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出版者:Boydell Press

作者:Winton Dean

出品人:

页数:1336

译者:

出版时间:2009-9-17

价格:USD 165.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9781843835264

丛书系列:

图书标签:

• Handel
• Opera
• Baroque Music
• Classical Music
• Music History
• 18th Century
• German Composer
• Italian Opera
• Oratorio
• Musical Theatre

《贝多芬晚期弦乐四重奏研究：结构、和声与哲思的交织》 图书简介 本书是对路德维希·凡·贝多芬最后阶段创作的巅峰之作——晚期弦乐四重奏（Op. 127, 130, 131, 132, 135）进行一次深入、细致且具有突破性的学术考察。这不是一部简单的作品概览或传记式叙述，而是一部专注于分析其音乐语言、结构创新以及深层哲学意蕴的专著。 第一部分：背景与语境的重构 贝多芬的晚期（大约1824年至1827年）是一个创作上充满矛盾和超越性的时期。在这一部分，我们将首先细致地梳理创作这些杰作时的历史、生理和精神环境。 失聪的深化与内在视听的胜利： 详细探讨了贝多芬日益严重的耳聋如何迫使他完全依赖“内在听觉”（Inner Hearing）。我们不会仅仅停留在悲剧性的描述，而是分析这种生理限制如何奇迹般地转化为一种不受外部音响世界束缚的、更加纯粹和抽象的音乐构思方式。 对“典范”的反思与超越： 研究了贝多芬晚期对古典主义结构（如奏鸣曲式）的理解，并将其与巴赫的对位法艺术进行了深刻的对比分析。晚期四重奏并非简单地“复古”，而是将对位、赋格、变奏等传统技法，熔铸入一种全新的、高度个人化的叙事结构之中。 委托与动机： 考察了赞助人（如尼古拉一世）的委托如何影响作品的开端，但更重要的是，分析了贝多芬如何将这些外部要求转化为一系列内在的、不可妥协的艺术目标。 第二部分：音乐语言的深度解剖 本书的核心在于对这五部四重奏中前所未有的音乐材料和技法的系统性分析。我们将逐一剖析其标志性的特征。 复杂化的对位与织体（Texture）： 对位法的运用在晚期四重奏中达到了前所未有的密度和复杂性。《大赋格》（Op. 133）的分析将占据重要篇幅，将其视为对传统赋格结构的彻底颠覆和重塑。我们将探讨如何区分“主题群”（Thematic Clusters）而非单一主题的展开，以及如何通过声部的独立性来创造巨大的空间感。 和声的张力与解放： 侧重于贝多芬如何扩展调性边界，使用长篇的半音进行（Chromaticism）和非功能性和声（Non-functional Harmony）。重点研究了《降B大调弦乐四重奏》（Op. 130）中“卡瓦蒂娜”（Cavatina）的忧郁感，以及《升C小调弦乐四重奏》（Op. 131）中七个乐章的无缝连接所依赖的深层和声逻辑。 节奏的碎片化与统一性： 探讨了节奏如何从单纯的时间度量工具，转变为表达内在冲突和动态的载体。通过对“拉长音”（Stretched Rhythms）和“切分”的分析，展示了贝多芬如何在一个整体的节奏框架内，实现局部的“时间扭曲”。 对变奏技法的创新： 重点分析《海利根施塔特奏鸣曲主题》（Op. 135）中令人困惑的“必要性与自愿性”的辩证关系，以及《A小调弦乐四重奏》（Op. 132）中“圣歌式的”变奏序列如何构建精神上的朝圣之旅。 第三部分：结构思维与叙事路径 贝多芬晚期四重奏在结构上的实验性，是其最受后世作曲家推崇的部分。 非传统的多乐章布局： 彻底解析《升C小小调四重奏》（Op. 131）的七乐章连续结构，揭示其如何在没有传统乐章间断的情况下，实现宏大的戏剧性弧线。这不仅仅是连接，而是一个单一有机体的生长过程。 奏鸣曲式的变形与溶解： 在依然使用奏鸣曲式框架的乐章中，研究呈示部、展开部和再现部的边界是如何模糊的。特别关注《F大调弦乐四重奏》（Op. 135）第一乐章中对“发展中主题”的运用，它打破了传统展开部的功能性定义。 “空间化”的听觉体验： 借鉴建筑学和空间理论，探讨贝多芬如何通过乐器的对白、远近感（通过力度和音区对比实现），在听众心中构建一个三维的音乐空间，尤其是在《大赋格》的广阔场景中。 第四部分：哲学意蕴与审美价值 本书的最终目标，是将音乐的分析提升到对人类生存境遇的哲学反思层面。 在“苦难”与“慰藉”之间： 分析作品中反复出现的主题——从极端的痛苦（如Op. 132中的“深刻的感谢”乐章）到最终的平静或超脱。这些音乐片段如何映射出启蒙运动的理性主义在面对个体生命终极问题时的局限与升华。 “严肃的娱乐”与艺术的责任： 探讨贝多芬晚期作品所体现的“严肃性”（Seriousness）。这些音乐拒绝提供轻松的愉悦，而是要求听众积极参与到理解和建构意义的过程中。这代表了作曲家对艺术目的的深刻使命感。 对后世的影响： 简要回顾瓦格纳、布拉姆斯、荀伯格乃至二十世纪中叶的序列主义作曲家如何从这些四重奏中汲取灵感，证明了它们并非历史的终点，而是西方音乐发展中一个持续发光的参照点。 结论：永恒的对话 本书总结认为，贝多芬的晚期弦乐四重奏是人类理性探索与情感深度交汇的典范。它们通过对音乐基本要素的精微操控，达到了音乐表达的“纯粹性”，使得作品超越了个人化的情感宣泄，成为对普遍人性状态的深刻冥想。读者将获得一套精密的分析工具，去重新聆听这些被誉为“音乐的最后陈述”的杰作。 --- 目标读者： 高级音乐专业学生、音乐学者、严肃的古典音乐爱好者以及对十九世纪早期西方哲学与美学感兴趣的研究人员。本书假设读者具备扎实的音乐理论基础，并对弦乐四重奏体裁有所了解。全书配有大量详尽的乐谱示例和分析图表，以支持论点的严谨性。

