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出版者:旗标出版股份有限公司

作者:赖吉钦·施威铭研究室

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2009

价格:NT860

装帧:精装附光碟片

isbn号码:9789574422852

丛书系列:

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胶片时代的回响与数位浪潮的先声：探寻摄影器材的演进与奥秘 一、 视觉艺术的物质载体：从感光材料到电子传感器的蜕变 本书并非聚焦于当代主流的数位单眼（DSLR）操作技巧与后期处理，而是将目光投向摄影艺术更深远的历史脉络与理论基础。它是一部关于“影像捕获装置”的演进史，追溯了人类如何将光线转化为永久记录的努力历程。 我们首先探讨的是光化学时代的巅峰——精密的机械构造与对光敏感材料的深刻理解。书的开篇将详细解析早期大画幅相机的结构，木制机身如何适应环境变化，皮腔的伸缩机制如何精确控制景深与对焦，以及光圈叶片的设计如何影响成像的锐利度与焦外虚化。我们深入研究不同类型胶卷的光谱敏感性：从潘克罗姆（Panchromatic）到正交（Orthochromatic），不同乳剂配方对色彩还原的细微差别，以及它们在不同光照条件下的局限与优势。 核心章节之一致力于解析显影与定影的化学过程。我们不厌其烦地描绘暗房中那场光与影的“炼金术”：显影液中还原剂如何作用于溴化银晶体，产生肉眼可见的潜影；定影液如何去除未曝光的卤化银，使影像得以永久保存。书中包含了对经典工艺，如卡罗（Carbon）、铂金（Platinum）印相法的详细技术解析，它们所强调的层次感与长久的艺术价值，是纯粹数位流程难以完全复制的。 二、 机械精度与光学极限的探索 本书的另一核心在于对光学工程的致敬与剖析，尤其是在数位感光元件普及之前的时代。我们系统梳理了镜头设计的里程碑：从早期的“双高斯”（Double Gauss）结构如何平衡像差，到复古的“斯内普”（Sonnar）和“天塞”（Tessar）镜头在特定焦段上形成的独特“德味”或“空气感”。 我们深入探究了镜头镀膜技术的发展史。在单层镀膜尚未普及的年代，摄影师如何通过精确计算入射角和镜片间距来对抗鬼影与眩光。书中收录了大量珍贵的镜头设计图纸和MTF（调制传递函数）图表，这些图表揭示了早期镜头在中心锐度和边缘画质上的取舍，以及为什么某些经典镜头至今仍被收藏家和追求特定风格的创作者所推崇。 此外，机械快门的精妙结构也是重点。我们详细拆解了焦平面快门（如织网式快门）的同步速度限制、叶片材质的选择对闪光同步速度的影响，以及中画幅相机上使用镜间快门（Leaf Shutter）所带来的全速闪光优势。这些机械细节，是构建严谨影像捕捉系统的基石。 三、 测光、取景与人机交互的早期形态 在缺乏即时反馈的年代，测光系统和取景器是摄影师与光线对话的主要工具。本书回顾了硒电池测光表的原理，以及它如何通过读取入射光或反射光来指导曝光选择。我们详细对比了不同测光模式（如全域平均、中央重点）在早期机身上的实现方式，以及它们对摄影师现场判断力的要求。 取景器系统的演变同样引人入胜：从皮腔对焦的平视取景器到通过五棱镜实现的单眼反光取景。书中特别分析了反光板机构带来的振动问题，以及如何通过快门锁定机制或使用云台来最大程度地抑制这种机械震动，以确保决定性的瞬间清晰成像。我们还探讨了旁轴取景器（Rangefinder）的独特优势——无反光板的轻便与安静，以及它在街头摄影中不可替代的“预判”哲学。 四、 超越技术规格的影像哲学 本书的宗旨在于，技术是为人服务的，最终目的是实现影像的艺术表达。我们不提供关于“最佳ISO设置”或“如何使用实时取景”的指导，而是聚焦于那些不随技术更迭而褪色的摄影理念。 我们考察了不同画幅的空间信息承载力：从决定性的120中画幅到极限的135全画幅。画幅的物理尺寸如何影响最终输出的颗粒感、景深范围以及画面的“重量感”。书中通过对比分析不同画幅下同一场景的打印作品，阐释了“载体”本身对观看体验的塑造作用。 最后，我们讨论了摄影的意图性与后期干预的界限。在胶片时代，摄影师通过选择曝光、冲洗药水、相纸类型和放大倍率所进行的“后期制作”，是一种高度个人化且不可逆的创作行为。本书鼓励读者从机械、化学与光学的多重维度，去理解和欣赏那些通过精湛的实体技术所留存下来的经典影像作品。 总结： 这部作品旨在为那些对摄影史、光学原理、精密机械以及胶片化学有深厚兴趣的探索者提供一份详尽的参考。它关注的是“如何构建一个捕捉光线的装置”，而不是“如何使用现代电子设备”。它是一本关于基础科学、精湛工艺与艺术追求的深度阅读材料，是理解现代影像技术的历史根源的必读之作。

