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出版者:Rijksmuseum Kroller-Muller

作者:Coosje Van Bruggen

出品人:

页数:136

译者:

出版时间:1979-6

价格:USD 30.00

装帧:Paperback

isbn号码:9780902825123

丛书系列:

图书标签:

• 雕塑
• 波普艺术
• 装置艺术
• 公共艺术
• 艺术史
• 现代艺术
• 美国艺术
• Claes Oldenburg
• 艺术
• 流行文化

《流动的边界：当代雕塑的物质性与空间叙事》 作者： 艾莉森·韦伯斯特 出版社： 普林斯顿大学出版社 出版年份： 2022年 --- 内容简介： 《流动的边界：当代雕塑的物质性与空间叙事》并非一本关于特定艺术家的传记或作品汇编，而是对20世纪下半叶至21世纪初，雕塑艺术本体论和实践范式的深刻探讨。本书聚焦于当代雕塑如何超越传统“固定、永恒”的物质观，转而拥抱“流动、临时”的空间体验与感知。韦伯斯特教授以其敏锐的理论洞察力和广博的艺术史视野，解构了材料的革命、场域的介入以及观众在作品中的能动性，勾勒出一条从现代主义的结构性束缚中解放出来的艺术发展脉络。 本书的核心论点在于：当代雕塑的本质不再是物体（object）的堆砌，而是关系（relation）的构建。这些关系发生在物质与非物质之间、观看者与环境之间，以及时间与空间之内。 第一部分：物质的去中心化与软性革命 在第一部分，韦伯斯特首先回顾了战后艺术对坚硬、永恒材料（如青铜、大理石）的挑战。她详细分析了“软雕塑”思潮的兴起，指出这种对柔性、可塑、易腐朽材料（如布料、橡胶、塑料薄膜，甚至空气和光线）的使用，如何彻底颠覆了雕塑的传统定义。 书中深入探讨了材料的“社会性”和“政治性”。例如，对于聚氨酯泡沫和乙烯基的使用，不仅仅是美学选择，更反映了战后消费主义的膨胀与对工业废弃物的反思。她将这种物质性的转变视为一场“去中心化”运动，迫使评论家和观众从关注“形体”转向关注“张力”和“渗透性”。韦伯斯特提出，当雕塑变得“可穿戴”、“可居住”或“易于移动”时，它便开始侵蚀建筑的界限，模糊了室内外、公共与私密的区别。 第二部分：空间作为介质：场域的觉醒 本书的第二部分将焦点转移到雕塑与环境的复杂互动上。韦伯斯特认为，在当代艺术中，环境不再是作品的背景，而是作品的构成要素。她引入了“空间叙事”的概念，探讨艺术家如何利用现成场地（site-specificity）来编织意义。 这里，作者详细分析了大地艺术（Land Art）的理论基础，超越了对规模和宏大的浪漫化描述，转而关注其对时间性（如侵蚀、生长、季节更迭）的记录。更重要的是，本书对后极简主义（Post-Minimalism）中对“结构性空间”的批判进行了细致剖析。艺术家不再试图用几何体来定义空间，而是通过光线、阴影、序列排列和参照点，引导观众感知空间本身的不确定性和主观性。她讨论了如何通过看似简单的排列（如重复的元素或对齐的线条）来激活观众的身体记忆和运动轨迹，使观展行为本身成为作品不可或缺的一部分。 第三部分：观众的参与与临时性的美学 第三部分探讨了当代雕塑中至关重要的“参与性”维度。韦伯斯特清晰地阐述了从观看者（spectator）到体验者（participant）的转变过程。当作品具有模糊的物理边界，或者需要观众的介入才能“完成”时，作品的意义便从创作者手中转移到了相互作用的场域中。 书中详细对比了不同形式的临时性：一种是结构上的临时性（如装置艺术中易于拆卸的材料），另一种是体验上的临时性（如行为艺术对时间片段的截取）。她认为，正是这种对“永恒性”的拒绝，赋予了当代雕塑一种独特的现代焦虑和诗意。作品的消逝性（ephemerality）迫使观众更加警觉地活在当下，捕捉转瞬即逝的瞬间。 此外，本书对“关系美学”思潮在雕塑领域的渗透也进行了深入挖掘。一些作品不再是独立的对象，而是促成社会互动、对话或政治行动的催化剂。雕塑的物质性退居二线，其功能性——即构建人与人之间潜在联系的能力——成为衡量其艺术价值的核心标准。 总结与展望：边界的消解 在结语部分，韦伯斯特总结道，当代雕塑的“流动的边界”标志着艺术本体论的深刻转向。雕塑不再是关于“物体的艺术”，而是关于“在场”（presence）和“潜能”（potentiality）的艺术。它不断地挑战着美术馆的物理墙壁，渗透到城市景观、数字界面乃至社会结构之中。 《流动的边界》为理解当前雕塑前沿实践提供了一个坚实的理论框架，尤其适合对艺术史、视觉文化和物质文化研究感兴趣的读者。它不仅是一部学术著作，更是一份邀请函，邀请读者重新审视我们习以为常的“实体”概念，并在流变不居的空间中寻找新的意义锚点。本书以其严谨的论证、丰富的案例分析（涵盖了从1960年代至今的众多重要艺术实践），成为当代雕塑研究中不可或缺的里程碑式著作。