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这本书的内容编排逻辑简直是一团乱麻，读起来让人抓狂。我尝试从时间线索梳理脉络，但作者似乎更热衷于在不同时期、不同主题之间进行毫无征兆的跳跃。前一章节还在细致描绘某个歌剧的次要角色，下一秒就跳到了另一部作品的舞台服装设计理念，中间完全没有平滑的过渡，让人看得一头雾水。寻找特定信息成了大海捞针的活计。更令人沮丧的是，索引部分做得敷衍至极，许多关键术语和人名都无法准确定位。如果不是我对这个领域有着相当的背景知识，恐怕早就合上书本，转投其他更清晰的参考资料了。我希望作者在修订再版时，能请一位专业的编辑来梳理一下整体结构，目前的版本实在是对读者智力的巨大考验。

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这本书的语言风格极其晦涩难懂，与其说是在阅读专业的学术论述，不如说是在啃一本晦涩的哲学著作。作者似乎深谙使用各种冷僻的术语和过于冗长的从句，每一个句子都需要我反复阅读三四遍才能勉强捕捉到其核心含义。尤其是在分析音乐结构的部分，他大量引用了只有少数内行人才能理解的理论框架，完全没有考虑到普通爱好者的接受程度。我不得不经常停下来，查阅大量的背景资料，才能继续跟上他的思路。坦白说，这种故作高深的写作手法，大大削弱了作品的传播力。我更倾向于那些能够用清晰、优雅的笔触将复杂概念娓娓道来的作者，而不是这种将简单问题复杂化的“专家”。这本书更适合作为特定研究领域内少数专家的内部参考，而非面向更广泛读者的入门或进阶读物。

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我必须承认，书中收录的那些详尽的原始文献引文和手稿照片是无可替代的宝藏。那些跨越了数百年历史的墨迹，那些舞台设计的草图，那些作曲家在信件中不经意流露出的情绪，都以极其清晰的复刻形式呈现在我们面前。这些一手资料的价值，远远超过了任何旁人的解读和阐述。我花了好几个下午，仅仅是沉浸在那些老旧的剧本片段和演员签名中，想象着当年演出现场的热烈气氛。作者在搜集和整理这些历史碎片方面无疑付出了惊人的努力，这份严谨和对史实的尊重，是这本书最值得称道的地方。对于任何一个致力于考据和研究历史脉络的人来说，这些附件和附录部分，才是真正的主体内容，其学术价值是毋庸置疑的。

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这本书给我的感觉更像是一本精心策划的“旅游指南”，而不是严肃的学术著作。作者似乎更热衷于描绘某个特定城市里与艺术活动相关的咖啡馆、沙龙，以及那些社交名流们在剧院贵宾席上的风流韵事。他对艺术作品本身的深度剖析少之又少，反倒是花了大篇幅来描述那些围绕着艺术产生的“生活方式”。读完之后，我似乎对当时的社会风貌和贵族阶层的日常有了更直观的了解，但对于作品本身——那些音乐的结构、和声的创新、或是情感的表达——却收获甚微。如果想了解十九世纪欧洲上流社会的八卦和服饰潮流，这本书绝对是一流的选择；但若期待一场深入的艺术鉴赏之旅，我恐怕要失望而归了。它更像是一份精美的、带有历史背景的社会速写集。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，深沉的酒红色调配上鎏金的字体，仿佛瞬间把我拉回了十八世纪的巴洛克宫廷。内页的纸张质感极为考究，散发着一种古老书籍特有的芬芳，让人忍不住想捧着它，在壁炉边细细品读。装帧的工艺也无可挑剔，每一个细节都体现了制作者的匠心独运。我尤其欣赏的是其排版布局，文字之间的呼吸感恰到好处，既保证了阅读的流畅性，又不失庄重典雅。对于任何一位追求阅读体验的爱书之人来说，光是拥有这本书本身，就是一种莫大的享受。我甚至有点舍不得在上面做任何标记，生怕破坏了它近乎完美的初始状态。这本书的物理形态，本身就是对艺术品的一种致敬，让人在触摸、翻阅的每一个瞬间都能感受到作者和出版商对美的执着追求。

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