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出版者:Cornell University Press

作者:Gerard Genette

出品人:

页数:256

译者:Goshgarian, Gary

出版时间:1997-4

价格:USD 25.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780801482724

丛书系列:

图书标签:

• aesthetics
• 艺术哲学
• 美学
• 艺术理论
• 艺术批评
• 文化研究
• 现代艺术
• 当代艺术
• 艺术史
• 视觉文化
• 艺术与社会

暮光之城：永恒的凝视 作者：艾米丽·布朗特 书籍简介： 《暮光之城：永恒的凝视》并非对古典美学理论或艺术创作过程的探讨，而是一部深刻剖析人类情感极限、探索生命与死亡边界的哥特式浪漫史诗。它将读者带入一个被永恒的黄昏笼罩的偏远小镇福克斯，那里，时间仿佛凝固，而古老的秘密在湿润的空气中低语。 故事的核心围绕着伊莎贝拉·斯旺展开。一个笨拙、内向的十七岁女孩，为了陪伴父亲而从阳光明媚的凤凰城搬迁至常年多雨的华盛顿州小镇。她的到来，像一颗投入平静湖面的石子，激起了潜伏在平静表象之下的暗流。福克斯镇的居民，大多沉默寡言，眼神中藏着不易察觉的疏离，他们似乎在恪守着某种不为外人道的约定。 然而，斯旺很快注意到了卡伦家族。他们如同从油画中走出的完美雕塑，苍白、精致，散发着一种令人窒息的优雅。尤其是爱德华·卡伦，他有着令人目眩的容貌，如同文艺复兴时期被神祇亲吻过的青年，但他的眼睛里却燃烧着一种古老而危险的火焰。他的美是致命的，混合着诱惑与禁忌。 故事的转折点在于，斯旺发现爱德华并非一个普通的少年。他拥有超乎寻常的速度、力量，以及一种能够洞悉他人思想的奇异能力。随着调查的深入，她揭开了笼罩在卡伦家族上空的巨大秘密：他们是不朽的生物，是吸血鬼。 《暮光之城：永恒的凝视》的魅力，在于它对“永恒”与“瞬间”的张力进行了淋漓尽致的刻画。对于爱德华而言，人类短暂的一生如同流星划过夜空，而他的存在则是无尽的黑夜。当他爱上贝拉时，这份爱情注定要承受跨越物种的巨大鸿沟。他们的关系充满了危险的诱惑：吸血鬼对血液的渴望，与人类对爱情的纯粹向往，形成了难以调和的矛盾。每一次亲密的接触，都可能是致命的陷阱。 布朗特细腻的笔触，将读者带入了贝拉的内心世界。她目睹了爱德华如何在人类的痛苦与对她的保护欲之间挣扎。她渴望成为他世界的一部分，即使这意味着要放弃她作为人类的一切。小说深入探讨了自我牺牲的主题——为了爱人，一个人愿意放弃多少自我？贝拉对爱德华的爱，近乎一种宗教般的虔诚，让她甘愿直面死亡的阴影。 随着故事的发展，卡伦家族的平静生活被打破。他们的存在依赖于不引人注目，但贝拉的出现，如同在她周围拉响了警报。一个由流浪吸血鬼组成的敌对团体——詹姆斯、维多利亚和劳伦特——闻风而至，他们的到来将爱情推向了极端的考验。詹姆斯，一个追踪猎物如同艺术般的“追踪者”，将贝拉视为他下一个杰作。 追逐与逃亡的场景被描绘得紧张而残酷。布朗特巧妙地运用了福克斯镇阴郁、雾气弥漫的环境，来烘托危机四伏的氛围。每一次躲藏，每一次对决，都将读者紧紧攥在手心。这场追逐战不仅是对肉体的威胁，更是对贝拉和爱德华之间誓言的终极检验。 小说的高潮部分，是一场在凤凰城一家芭蕾舞工作室内的殊死搏斗。在这里，爱德华必须压制他内心深处对血液的原始冲动，以保护他所爱之人免受另一位吸血鬼的残害。这场战斗不仅展示了吸血鬼世界的残酷法则，更彰显了爱能够超越本能的力量。 《暮光之城：永恒的凝视》不仅仅是一个关于吸血鬼的奇幻故事，它更是关于成长的寓言。贝拉必须学会如何在非黑即白的世界中做出选择——是沉溺于被保护的舒适，还是勇敢地拥抱危险，与她所爱之人共同面对永恒的挑战？她必须决定，她愿意为这份跨越生死的爱付出何种代价。 书中对人与非人界限的探讨，充满了哲学意味。爱德华的永生，让他对时间的流逝有了深刻的理解，而贝拉的短暂生命，则赋予了每一次呼吸、每一个瞬间以极致的价值。他们之间的每一次眼神交汇，都承载着数百年的孤独与一生的渴望。 最终，故事以一个充满希望却又隐隐不安的结局收场。贝拉的选择，为她未来的道路奠定了基调——她不再是那个躲在角落的普通女孩，她已经踏入了永恒的边缘。这本书深刻地探讨了身份的重塑、爱情的牺牲，以及在面对注定无法逃避的命运时，人类（或类人）所展现出的惊人韧性。它是一曲献给那些渴望超越平凡、拥抱禁忌之爱的灵魂的挽歌。 主题聚焦： 禁忌之爱与物种差异： 探讨跨越生命形式的爱情所面临的伦理与生存挑战。 永恒的代价： 审视不朽带来的孤独感与对人类短暂美好的向往。 成长的阵痛： 描绘少女如何在危险的爱情中，完成自我认知与情感的蜕变。 环境与氛围的象征意义： 福克斯镇的永恒阴雨，映衬了角色内心的忧郁与秘密的沉重。 《暮光之城：永恒的凝视》以其强烈的感官描写和令人心跳加速的情节，为读者提供了一次深入人性深处的、关于爱与不朽的沉思之旅。它让读者思考，真正的生命力，究竟在于时间的长短，还是在于燃烧的热烈程度。