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当我捧起这本书，我立刻感觉到它散发出一种强烈的、近乎挑衅的戏谑感。这不是那种端着架子的艺术史著作，它更像是一个老顽童的个人档案，充满了即兴的、充满活力的能量。那些关于城市空间改造的宏大设想，比如悬挂在建筑立面上的巨型拉链或者褶皱的床单，都带着一种叛逆的幽默。这本画册的排版本身就很有意思，它没有遵循严格的学术规范，而是随着作品的性质在冷静的记录和狂野的想象之间自由切换。我常常停留在那些早期的“软雕塑”照片前，那些看似松垮、泥泞的形态，仿佛是对传统雕塑材料的公然蔑视。这种对材料和尺度的游戏，让我联想到一种后现代的“去严肃化”倾向，即便是最宏伟的纪念碑，也可以被塑造成可以被挤压的、有弹性的玩具。这本书的价值在于，它清晰地展示了艺术家如何将一种持续的、几乎是顽固的好奇心，转化为一套完整的视觉语言，让观众在惊愕之余，也感到一种莫名的亲近感。

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这是一部令人心神愉悦的作品集，它的魅力不在于提供标准答案，而在于不断提出令人会心一笑的问题。翻阅这本书时，我感觉自己仿佛成了一名潜入艺术家工作室的秘密访客，看到了那些不为人知的构思片段和早期尝试。那些色彩的运用，往往是鲜艳、饱和的，充满了六十年代的乐观主义色彩，但形式上却带着一种对现代性过度生产的调侃。与其他严肃的现代艺术作品相比，Oldenburg的作品有一种难得的“亲民性”，它不需要深奥的理论支撑，直观的视觉冲击力就能抓住人心。然而，这种直观的背后是深刻的文化批判，它指向了我们如何被商品和广告所塑造的现实。这本书的编排巧妙地穿插了文字评论和大量的视觉资料，使得阅读过程既有知识的汲取，又有纯粹的视觉享受，节奏感掌握得非常到位，让人舍不得放下。

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不得不说，这本书的装帧设计与内容气质非常契合，它本身就像是Oldenburg雕塑的一个微缩版本——沉重、结实，但内容却充满了轻盈的颠覆性。阅读过程中，我不断地被唤醒对“功能”和“形式”之间张力的思考。一个日常物件，一旦被放大到不成比例或被赋予柔软的质地，它原有的实用价值便被彻底剥夺，转而成为纯粹的符号。书中对草图和模型制作过程的细致呈现尤其引人入胜，它揭示了从一个天马行空的念头，到最终在公共空间中实现（或仅停留在蓝图上）的复杂旅程。这种从平面到立体的跨越，充满了挑战和妥协。我特别留意到艺术家在处理工业产品时的那种近乎迷恋的精确性，即使是模仿一个松软的物体，线条的捕捉依然精准到位，这体现了一种高超的技艺被用来表达一种看似“低级”的主题，这种反差构成了作品的核心魅力。

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这本厚重的画册，初翻时便被那种近乎孩童般对日常物品的巨大化和软化所吸引。它像一个精心策划的、无声的戏剧，将那些我们习以为常的、冰冷坚硬的工业制品——比如一把扳手、一块奥利奥饼干、甚至是一坨搅拌在一起的奶油——用一种温暖、可触摸的材质呈现出来。书中的照片和草图仿佛在邀请你走入一个超现实的游乐场，在那里，尺度的规则被彻底颠覆。我尤其喜欢那些关于公共艺术的设想，那些巨大的、看似随时会融化的雕塑，它们以一种幽默而挑衅的姿态，挑战着城市景观的严肃性。Oldenburg 的作品并不只是对“波普艺术”的简单重复，它更深层次地探讨了我们与物体的关系，以及在消费社会中，物体如何被赋予新的情感重量和荒谬的诗意。每一页都像是一个视觉上的“笑话”，但笑声背后却隐藏着对现代生活结构深刻的观察。翻阅这本书，就像是完成了一次奇特的感官体验，既觉得荒唐可笑，又在不经意间被触动了心弦，思考着“何为艺术的尺度？”

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这本书的阅读体验，更像是一场对“物质性”的重新教育。它让我重新审视那些我们每天触摸、使用、却从未真正“看见”的物体。Oldenburg的魔力在于，他能够将一个平凡的汉堡或一个简单的插头，提升到史诗般的规模和意义。画册中的大量黑白照片，尤其是一些早期的装置和“发生”事件的记录，捕捉到了一种转瞬即逝的能量，那是对既有艺术体制的即时性反抗。我欣赏这种不拘一格的艺术态度，它拒绝被任何单一的流派标签所束缚。通过这本书，我明白了Oldenburg的核心追求：他不是在复制物品，而是在解构物品的社会功能，并用幽默感为其注入新的生命力。每看完一章，我都会不自觉地环顾四周，审视房间里的家具和工具，心中暗想：“如果这个茶杯变成了一百倍大，它会是什么样子？”这本书成功地在我的大脑中植入了一种持续的、富有想象力的“尺度错位症”。

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