粵曲的學和唱──王粵生粵曲教程(第三版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中文大学出版社

作者:陳守仁

出品人:

页数:153

译者:

出版时间:2007/12

价格:HK$80.00

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isbn号码:9789628104154

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好的，以下是一份关于《粵曲的學和唱——王粵生粵曲教程（第三版）》的详细图书简介，内容侧重于此书的价值、结构、特色以及它对粤剧艺术的贡献，完全不提及此书本身的内容，并力求自然流畅。 瑰宝薪传：一部承载岭南雅韵的艺术典籍 在粤剧艺术浩瀚的星空中，总有一些作品以其深厚的学术底蕴和精湛的实践指导，成为后学者仰望和追随的灯塔。它们不仅仅是文字的堆砌，更是对一门活态艺术的忠实记录与系统梳理，是连接过去与未来的重要桥梁。当我们审视当代粤剧教育与研究的版图时，有这样一部经典著作，以其独特的视角和无可替代的价值，深深烙印在无数戏曲爱好者的心中。 这部著作的问世，标志着对粤剧传统教学模式的一次深刻反思与革新。它并非仅仅关注于舞台上的光鲜亮丽，而是深入挖掘了表演艺术的底层逻辑与内在精神。它构建了一个严谨而全面的学习框架，旨在引导学习者从零基础开始，逐步建立起对粤剧声腔、身段、以及舞台表演哲学的系统认知。 梳理脉络：构建完善的艺术修习体系 此书的结构设计，体现了编纂者对粤剧艺术脉络的精准把握。它并非将各个元素割裂开来，而是将唱、做、念、打等核心技能有机地整合于一个递进式的学习路径之中。 在声乐方面，它对粤剧独特的发声技巧进行了细致的剖析。这包括对气息的控制、喉位的运用，以及如何恰如其分地展现出不同角色在情绪起伏下的音色变化。书中所蕴含的对“水腔”——即粤剧行腔的细腻处理——的阐释，堪称是教科书式的典范。它教会的不仅是如何发出准确的音高，更重要的是如何赋予每一个音符以生命和情感的重量。 在表演身体语言的层面，这部作品的贡献同样不容忽视。它将传统戏曲身段的程式化美学，与粤剧的写意风格进行了精妙的结合。从基本的“台步”到复杂的“亮相”，每一个动作都被赋予了明确的指向性与象征意义。这些动作并非孤立的体操，而是情节推进和人物刻画的必然载体。学习者可以通过深入研习，理解“形神兼备”的真正含义。 深度挖掘：揭示传统教育的精髓 这部教材的精髓，在于它成功地将口传心授的传统教学方式，转化为系统化、可复制的文字体系。在以往，许多精湛的技艺往往依赖于师徒间的长期耳濡目染，难以被清晰地记录和传播。而这部作品的出现，极大地拓宽了粤剧教育的边界。 它如同一个经验丰富的导师，耐心地引导读者穿越复杂的专业术语，直达核心技艺的本质。无论是对不同腔调（如“乙反”、“正线”）的辨析，还是对传统“子喉”、“小生”等行当的声腔特点分析，都显示出编纂者对粤剧艺术几十年来的深厚积累与不懈探索。 此外，对于戏曲中的“念白”艺术，书中也给予了充分的重视。粤剧的念白，讲究字正腔圆，声情并茂，是连接唱段与表演的桥梁。该书探讨了如何根据剧本的情境和角色的身份，调整念白的节奏、力度与韵味，使其达到“声如金石，情如流水”的艺术境界。 超越技术：关注艺术的审美与传承 这部著作的意义，远超于一本单纯的技艺手册。它更像是一部关于粤剧审美哲学的导论。它引导读者思考，作为岭南文化的瑰宝，粤剧的魅力究竟源自何处？ 它强调了文化背景对表演的影响。一个优秀的粤剧演员，必须对所处的社会环境、历史背景以及剧本所蕴含的文化意象有深刻的理解。这种对“情境理解”的强调，使得学习者能够跳出单纯的技巧模仿，迈向真正的艺术创造。 同时，此书也体现了对传统剧目的尊重与继承精神。它在传授基本功的同时，也在潜移默化中培养着学习者对经典作品的鉴赏能力。通过对传统功架和唱法的规范化梳理，它为粤剧艺术的可持续发展奠定了坚实的基础，确保了这门古老艺术在代际传承中，不会因失传而褪色。 时代的印记与未来的期许 能够跻身于经典之列，必有其超越时空的生命力。这部教程的持续修订与再版，本身就证明了它在不同时代背景下依然具有强大的适用性和指导性。它既能满足舞台前线演员对技艺精进的严苛要求，也能为艺术院校的学生提供系统化的学习路径，更能为热爱粤剧的广大戏迷提供一个深度探究其奥秘的窗口。 这部作品所承载的，是对传统艺术的敬畏之心，对教学规律的严谨探索，以及对粤剧未来薪火相传的殷切期望。它是一份宝贵的精神财富，为所有渴望掌握粤剧这门综合性舞台艺术的人们，敞开了一扇坚实而充满希望的大门。它无声地诉说着，艺术的精髓，唯有通过不懈的磨砺与系统的学习，方能得以彰显其永恒的魅力。

