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出版者:Reprint Services Corp

作者:Harold Barlow

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1990-08

价格:USD 109.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780781292665

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《音乐主题百科全书：从巴洛克到当代古典的旋律指南》 一部跨越时代、深入剖析西方音乐核心的权威参考著作 内容提要： 《音乐主题百科全书：从巴洛克到当代古典的旋律指南》并非一部旨在罗列标题的曲目索引，而是一部深入挖掘西方艺术音乐传统中“主题”——作为音乐建筑基石和情感载体的核心单元——的综合性研究。本书汇集了音乐学、历史学和分析理论的精粹，为学者、演奏家、指挥家乃至热衷于古典音乐的听众提供了一把理解复杂音乐结构的钥匙。 本书的结构以时间为轴，辅以概念分析，系统梳理了自17世纪早期巴洛克时期萌芽至21世纪前沿探索中，最具代表性、结构影响力最大的音乐主题材料。我们关注的焦点在于“主题的生成、演变、变异与功能”，而非仅仅是曲目的简单分类。 第一部分：主题的诞生与结构逻辑（巴洛克与古典主义的奠基） 本部分追溯了“主题”概念在欧洲音乐理论中的形成过程。 第一章：动机、主题与乐思的辨析： 详细区分了音乐中最小的单元“动机”（Motif）与具有叙事或结构功能的“主题”（Theme）之间的本质区别。通过对巴赫对位法中动机发展（如赋格曲中“头部”的处理）的深入分析，揭示了固定长度与可变发展潜能的关系。 第二章：奏鸣曲式主题的权力结构： 聚焦于古典主义时期，特别是海顿、莫扎特和贝多芬的作品。本书不满足于简单罗列奏鸣曲式的第一、第二主题，而是探讨了“呈示部”中主题间的戏剧性冲突（如调性张力、节奏对比、对位与主调的并置）。书中包含了对贝多芬中期作品中，单个主题如何通过动机分解和再组合，构建宏大乐章的深度剖析，例如对《命运交响曲》开头动机“T-T-T-长”的结构性角色进行多角度的解析。 第三章：歌剧宣叙调与咏叹调中的叙事主题： 分析了格鲁克、莫扎特歌剧中，旋律片段如何直接服务于角色心理刻画和情节推进，以及咏叹调中“抒情主题”的固定结构如何服务于情感的极度浓缩。 第二部分：浪漫主义的深化与主观世界的构建 随着浪漫主义思潮的兴起，主题不再仅仅是结构工具，更成为了承载个人情感、哲学思考乃至民族精神的载体。 第四章：李斯特与“主导动机”的革命： 深入研究了李斯特对“主导动机”（Leitmotif）概念的早期实践，尤其是在钢琴作品和交响诗中的应用。探讨了主题如何在音乐叙事中，跨越乐章界限，实现隐喻性的指代功能。 第五章：瓦格纳的“旋律矩阵”与语义关联： 详细考察了瓦格纳在《尼伯龙根的指环》中建立的庞大主题系统。书中提供了详尽的图表，展示了不同主题如何根据角色、地点、情感状态（如“死亡之剑”、“命运之约”）进行动态的调性、节奏和配器上的转化，而非仅仅是简单的重复。这部分内容强调了语义学与音乐结构之间的互动。 第六章：后期浪漫主义的“极致展开”： 分析了勃拉姆斯、马勒等作曲家如何在外在形式保持古典框架的同时，将主题发展推向极致的密度和复杂性。例如，对马勒交响曲中，普通民谣主题如何被“异化”（Alienation）为具有深刻哲学意味的材料的分析。 第三部分：20世纪的断裂、重构与新秩序 20世纪的音乐经历了剧烈的风格变革，本书审视了主题如何在传统语言瓦解后被重新定义。 第七章：德彪西与“印象派的音响碎片”： 探讨了德彪西如何通过对传统主题发展的规避，转而利用“音色主题”和“和声色彩块”来构建音乐意境，主题的连贯性被空间感和瞬间的氛围所取代。 第八章：无调性与序列化的主题控制： 详尽解析了勋伯格的十二音体系如何从根本上重构了“主题”的生成逻辑。本书清晰阐述了“音组”（Set）作为一种新型的、无等级的组织原则，如何取代了传统的“主导旋律”，以及韦伯恩如何将其推向极致的简洁。 第九章：布列兹与“整体序列化”的挑战： 聚焦于战后前卫音乐，探讨了作曲家们如何试图将节奏、力度、音高完全序列化，从而消除传统意义上可识别的、易于记忆的“主题”，转而追求一种高度复杂的、不可预测的声学结构。 第十章：非西方影响与当代极简主义的回归： 分析了斯特拉文斯基晚期风格中对民间旋律的引用，以及后来的极简主义（如赖希、菲利普·格拉斯）如何通过极度的重复、微小的叠加变化（相位化）来创造一种“宏大主题”的感知，使听众的注意力集中于过程而非单一的旋律轮廓。 结语：主题的未来与永恒的变奏 本书最后总结了音乐主题在不同历史阶段所承担的认知、情感和结构功能，并展望了当代作曲家在数字技术和全球音乐语境下，对“主题”概念的进一步探索与可能性。 本书特色： 理论与实例的完美结合： 包含大量详细的乐谱分析图示（仅文字描述，不含实际乐谱）。 跨越流派的广度： 覆盖了从赋格到序列音乐的二百年核心实践。 专注于“如何”而非“是什么”： 强调主题的结构功能、发展技巧和文化意义，而非简单的作品列表。 《音乐主题百科全书》是音乐研究者案头不可或缺的工具书，它揭示了旋律如何成为连接作曲家意图与听众体验的坚固桥梁。

