预示了后来的序列主义发展。 本书将对比勋伯格的“中立”和“结构导向”的十二音应用与两位弟子的不同路径，从而更全面地认识这一技术的兼容性和局限性。 结论：超越体系的遗产 阿诺德·勋伯格留给世界的，不仅是一套作曲技法，更是一种全新的创作心态：对音乐结构逻辑的彻底诚实。十二音体系在当时是激进的，但其对音高组织性的坚持，为后世作曲家提供了应对战后复杂音响环境的有力工具。它确立了作曲家必须主动构建音乐结构，而非依赖历史积淀下来的调性惯性这一观念。理解勋伯格的十二音体系，是理解整个二十世纪下半叶音乐发展的钥匙。 本书旨在为读者提供一个清晰、深入且无偏见的视角，去审视这位音乐巨匠如何以坚定的意志和无畏的智慧，重塑了西方音乐的秩序与表达的可能性。

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这本书简直就是对“学术严谨性”的一种近乎偏执的追求的体现，它将音乐理论的分析推向了一个令人窒息的维度。我原以为这会是一本能够系统梳理某一位重要作曲家思想脉络的传记或评论集，结果却发现它更像是一份详尽的、事无巨细的、技术手册式的解剖报告。文字的密度极高，句子结构复杂到需要反复重读才能捕捉其完整含义，仿佛每一个词语都经过了千锤百炼，力求在最小的空间内塞入最大的信息量。这种风格使得阅读体验变得极其缓慢且需要高度的专注力，任何一丝走神都可能导致对前后文逻辑链条的脱节。我发现自己经常需要停下来，在笔记本上画出那些抽象的图示，试图在视觉上模拟作者所描述的那些复杂的时值关系和序列组织。这种内向的、自我指涉的分析，虽然展现了作者对材料的绝对控制力，但却使得音乐作品本身的情感和审美价值退居次要地位。对我来说，阅读的过程更多的是在进行一场枯燥的符号学练习，而不是一场愉悦的艺术探索。它提供的是一幅精密的蓝图，却没有告诉我这座建筑究竟应该如何居住，如何感受。

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如果说阅读一本关于音乐理论的书籍是一种攀登，那么研读这部作品则更像是被卷入了一场无休止的漩涡。它的叙事节奏是断裂的，论点之间的跳转显得突兀且缺乏平滑的过渡。作者似乎坚信，只要他将所有的专业术语和前沿理论倾泻而出，读者自然会自行构建起理解的桥梁。这种强烈的假设性，使得初次接触这些概念的读者会感到极度的挫败。我翻阅了数个章节，试图寻找一个可以作为锚点的、相对容易理解的切入点，但每一次尝试都以失败告终。作品对特定时间段内某个流派的内部运作机制进行了极其细致的剖析，这种深度本身是值得肯定的，但其呈现方式却显得如此不近人情。它缺少了必要的“对话感”——作者像是站在高台上向听众宣读一份法典，而不是邀请听众进入一个共同探索的领域。我更倾向于那些能够引导我，用清晰的比喻和恰当的历史背景来软化复杂概念的书籍，而这部作品则完全拒绝了这种“普及”的姿态，它只忠实于其理论的纯粹性，代价是牺牲了大部分潜在读者的接受度。

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从装帧和排版来看，这部书延续了传统学术出版物那种朴素到近乎简陋的风格，这本身是可以理解的，毕竟内容才是王道。然而，内文的逻辑流向，却比它的封面更令人难以捉摸。它没有清晰的主线，更像是无数个围绕核心理论的卫星论点，它们彼此之间存在着紧密的联系，但这种联系需要读者具备深厚的背景知识才能察觉。我尝试从头到尾按顺序阅读，却发现自己必须频繁地在章节之间来回跳转，以确认前文提到的某个缩写或脚注引用的确切定义。这种阅读体验极大地干扰了对整体思想脉络的把握。与其说它是一本连贯的论著，不如说它是一本精心编纂的、内部交叉引用极高的参考手册。对于渴望系统学习某一流派理论的读者来说，这本书可能是一座宝库，但其提取价值的方式却需要极大的耐心和近乎苦修的毅力去挖掘。它展示了知识的深度，却未能以令人信服的方式展示知识的广度与应用性。

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这部作品，坦率地说，像是一次迷宫般的智力探险，但终究未能提供一个令人满意的出口。我带着对当代音乐理论的深厚兴趣翻开它，期望能窥见大师思想的精妙结构，然而，阅读过程更像是在试图解析一堆高度浓缩的符号系统，而非流畅的文本。作者似乎沉溺于其独有的术语构建中，仿佛这是一场只有他自己能完全理解的语言游戏。每当我认为自己抓住了某个核心概念的边缘时，随后的论述又会将我推入更深的晦涩之中。大量的篇幅被用于对某些极为细微的结构划分和数学模型的冗长阐释，这些细节对于初学者而言几乎是不可逾越的障碍，而即便是对那些有所涉猎的读者，也常常会感到这些论证的必要性存疑。我期待的是清晰的哲学思考，是关于音乐本质的深刻洞察，是能够指导我如何重新聆听那些复杂作品的钥匙，但得到的更多是冰冷、严苛的逻辑推演，缺乏必要的温度和人性关怀。读完后，我感觉自己被灌输了大量信息，却对“所以呢？”这个问题无从作答，留下的只有一种智力上的疲惫感，而非知识上的充实感。这本书无疑是为极少数的专业人士量身定工的，对大众而言，它更像是一堵由严谨的逻辑砖块垒成的、难以攀爬的高墙。

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这本书读起来，让人有一种强烈的疏离感，仿佛作者是在用一种近乎反人文主义的方式来解构音乐——将所有美妙的、流动的、主观的体验，硬生生地拆解成了不可分割的最小单元。我对其中关于结构生成和音高集合的讨论抱持着好奇心，但作者的笔触过于冷静，缺乏必要的批判性反思。他似乎只专注于描述“是什么”和“如何构建”，却很少涉及“为什么这样更好”或者“这对听众意味着什么”。这种纯粹的描述性写作，虽然在技术层面上无可指摘，但在艺术评论的范畴内显得空洞而苍白。我不断地寻找能将那些冷硬的音高矩阵重新转化为可感知的听觉体验的段落，但这些努力大多徒劳无功。读完整本书后，我能更清晰地知道某个作品是如何被构造的，但我对如何去欣赏它，去感受它，却没有任何增益。这就像是得到了一个精密的机器零件清单，却从未见过这台机器运转起来的样子。

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