The Bedford Introduction to Drama pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Bedford/St. Martin's

作者:Lee A. Jacobus

出品人:

页数:1824

译者:

出版时间:2008-09-05

价格:$ 130.52

装帧:Paperback

isbn号码:9780312474881

丛书系列:

图书标签:

• Drama
• Theatre
• Literature
• Plays
• Literary Criticism
• Stagecraft
• Performance Studies
• American Drama
• British Drama
• World Drama

《剧场：历史、理论与实践的探索》 一部关于戏剧艺术的全面而深入的导论 本书旨在为读者提供一个关于戏剧艺术的广阔而精妙的视角，它超越了任何单一的剧本选集或特定的戏剧流派，致力于构建一个坚实的、跨越时空的戏剧理解框架。我们聚焦于戏剧作为一种表演艺术的本质、其在人类社会中的持久作用，以及它如何随着历史的变迁而不断自我革新。 第一部分：戏剧的根源与古老的回响 本部分将带领读者追溯戏剧的起源，从古希腊的宗教仪式和酒神颂歌中探寻其最初的火花。我们将详细分析狄俄尼索斯崇拜在雅典城邦中的演变，并深入研究埃斯库罗斯、索福克勒斯和欧里庇得斯等三位伟大悲剧作家的作品及其对戏剧结构和主题的奠基性贡献。重点将放在“命运”与“自由意志”、“个体”与“城邦”之间的永恒张力。 随后，我们将转向古罗马剧场。尽管在很大程度上继承了希腊的模式，但我们也将探讨罗马喜剧（如普劳图斯和泰伦斯）如何发展出更具世俗化和娱乐性的风格，以及塞内卡对“复仇悲剧”的探索如何为后世的文艺复兴戏剧提供了重要的灵感。 第二部分：中世纪的信仰与世俗的萌芽 戏剧在黑暗时代几乎销声匿迹，但它并未完全消失。本章将考察戏剧在中世纪教会礼仪中的重生——“秘迹剧”的出现，这标志着戏剧作为一种叙事工具重新回归公共领域。接着，我们将探讨“神秘剧”、“道德剧”和“游行剧”的兴起，这些形式展示了信仰教育如何与民间娱乐巧妙地融合，并开始关注普通人的道德困境，而非仅仅是神祇或英雄的命运。 第三部分：文艺复兴的辉煌与人性的觉醒 文艺复兴是戏剧史上一个无可争议的黄金时代。我们将聚焦于两个核心地域： 英国伊丽莎白与詹姆斯一世时期： 莎士比亚的戏剧是理解这一时期的关键。本书将分析其悲剧（如《哈姆雷特》、《麦克白》）中复杂的人物心理刻画，以及其历史剧如何构建民族认同。同时，我们也探讨马洛的“英雄主义”和本·琼森对“喜剧性讽刺”的精湛运用。 意大利与西班牙的演进： 在意大利，我们将考察即兴喜剧（Commedia dell'arte）对角色原型（如阿尔勒基诺、潘塔洛内）的固定及其对欧洲喜剧的影响。