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说实话，我当初购入此书是抱着一种“备用”的心态，毕竟现在信息获取如此便捷，谁还需要如此厚重的参考书呢？然而，现实狠狠地“打脸”了我的傲慢。最近我在进行一个关于叙事结构的研究项目，起初我依赖各种在线数据库和快速搜索，但很快就陷入了碎片化信息的泥沼，找不到一个统一的锚点。正是翻开这本书时，我才意识到，真正有价值的知识体系，需要的是深度和广度的完美结合。它不像搜索引擎那样提供“答案”，而是引导你构建“理解”。它的某些章节，对于初学者来说可能需要借助其他入门读物辅助理解，但对于有一定基础的人来说，它提供的那些精妙的定义和详尽的案例对比，简直是如虎添翼。它迫使你放慢速度，重新审视那些你自以为已经掌握的概念，从全新的角度去解构已有的认知模型。

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这本书的封面设计简直是视觉的盛宴，那种厚重而典雅的质感，让人一眼就知道它不是那种轻飘飘的流行读物。拿到手上，首先被吸引的是那精美的装帧，深沉的墨绿色配上烫金的字体，散发出一种老派的、知识分子式的魅力。我本来是冲着它的名字来的，但翻开扉页后，那种期待感就被更深层次的满足感所取代。内页的纸张厚实，字体排版疏朗有致，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。最让我惊喜的是它的索引系统，简直是为深度研究者量身定做，条目检索清晰准确，毫不拖沓。这种对细节的极致追求，让人不禁对编纂者肃然起敬。它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心打磨的艺术品，值得被郑重地收藏在书架的黄金位置。每次不经意间瞥到它，都会有一种充实感油然而生，仿佛拥有了一把通往某个神秘殿堂的钥匙。这种实体书的触感和重量，是任何电子设备都无法替代的。

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这本书给我的第一印象是，它充满了“陌生感”——不是那种难以理解的陌生，而是那种当我以为我已经摸清了它的脾气时，它又会以一个全新的、我从未设想过的角度切入问题的陌生。它的跨度之大，常常让我感到惊讶，似乎每一个细微的术语后面，都隐藏着一个宏大的历史脉络。我尤其欣赏它对概念的演化过程的追踪，那种时间维度的延伸感，让你体会到知识是如何一步步被塑造和完善的。这种历史纵深感，是快速生成的在线词条所无法比拟的。读这本书，就像是站在一个制高点上俯瞰整个知识版图，那些原本零散的知识点，突然之间，通过这本书提供的结构，被串联成了一条清晰的河流。它教会我的不仅仅是知识本身，更是一种“系统性思考”的方法论，这是我从其他任何单一领域的专著中学不到的宝贵财富。

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我居住的城市图书馆收藏了许多珍稀版本，但这本书在我个人书架上的地位是无可替代的。它的价值不仅仅体现在信息量上，更在于它所代表的一种治学态度。想象一下，在数字信息爆炸的今天，有人愿意花费数年心血，去系统地梳理和界定如此庞杂的知识领域，这本身就是一种精神力量的展示。我注意到书中的引文注释非常规范，格式统一到让人赞叹，这显示了编纂者对于学术规范的近乎偏执的坚持。这对于我这样需要经常引用一手资料的人来说，是极大的便利。我甚至发现了一些我原以为只存在于小众学术期刊中的理论观点，被系统地收录并进行了批判性的分析，这极大地拓宽了我研究的边界。它不是一本“读完就束之高阁”的书，而是需要常备手边，随时翻阅、随时印证的“工作伙伴”。

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我必须承认，我是在一个咖啡馆里，被旁边一位老教授翻阅此书时偶然瞥见的。当时他专注的神情，以及时不时在书页上轻轻划过的手指，立刻激起了我的好奇心。我当时手里拿着的另一本关于二十世纪哲学思潮的著作，突然显得黯然失色。这本书的编排逻辑，初看之下似乎是遵循某种传统的分类法，但深入挖掘后，才发现其中蕴含着一种超越学科界限的宏大叙事结构。它不仅仅是罗列事实，更像是在构建一个知识的生态系统。我尝试着在脑海中构建一些复杂的关联，比如某个特定的结构模式如何跨越不同的文化和时代背景进行迭代演变，这本书似乎提供了一个完美的框架去支撑这种推演。它的权威性是毋庸置疑的，但更难能可贵的是，它在保持学术严谨性的同时，并未让人感到枯燥乏味。它需要时间去消化，去品味，仿佛一坛陈年的老酒，越是沉浸其中，越能体会到其醇厚的底蕴。

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