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哇，这本书简直是为我这种数码摄影新手量身定制的宝典！我拿到手沉甸甸的，光是看着封面就觉得内容肯定非常扎实。我记得我刚开始接触单反的时候，对着那些密密麻麻的按钮和参数简直是头大，什么光圈、快门、ISO，听着就让人想放弃。但是这本书的讲解方式极其平易近人，它没有一上来就用那些拗口的专业术语把我吓跑，而是非常耐心地从最基础的“相机是什么”开始讲起，就像一个资深的摄影老师手把手带着你入门一样。特别是它对不同镜头特性的剖析，简直是细致入微。比如，长焦镜头的压缩感和广角镜头的透视畸变，书里不仅有清晰的理论阐述，还配有对比强烈的实拍样张，让我一下子就能理解那些抽象的概念是如何在实际拍摄中体现出来的。更让我惊喜的是，它对机身操控性的讲解也很有心得，告诉我如何根据自己的手型和拍摄习惯去调整握持方式，甚至连自定义按键的设置都有详细的建议，这真的比冷冰冰的官方说明书有价值太多了，让人感觉这本书是真正从用户的角度出发，致力于帮助我们拍出好照片的。

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我最欣赏这本书的一点是，它始终保持着一种与时俱进的开放态度，而不是抱着一种“老法师”的固执。虽然它是一本关于传统单反的书籍，但它对新技术和新趋势的讨论非常客观和深入。比如，它专门辟了一个章节来讨论微单技术对传统单反的冲击和互补性，分析了各自在速度、体积和画质上的取舍，而不是简单地贬低任何一方。这种中立且深刻的分析，帮助我这个老牌单反用户更好地理解了整个影像行业的发展方向，也让我更清楚地知道自己手中的设备在未来几年的发展定位。此外，书中对新出现的存储卡技术和高速传输协议的介绍也十分及时，确保了读者不会因为技术迭代而感到知识落伍。总而言之，这本书不仅教授了“如何拍摄”，更重要的是，它培养了我们“如何思考”摄影这件事，让你在面对未来更多新技术时，也能保持清醒的判断力，这才是真正的“圣经”所应具备的远见卓识。

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作为一个热衷于户外活动的摄影爱好者，我最关心的是相机的耐用性和在极端环境下的表现。这本书在这方面的深度挖掘让我非常满意。它没有回避那些关于防水防尘等级的讨论，而是用实际案例告诉我，在多大的雨量下，哪些级别的防护是必须的，以及如何通过正确的配件来弥补机身防护的不足。更厉害的是，它还探讨了低温环境对电池续航和传感器性能的影响，并提供了延长电池寿命的实用“小窍门”。我记得有一次去高海拔地区，低温确实让我的电池飞速耗尽，回来后我翻阅这本书，才发现原来有很多预先的准备工作可以避免这种情况。而且，书中关于长途跋扎后如何清洁和保养相机的步骤也极其详细，简直就是一本实用的户外生存指南。对于那些不满足于在城市公园里拍花草，而是渴望探索更广阔自然风光的摄友来说，这本书提供的“野外生存技能”部分，其价值甚至超过了纯粹的曝光讲解。

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说实话，我本来以为这种“圣经”级别的书，内容会非常枯燥，充满了各种技术指标和冰冷的公式，但没想到它在谈到光影和色彩的运用时，竟然充满了艺术气息。它不是单纯地教你如何设置参数，而是更深层次地在探讨“如何用相机去‘看’世界”。比如，关于自然光和人工光的处理，书中给出了很多实用的场景化解决方案。我记得有一章专门讲了阴天的布光，以前我总觉得阴天光线太“平”，拍不出立体感，但书里教了我如何利用散射光创造柔和的影调，以及如何利用环境中的反光来补光，让我对“坏天气”也有了新的认识。当我按照书中的提示，尝试在傍晚的“魔幻时刻”进行拍摄时，那种光影的层次感和氛围感一下子就出来了，那种成就感简直无法用言语形容。这本书的作者显然不仅是技术专家，更是一位对美学有着深刻理解的艺术家，他把那些玄之又玄的美学原理，转化成了我们可以操作的摄影技巧，这才是真正的“圣经”价值所在。

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这本书的结构安排非常有逻辑性，它不像市面上很多摄影书那样东拼西凑，而是形成了一个完整、递进的学习体系。它先从基础知识入手，然后过渡到实战技巧，最后提升到后期处理和作品管理。关于后期制作的部分，我感觉作者的理念非常先进，他强调后期是“完善而非重塑”，核心思想是忠于原片的情感表达。他详细对比了不同软件在处理细节、降噪和色彩管理方面的优缺点，让我明白，优秀的后期不是无限制地堆砌滤镜，而是如何用工具去精准地还原或加强你按下快门时想要捕捉的那一瞬间的感受。特别是书中关于RAW文件处理的深度解析，让我彻底明白了为什么专业人士都坚持使用RAW格式拍摄，以及如何最大化地发挥这种格式带来的后期弹性。这种循序渐进，从硬件到软件，从前期到后期的全方位覆盖，让这本书真正成为了一个“一站式”的摄影学习平台。

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