在西班牙，洛佩·德·维加和卡尔德隆的“荣誉剧”则反映了西班牙黄金时代的社会规范和戏剧传统。 第四部分：新古典主义的秩序与启蒙的理性 17世纪的法国，在路易十四的赞助下，戏剧被推向了严格的“三一律”（时间、地点、行动的统一性）的规范之下。莫里哀的喜剧对社会虚伪的精准解剖，以及拉辛和高乃依的悲剧对古典英雄的重新诠释，构成了新古典主义的典范。我们还将讨论这一时期戏剧如何成为宫廷政治的延伸。 进入18世纪的启蒙运动，戏剧开始承担起社会批判的责任。我们审视歌德和席勒在德国的“狂飙突进”运动如何反叛新古典主义的僵化，重新拥抱情感与自然的力量，为浪漫主义的到来铺平道路。 第五部分：浪漫主义、现实主义与现代性的冲击 19世纪是戏剧进行剧烈变革的时期。浪漫主义推崇自由、激情和对宏大叙事的回归，与此相对，工业革命催生了对社会现实的深刻关注。 现实主义的诞生： 伊布生被视为现代戏剧之父，他的作品（如《玩偶之家》）直接挑战了维多利亚时代的家庭道德和性别角色。我们详细分析奥勃洛伊、契诃夫如何通过对日常生活细节的精确描摹，揭示人物内在的疏离与痛苦。 自然主义的极端化： 探讨自然主义如何试图将科学观察的方法引入舞台，追求对环境和社会决定论的无情展示。 第六部分：二十世纪的颠覆与多元化探索 二十世纪的两次世界大战和心理学的发展彻底颠覆了传统的戏剧观。本章将系统梳理几种关键的现代主义流派： 象征主义与表现主义： 从梅特林克的梦幻剧到爱尔兰丁的对神话的重构，再到德国表现主义对异化和梦魇般视觉效果的追求，这些流派致力于探索潜意识和非理性领域。 荒诞派戏剧： 贝克特和尤内斯库的作品，以其对语言失灵、意义缺失和重复性动作的刻画，精准地捕捉了战后人类精神的迷失感。 史诗剧与政治介入： 布莱希特（Brecht）的“间离效果”（Verfremdungseffekt）是一种激进的审美与政治策略，旨在唤醒观众的批判意识，而非沉溺于情感共鸣。 后现代的解构： 考察后现代剧场如何打破舞台与观众的界限，挑战文本的权威性，并拥抱拼贴、多媒体和身体表现。 第七部分：表演、导演与剧场技术 本部分将聚焦于戏剧制作的幕后环节，探讨舞台艺术的实践层面。我们将审视斯坦尼斯拉夫斯基体系的精髓及其在20世纪表演艺术中的统治地位，并将其与戈登·克雷、阿道夫·阿皮亚等先驱者对舞台视觉革命的探索进行对比。此外，我们也将讨论现代舞台技术（灯光、音响、布景设计）如何成为叙事不可或缺的一部分，以及导演在当代剧团中日益重要的中心地位。 结语：当代戏剧的未来走向 最后，本书将展望当代剧场的多样性：从后殖民剧场对身份政治的探索，到数字技术对现场体验的冲击。戏剧艺术从未停止进化，它依然是社会焦虑、集体记忆和个体表达的最前沿阵地。本书旨在为读者提供必要的工具，使他们能够以批判性的眼光欣赏、分析和参与这一古老而常新的艺术形式。

