John Jacobson's Riser Choreography (Choral) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Hal Leonard Publishing Corporation

作者:John Jacobson

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:1993-06

价格:USD 16.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780793524655

丛书系列:

图书标签:

• Choral Music
• Riser Choreography
• John Jacobson
• School Choral
• Performance
• Music Education
• Elementary Choral
• Middle School Choral
• High School Choral
• Movement
• Staging

音乐与运动的交织：探寻《合唱团舞台呈现技巧与编排》 本书并非专注于某一特定合唱团或某一特定编舞家的作品，而是致力于为所有合唱指挥、编舞者以及希望提升合唱团舞台表现力的教育工作者，提供一套全面、深入且实用的舞台呈现与动作编排理论与实践指南。它是一部跨越流派、面向未来的表演艺术教科书，旨在弥合传统声乐训练与现代舞台表演之间的鸿沟。 第一部分：舞台呈现的基石——超越站位的艺术 本部分深入探讨了合唱团在舞台上占据位置的哲学基础与实际操作。我们首先将“站位”提升到“舞台生态学”的层面，即如何利用空间与观众的视觉感知来最大化音乐效果。 1.1 空间心理学与视觉焦点： 讨论了舞台空间如何影响观众对音乐重心的感知。内容包括：如何利用三角形、矩形、弧线等基本几何形态来引导观众视线，以匹配音乐的张力变化（例如，在抒情段落使用舒展的圆形，在强有力的高潮部分使用紧凑的几何结构）。我们详细分析了“视觉重量”的概念，即高音区、明亮音色与舞台中央的组合如何自然地成为视觉焦点，以及如何通过巧妙的站位对比来突出独唱或特定声部的进入。 1.2 动态编排： 摒弃了“站定不动”的保守做法，本书强调合唱团应具备动态的移动能力。我们系统地介绍了几种核心移动技术： 平移与交错： 讲解了如何在保持音准稳定的前提下，进行平稳的侧向移动、向前推进或后退。特别关注了“隐形移动”的技巧，即如何在不分散观众注意力的情况下，实现声部间的快速位置互换，这对于实现复杂的声部对位效果至关重要。 “呼吸式”站位调整： 探讨了如何将合唱团的站位变化与音乐乐句的呼吸相吻合。每一次的站位微调都被视为音乐叙事的一部分，而不是简单的走位。例如，在一段渐强后，合唱团可以缓慢地、以极小的幅度向前倾斜身体，以增强“向前冲”的能量感。 1.3 服装与视觉统一性： 探讨了服装在舞台呈现中的非语言交流功能。这部分内容侧重于如何选择既能体现合唱团身份，又不会分散对声音本身注意力的服装。我们分析了色彩心理学在舞台上的应用，以及如何通过服装的材质和剪裁来辅助身体的动作幅度。 第二部分：肢体语言的音乐化——动作的精确性与情感投射 本部分将焦点转向合唱团成员的个体与集体的肢体表达，确保每一个动作都服务于音乐的表达。 2.1 手势与指挥的同步： 细致分析了指挥的肢体语言如何通过合唱团的动作得到放大和转化。我们区分了“功能性手势”（确保节奏和入拍）与“表现性手势”（传达情感色彩和音乐意图）。内容包括：如何训练团员识别指挥手势背后的情感含义，以及如何将指挥的动作“翻译”成合唱团成员的身体姿态。 2.2 身体姿态与发声机制的联系： 探讨了正确的身体姿态（站姿、重心分配）如何直接影响气息支持和音色质量。我们提供了一系列旨在放松肩颈、打开胸腔、并稳定核心的“舞台热身练习”，这些练习旨在将声音训练融入到舞台准备流程中。例如，如何通过“脚底的锚定”来稳定低音的支撑，以及如何通过“脊柱的延伸”来帮助高音的穿透力。 2.3 群体动作的凝聚力： 成功的舞台动作要求个体动作的高度统一。本章介绍了培养“群体身体意识”的方法。这包括： 镜面训练法： 使用大量的镜子和录像分析，帮助团员观察自身动作与周围伙伴的差异。 触觉引导技术： 在排练中，通过轻微的身体接触（如手臂或背部），帮助团员在不依赖视觉的情况下，感知到彼此的移动和平衡状态，从而达到“如同一人”的整体效果。 第三部分：戏剧性叙事与情感的融入 合唱表演不仅仅是演唱，更是叙事。本部分指导如何将戏剧元素融入音乐表演，使合唱团成为一个有机的表演团体。 3.1 文本解读与动作化： 强调了动作设计必须植根于歌词和音乐结构。我们将文本分解为“场景”、“冲突”和“解决”等戏剧元素，并指导如何用肢体语言来物理化这些元素。例如，一段表达“挣扎”的歌词，可以对应于身体重心向后倾斜、手臂略微抱紧的姿态；而“释放”则对应于身体的舒展和向前的姿态。 3.2 眼神交流的艺术： 眼神是连接合唱团内部和连接合唱团与观众的关键桥梁。本章区分了三种主要的眼神运用： 内部连接（Internal Focus）： 团员之间精确的眼神确认，以维持节奏和情感的同步。 外部投射（External Projection）： 眼神直接面向观众，将情感信息传递出去。 叙事性眼神（Narrative Gaze）： 眼神服务于歌词内容（例如，在描述远方时，眼神望向远方）。 3.3 适应性与即兴： 认识到现场表演的不可预测性（如灯光变化、意外声响），本书提供了应对突发状况的心理准备和技术方案。这包括如何训练团员在发生技术故障或成员失误时，能够迅速、自然地“吸收”错误，并通过略微调整站位或眼神来掩盖，确保表演的流畅性。 第四部分：排练策略与技术整合 本部分侧重于将理论转化为可执行的排练计划。 4.1 分阶段编排流程： 提供了一个清晰的“从声乐到舞台”的四阶段流程图： 1. 音乐精修阶段： 仅关注音准、节奏和音色。 2. 动作导入阶段： 在固定站位上进行最基本的身体律动训练。 3. 整合排练阶段： 将动作与音乐完整结合，进行“走位排练”。 4. 带妆带灯彩排： 模拟真实演出环境，进行全方位检验。 4.2 编舞的“呼吸空间”： 强调动作不应过度饱和。优秀的舞台编排如同优秀的配乐，懂得何时该“静音”。本章指导指挥如何确定哪些段落需要完整的动作设计，哪些段落则应回归到最纯粹的声音表达，避免“动作疲劳”。 4.3 技术工具的应用： 探讨了现代技术在辅助编排中的作用，例如使用摄像机进行自我评估、利用节拍器与背景音乐来同步移动、以及简单的舞台灯光模拟对动作设计的影响。 本书旨在培养一支不仅能唱得动听，更能看得震撼的合唱团，让合唱表演真正成为一种多维度的、引人入胜的舞台艺术体验。它提供的是一个框架，鼓励每一位教育者根据自己合唱团的特点、曲目的风格，以及观众的期望，创造出独一无二的舞台呈现。

