具体描述
Maurice Durufle (1902-1986) is best known as composer of the hauntingly beautiful and moving Requiem of 1947, and as organist during his long tenure at the church of Saint-Etienne-du-Mont in Paris. He studied composition and organ with Tournemire, Vierne, Gigout, and Dukas among others, and became well known outside France through tours and conferences, often attended with his wife, the late Marie-Madeleine Chevalier. Ebrecht has brought together in this centenary tribute a fine collection of articles on Durufle's life and work that will enthrall all those who have come under the spell of this great master of French Impressionism. About the contributors: Marie-Claire Alain the renowned French organist, recording artist, and teacher was one of Durufles first harmony students at the Paris Conservatoire. James Frazier has studied liturgy and music at several universities, and was a Fulbright scholar in France, where he studied privately with Madame Durufle. Maria Rubis Bauer concluded her doctoral dissertation on Durufle at the University of Kansas. Jeffrey Reynolds is Associate Professor of Humanities and chair of the music department at the University of Alabama, Birmingham. Herndon Spillman's landmark recording of the complete works of Durufle won him a Grand Prix du Disque in 1973. He is Professor of Music at Louisiana State University. Eliane Chevalier was the sister of Marie-Madeleine Durufle, with whom she shared a passion for music. Ned Tipton is Director of Music of the American Cathedral in Paris.
作者简介
目录信息
读后感
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用户评价
从排版和装帧来看，这本出版物本身就散发着一种老派的**匠人精神**。纸张的质感、字体选择的古典美学，都与所记录人物的艺术气质高度契合。然而，内容的精妙之处更在于其叙事策略的**“碎片化重构”**。作者似乎有意避开传统的“出生-成长-成名”的线索，而是像打磨一块宝石一样，从不同侧面反复打磨同一个主题。比如，关于他对“固定音高”概念的执着，书中在分析某首早期作品时提及一次，然后在论述其晚期教堂音乐的织体结构时又以全新的视角重新引入，形成一种主题的螺旋式上升。这种非线性的叙事，要求读者必须主动参与到意义的构建过程中去，它奖励那些愿意重新组织信息、建立自己理解框架的读者。读完之后，我感觉自己不是读完了一本书，而是完成了一次复杂的艺术拼图。这本书更像是一份研究指南，而不是一份终结性的总结报告，这一点非常高明。
评分这本书最成功的地方，在于它精准地捕捉了**“敬畏感”**这一核心主题。它不止步于分析音符和和弦，而是深入探讨了二十世纪世俗化浪潮中，一位坚定的天主教作曲家如何通过音乐来维护和重建一个神圣的空间。作者在描述作曲家与管风琴这座“乐器之王”之间的关系时，那种近乎宗教性的描绘，令人震撼。书中提到，对作曲家而言，管风琴不是伴奏工具，而是与上帝对话的媒介，每一根音栓的开启，都蕴含着对教会礼仪的深刻理解。这种对“仪式感”的还原，使得作品的聆听体验得到了质的飞跃。它让我重新审视那些看似传统的宗教音乐，明白了它们背后蕴含的巨大精神能量。全书的语言风格带着一种近乎朝圣般的虔诚，但又避免了过度煽情，而是通过对历史语境和音乐结构严谨的还原，让人自然而然地感受到那种跨越世纪的精神力量。这是一本关于“听觉的信仰”的绝佳文献。
评分我必须承认，这本书的阅读体验是极其**挑战性**的，但这种挑战性恰恰是它最引人入胜的地方。它完全摒弃了面向大众的通俗传记写法，更像是一部针对专业音乐史研究者和资深乐迷的深度田野调查报告。开篇对于二十世纪初欧洲宗教音乐复兴运动的宏大背景铺陈，就足够让一般读者望而却步了。作者的论证风格极其严谨，充满了德语学理的精确性，每一个观点的提出都建立在大量的乐谱分析和档案比对之上。如果说许多传记是描绘一幅风景画，那么这本书更像是一份极其详尽的建筑蓝图，每一个结构、每一根梁柱的受力分析都清晰可见。在讨论其管风琴作品时，书中详尽对比了不同时期管风琴设计的演变如何反过来影响了作曲家的创作取向，这种跨学科的考察视角令人耳目一新。坦白说，我需要反复查阅专业术语词典，才能完全跟上作者的思维脉络，但一旦突破了语言和术语的壁垒，所获得的知识深度是其他任何传记都无法比拟的。
评分这本传记的笔触细腻而深邃，仿佛带我走进了二十世纪中叶法国音乐界那迷人的光影之中。作者对于人物内心世界的挖掘，简直令人叹为观止。他没有采取那种流水账式的生平叙述，而是巧妙地围绕着几条关键的时间线索展开——比如作曲家早年的宗教音乐熏陶，他在鲁昂大教堂的成长经历，以及后来与巴黎音乐学院复杂而又充满张力的关系。读到那些关于他如何处理管风琴的音色、如何平衡传统与现代和声的段落时，我甚至能“听见”那些乐章在脑海中回响。尤其是书中对“安魂曲”创作背景的深入剖析，那不仅仅是技巧的展示，更像是对作曲家个人信仰、对死亡与永恒哲学思考的一次深度探访。作者的文字节奏把握得极好，时而如同一段庄严的赋格，层层递进，逻辑严密；时而又如同即兴演奏般自由洒脱，充满了情感的涌动。这本书的价值，在于它提供了一个理解法国二十世纪音乐史侧面的绝佳窗口，它不仅仅是关于一个人的故事，更是关于一种音乐精神的传承与坚守。我尤其欣赏作者引用了大量未经公开的一手资料，使得那些历史的细节鲜活得仿佛就在眼前。
评分这本书的**叙事弧光**简直太迷人了，它不是一个简单的“成功人士”的线性赞歌，而是一部关于“局外人”如何通过无可辩驳的艺术成就占据历史高地的史诗。作者似乎对作曲家的那些公众形象下的挣扎和矛盾抱有极大的同情，同时又保持着一种冷峻的客观。我特别喜欢其中关于他教学态度的描述——那种近乎苛刻的要求背后，隐藏着对艺术纯粹性的极度珍视。书中通过几位关键弟子的回忆录片段，构建了一个多维度的形象：一方面是沉静寡言、近乎隐士的演奏家，另一方面是舞台上掌控全场、爆发力惊人的艺术家。这些片段的穿插使用，使得人物形象立体丰满，避免了脸谱化。最让我动容的是，作者对“沉寂”时期的处理。他没有急于填补空白，而是用大段的篇幅去描绘那种内心的“静默”，似乎在暗示，真正的艺术创造往往发生在喧嚣之外的沉思之中。这使得全书的基调沉稳而富有内省的力量。
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