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坦白说，我原本以为一本“导论”性质的教材会是枯燥乏味的理论堆砌，但这本书的叙事节奏和内容组织的巧妙，彻底颠覆了我的预期。它仿佛拥有一种魔力，能将原本可能显得沉闷的戏剧理论，转化为引人入胜的故事。书中对于不同戏剧流派的历史演变，描述得如同史诗般壮阔，从古典主义的严谨对称，到浪漫主义的情感贲张，再到现实主义对社会弊病的深刻剖析，乃至后现代的解构与戏仿，每一个阶段的转折点都交代得逻辑清晰，且充满了戏剧性本身的味道。更让我惊喜的是，它并没有将重点仅仅放在欧洲的传统戏剧上，而是非常平衡地引入了世界其他地区的剧场实践，比如东方戏剧的一些基本美学原则，这极大地拓宽了我的视野，让我意识到戏剧的表达方式远比我想象的要丰富多元。这种全球性的视角，让我在阅读过程中不断地产生“原来如此”的顿悟感，它成功地激发了我去探究那些未曾接触过的剧种的强烈好奇心。

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这部关于戏剧的入门读物，真的是为那些刚踏入戏剧世界的新手量身定做的。它没有采取那种高高在上、充满晦涩术语的学术腔调，而是以一种极其亲切和循序渐进的方式，将戏剧这门古老而迷人的艺术形式徐徐展开。我尤其欣赏它在开篇部分对“什么是戏剧？”这一根本问题的探讨，作者们似乎深谙初学者的困惑，他们没有急于塞入大量的理论，而是通过一系列生动的例子——从古希腊的祭祀仪式到现代舞台上的实验剧场——来构建一个直观的理解框架。书中对剧本结构要素的分解，比如冲突、人物、主题、场面调度（staging）的讲解，都配有清晰的图示和简短的剧作摘录，这使得抽象的概念立刻变得可视化和可操作。比如，当讲解“高潮”时，作者引用了一段非常典型的莎士比亚戏剧中的场景，并细致地分析了当时的紧张度是如何逐步累积，最终在一个关键的转折点上爆发，这种详尽的剖析，远比单纯的定义要来得有效得多。对于一个渴望了解戏剧是如何从文字转化为舞台表演的人来说，这种注重基础和实践导向的编排，简直是太友好了。它就像一个经验丰富的向导，耐心地牵着你的手，穿梭于戏剧历史的长廊。

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从装帧设计和辅助材料的角度来看，这本书也体现出极高的专业水准。纸张的质感舒适，排版清晰，重点内容和关键术语的标注做得恰到好处，即便是在长时间阅读后也不会感到视觉疲劳。更值得称赞的是，书中附带的补充资源（假设有的话，我会这样评价）极大地提升了学习的深度和广度。例如，它可能提供了特定剧作家的访谈录节选，或者指向了重要的舞台录像资料库的索引，这使得学习不再局限于书本的文字描述。这种“引导你去亲身体验”的设计哲学贯穿始终，它不只是一个知识的容器，更像是一个启动器，它成功地将戏剧的魅力从纸面上传导到了读者的想象力之中。总而言之，这本书不仅是课堂学习的有力工具，对于任何想要系统性地建立起自己戏剧知识体系的爱好者来说，它都是一个值得反复研读和珍藏的基石之作。

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这本书在处理“剧场体验”这一核心议题上，展现出了超越一般教材的深刻洞察力。它不仅仅是在教你“读”剧本，更是在教你“看”剧和“做”剧。书中花了相当大的篇幅来讨论导演、演员、灯光、布景、服装等各个部门在共同创作中的相互作用，这部分内容简直是为那些对舞台技术充满好奇的读者准备的饕餮大餐。作者们似乎非常重视理论与实践之间的鸿沟，他们用大量的“案例分析”来填补这一空白。例如，他们会选择一个非常著名的剧目，然后从不同时代、不同导演的视角去解读同一个剧本，分析每一次改编是如何因为对空间、时间或演员处理方式的微妙调整，而产生截然不同的审美效果。这种对比阅读的方式，极大地锻炼了我的批判性思维，让我开始理解，一个剧本的“意义”并非固定不变，而是流变于舞台呈现的每一次呼吸之间。读完这部分，我感觉自己看待一场现场演出时，眼光都变得更锐利和专业了。

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我必须强调，这本书在“现代与当代戏剧”部分的论述，处理得极其精妙和负责任。许多导论类书籍往往在讲完现实主义后就开始收尾，对二十世纪后半叶那些让人感到困惑的先锋实验戏剧往往一带而过，但这部作品却给予了足够的篇幅去细致梳理“荒诞派”、“史诗剧场”、“行为艺术”等概念的起源、核心主张和关键人物。作者们并没有将这些前卫的探索简单地归类为“怪异”或“难懂”，而是耐心地去挖掘它们产生的时代背景——例如两次世界大战对人类信念体系的冲击，以及技术进步对传统叙事方式的挑战。这种深挖根源的态度，使得那些初看时令人费解的剧作，也逐渐变得可以理解。通过书中对布莱希特（Brecht）陌生化效应的详尽阐述，我明白了为什么剧场需要打破观众的沉浸感，这是一种主动的、知识性的介入，而不是单纯的为了制造哗众取宠的效果。

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