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这本书的实用性体现在它对不同场地和规模的适应性上。作者贴心地为我们考虑到了各种限制条件，比如在空间受限的小型礼堂，以及需要大量移动的大型剧院中的不同处理方式。在章节的末尾，往往会附带一个“替代方案”或“技巧调整”的小贴士，这显示出作者的经验之丰富和关怀之细致。我们不必为了追求完美编排而牺牲排练时间去不断试验，可以直接采纳这些久经考验的成熟建议。这种近乎“保姆式”的贴心指导，极大地降低了复杂编舞在实际操作中的难度，让更多中小型合唱团体也能自信地展示出专业水准的舞台效果。对于我们这种资源相对有限的非职业团体来说，这本书的指导价值无可估量。

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这本书的封面设计得非常引人注目，色彩搭配大胆而富有活力，封面上的人物动作线条流畅，充满了舞台表演的张力，让人一眼就能感受到它蕴含的能量。内页的排版也十分讲究，字体选择清晰易读，乐谱和动作图示的对比度恰到好处，即便是初次接触这类教材的读者也能很快上手。装帧质量上乘，纸张厚实，便于在排练过程中频繁翻阅而不会轻易损坏。更值得称赞的是，它在细节处理上体现了作者对合唱团实际需求的深刻理解，比如书脊处的特殊设计，使得将书完全摊平放在谱架上时能保持稳定，这一点在紧张的排练现场简直是福音。整体而言，从视觉到触觉，这本书都传递出一种专业、高品质的信号，让人对接下来的学习内容充满期待，仿佛已经能听到那嘹亮而富有层次感的合唱声。

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说实话，一开始我有点担心这种“编舞”类的教材会过于注重形式感而牺牲音乐性，但这本书完全打消了我的疑虑。作者显然是一位深谙音乐与肢体完美融合的艺术家。书中的编排无一不紧密服务于合唱作品的结构和情绪变化。例如，在一个需要渐弱的段落，编排是通过让声部成员的动作逐渐收敛、光线聚焦的模拟来实现的，这种视觉上的减弱与听觉上的减弱形成了完美的共振。这种高阶的艺术处理方式，对于那些希望将合唱团提升到专业演出水准的团队来说，简直是打开了一扇新的大门。它教会我们如何“看见”音乐，而不是仅仅“听见”音乐，这对于培养团员的综合音乐素养至关重要。

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我非常欣赏作者在组织内容上的清晰逻辑和循序渐进的编排思路。从最基础的站位和队形变化开始，逐步过渡到复杂的空间移动和面部表情的配合，每一步的铺垫都显得水到渠成，毫无生硬的过渡感。作者似乎非常懂得如何拆解复杂的舞台调度，将原本看似令人望而生畏的大型编舞分解成一个个可以轻松消化的小模块。例如，关于“上升”和“下降”的段落，作者不仅给出了详细的图解，还配有实用的排练建议，比如如何控制步伐的节奏以适应音乐的起伏，以及如何利用呼吸来强化身体的动态感。这种教学方法的精妙之处在于，它不仅仅是告诉你“做什么”，更重要的是解释了“为什么这么做”，从而培养读者的整体艺术感觉，而非仅仅停留在机械模仿的层面。

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作为一名合唱团的指导老师，我发现这本书最宝贵的一点是它提供的不仅仅是“动作”，而是真正的“舞台语言”。它深入探讨了如何通过身体的姿态、目光的投射乃至服装的配合来诠释音乐的情感内核。我尤其关注到其中关于情感层次处理的部分，作者提出了许多富有洞察力的观点，关于如何在高潮部分保持住声音的稳定性的同时，用肢体语言表达出压倒性的力量感。这对于提升我们团员的表演张力非常有帮助。我们尝试了书中的几个关键过渡动作，效果立竿见影，原本略显呆板的舞台呈现，瞬间变得生动和富有叙事性。这套编排的价值远远超出了简单的“好看”，它让合唱表演真正拥有了戏剧的张力。

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