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这本书带给我最大的冲击，是它对“过程”和“失败”的坦诚记录。很多艺术论著倾向于歌颂最终的、完美的结果，将艺术家塑造成某种不食人间烟火的天才。然而，这本书似乎更有勇气去揭示那些被历史尘封的草稿、被否决的方案以及创作中遭遇的巨大瓶颈。这种近乎于纪实的手法，让那些遥不可及的“大师”瞬间变得有血有肉、充满人性。我仿佛能透过文字，看到画家在颜料干涸前的焦虑，雕塑家在敲下关键一锤时的犹豫，以及作家在无数次自我否定后的重写。书中详细描述了数个创作的“卡点”是如何被克服的，那些具体的、技术性的难题和心理上的自我怀疑，比任何理论上的阐述都更具有说服力。这无疑极大地鼓舞了我自己领域内的工作——它提醒我，创造力的本质并非一蹴而就的灵光乍现，而是长期、艰苦、充满挫折的迭代优化。

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与其他同类题材的书籍相比，这本书的独特之处在于它对“语境”的强调达到了近乎偏执的程度。它没有满足于仅仅描述作品的外在形式或技术细节，而是如同一个高明的考古学家，层层剥开历史的尘埃，去探寻每一件艺术品诞生时所处的社会肌理、哲学思潮乃至经济压力。书中对特定历史时期的文化生态的描摹极为生动，你几乎可以闻到那个时代特有的气息，感受到创作者在巨大社会期望下的挣扎与超越。我特别留意了其中关于“赞助人制度演变”的那一章，作者通过对比不同时期的权力结构如何形塑了艺术的边界与走向，提供了一个极具洞察力的批判性视角。这种对宏大叙事的驾驭能力，使得阅读过程充满了智力上的挑战和满足感。它教会了我，理解一件作品，必须将它放置回它所属的那个“场域”，否则，我们所见的不过是漂浮在虚空中的美丽幻影。这对于任何想要深入探究艺术史的人来说，都是一次宝贵的“去魅”过程。

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我花了整整一个周末沉浸在这本书的叙事节奏中，它有一种近乎催眠的魔力，让你忘记了窗外时间的流逝。作者的笔触极其细腻，行文流畅得如同被精心打磨过的鹅卵石小径，引人入胜地蜿蜒向前，从不生硬地抛出晦涩的理论，而是巧妙地将复杂的概念包裹在一个个生动的故事和深入的个案分析之中。这种叙事策略的成功之处在于，它搭建了一座坚实的桥梁，连接了晦涩的学院派思辨与普通爱好者的直观感受。我尤其欣赏作者对于“意图”与“接受”之间动态平衡的探讨，那种辩证的思维方式，迫使我不断地反思自己过去对许多经典作品的片面理解。书中引用的例证丰富而多变，跨越了地理和时期的限制，显示出作者深厚的学识储备，但更难得的是，他能将这些看似分散的知识点，用一种近乎音乐般的和谐感组织起来，形成一个连贯的整体论述。读完后，感觉脑海中原本模糊不清的轮廓被清晰地勾勒出来，仿佛有一位技艺精湛的导师，在耳边循循善诱，解开了多年的困惑。

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从一个纯粹的美学欣赏者的角度来看，这本书的阅读体验是极其令人振奋的，因为它拓展了我“看”的能力。作者不仅仅是介绍作品，更是在传授一套观察的“方法论”。他对于光影、构图、笔触的分析，精准到仿佛作者本人就是那位艺术家，站在画架前亲自指导。特别是其中关于“负空间”和“视觉重量分配”的章节，我立刻拿出了几幅我熟悉的作品进行对照分析，立刻发现了自己过去完全忽略的那些微妙的平衡与不平衡。这种分析并非冷冰冰的技术拆解，而是充满了对美学原理的深层理解，它解释了“为什么看起来舒服”或“为什么会感到不安”的内在机制。更重要的是，这种方法论具有极强的普适性，它不局限于某一画派或某一媒介，而是触及了所有视觉艺术创作的底层逻辑。合上书本时，我感到世界仿佛被重新对焦，眼前的万事万物都多了一层可以被解读的、更深层次的结构。

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这本书的装帧设计简直是一场视觉的盛宴，从触感就能感受到出版者对艺术的敬畏。封面采用了一种细腻的哑光纸质，触手留痕，仿佛每一页都蕴藏着历史的厚重感。色彩的运用更是考究，主色调是沉稳的墨黑与古朴的象牙白交织，偶尔点缀着如同文艺复兴时期湿壁画褪色后的那种柔和的赭石色，这种克制的色彩表达，反而凸显了内容本身需要传递的某种深刻力量。内页的排版布局堪称教科书级别，字体选择了一种带有古典韵味的衬线体，字距和行距经过了精密的计算，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳，这在许多印刷粗糙的艺术类书籍中是极为罕见的。更值得称赞的是，书中对于图像的呈现方式——那些精选的插图和摹本，它们的印刷精度高得惊人，即便是微小的笔触纹理，在放大后依然清晰可辨，光泽度的控制恰到好处，既保留了原作的质感，又避免了过度反光带来的干扰。整体而言，这本书不仅仅是阅读材料，它本身就是一件值得收藏的工艺品，从拿起它的那一刻起，我就被这种对“物”本身的尊重深深吸引了。它成功地将阅读体验提升到了鉴赏的层面，让人在翻阅的每一个瞬间都能感受到制作团队的匠心独运。

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