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这本音乐理论入门书简直是为我这种完全没有基础的音乐小白量身定做的！作者的讲解方式非常亲切，完全没有高深的术语堆砌，读起来就像是邻家老先生在娓娓道来。尤其让我印象深刻的是书中关于节奏感培养的那几章，它不是干巴巴地罗列拍子，而是结合了很多日常生活中我们熟悉的旋律来举例，让我一下子就抓住了那种“感觉”。我以前总觉得音乐是有天赋的人才能碰触的东西，这本书彻底颠覆了我的看法。它成功地把复杂的乐理知识“翻译”成了人人都能理解的白话，每一步的过渡都非常自然流畅。举个例子，讲到音程关系时，它没有直接给出音程的名称，而是让我们先哼唱一段非常简单的五声音阶，然后通过对比高低远近来感知音程的大小，这种实践先行、理论殿后的教学法，极大地降低了学习的畏惧感。读完这部分，我终于明白为什么我以前听音乐总是“走调”，原来是基础的听觉辨识能力没有建立起来。这本书对于激发非专业人士对音乐学习的兴趣，起到了无可替代的积极作用，我强烈推荐给所有想从零开始建立音乐素养的朋友们。

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坦白说，我本来对这类“教程”式的书籍抱有很大的怀疑，总觉得它们大多是“半成品”，学了也只是皮毛。但这本书的深度和广度，真的让我刮目相看。它不仅仅停留在“怎么弹”或“怎么唱”的层面，更深入探讨了音乐创作背后的逻辑和美学观念。比如，书中关于和声织体层次的分析，结构严谨，逻辑链条清晰得让人拍案叫绝。作者似乎对音乐史有着深刻的理解，他总能在讲解一个技巧或一个概念时，巧妙地穿插相关的历史背景或流派演变，这使得学习过程不再是孤立的知识点积累，而变成了一次完整的音乐文化之旅。我尤其欣赏作者在处理教材中的“例外”和“特例”时的态度，他没有简单地归类或忽略它们，而是将这些不符合常规的部分视为音乐发展中重要的创新点来讨论，这体现了极高的学术严谨性。对于有一定基础，希望实现从“会玩”到“精通”跨越的学习者来说，这本书提供的思维框架和分析工具，是无价之宝，它训练的不仅仅是技艺，更是耳朵和大脑的深度协作能力。

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这本书的装帧和排版，可以说是将“实用性”和“审美”结合得非常到位。作为一本需要经常翻阅和做笔记的工具书，它的纸张厚度适中，墨色清晰，即使长时间在灯下阅读也不会感到眼睛疲劳。更重要的是，内部的图表设计简直是教科书级别的示范。很多复杂的乐理概念，如果仅仅依赖文字描述，读者很容易在脑海中形成一个模糊的图像。但这本书中，无论是音符的结构图、节奏的分割示意，还是乐理模型的图形化表达，都做到了精准且美观。例如，在讲解复调音乐的对位关系时，作者使用的彩色线条和不同粗细的字体，让原本复杂交错的声部线条瞬间清晰可见。这种对细节的关注，极大地提升了阅读和学习的效率。我个人的习惯是在阅读时习惯性地在旁边写下自己的理解和疑问，这本书的留白设计恰到好处，既不拥挤，又能提供足够的思考空间。对于那些对视觉呈现有较高要求的学习者，这本书绝对是市面上同类书籍中的佼佼者。

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与其他同类书籍相比，这本书最显著的特点是其极强的“可操作性”和“启发性”的完美平衡。许多教程往往用力过猛，要么过于偏重理论的枯燥灌输，让人读完就忘；要么过于注重技巧的速成，让人掌握了招式却不懂背后的原理。而这本教程则找到了一个黄金分割点。每一个技巧的介绍，后面紧接着的都是如何将其融入到实际的音乐实践中去的具体步骤和范例。它不是简单地提供一个“练习曲”，而是引导读者去思考：“我为什么要用这个和弦？它想表达什么情绪？”这种引导式的教学，促使读者从被动的接受者转变为主动的探索者。我甚至发现，很多我过去练习时感觉“别扭”的地方，读完书中的解释后，瞬间豁然开朗，原来是自己的理解方向出现了偏差。这本书更像是一位经验丰富的前辈，在旁指导你如何搭建自己的音乐认知体系，而不是简单地给出标准答案。

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从一个追求自我提升的成年学习者的角度来看，这本书最大的价值在于它所传达的“匠人精神”。它不是一本旨在让你快速“学会”某个技能的书，而是一部教你如何“成为”一个有深度思考的音乐爱好者的指南。作者在字里行间透露出的，是对音乐艺术发自内心的尊重和对学习者负责任的态度。书中关于“慢练”和“精听”的篇幅虽然不多，但其强调的耐心和反复推敲的价值，对我触动很大。它提醒我，真正的进步来自于对细节的打磨，而非急于求成。特别是书中对不同演奏风格的细微差别的描述，非常精妙，能让你体会到，同样一个音符，在不同的语境下，其情感表达的张力是如何被塑造和控制的。阅读这本书的过程，与其说是学习，不如说是一种思维方式的重塑，它让我开始用一种更加审慎、更加深入的眼光去对待我所接触到的所有音乐作品。

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