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出版者:

作者:Nunnelly, Carol A.

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2009-5

价格:204.00元

装帧:

isbn号码:9780762435760

丛书系列:

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服装与文化：一部跨越时代的风格演变史 本书深入探讨了服装作为文化载体和艺术表达的历史进程，聚焦于特定历史时期和地域的时尚风尚，揭示了服饰背后蕴含的社会结构、经济变迁与审美思潮。 第一部分：古代文明的服饰语汇 第一章：美索不达米亚的庄严与实用 本章追溯了苏美尔、阿卡德、巴比伦及亚述等文明的服饰传统。我们着重分析了羊毛和亚麻在早期服饰中的核心地位，以及等级制度如何通过衣物的精细程度、颜色染料（如早期靛蓝的使用）以及佩戴的金属饰品来明确划分。从苏美尔人标志性的“羊毛毯式”缠绕长袍，到亚述国王头戴的巨大华丽圆顶帽，这些服饰不仅仅是蔽体的工具，更是权力与神权的视觉宣言。本章详细考察了古代美索不达米亚的纺织技术，包括早期的织机结构及其对丝麻处理的影响。 第二章：尼罗河畔的轻盈与永恒 埃及的服饰哲学以其独特的简洁和对自然材质的偏爱而著称。本章细致描绘了古埃及的亚麻布料——这种近乎透明的白色织物如何在炎热的气候中成为主流。我们探讨了“卡拉西里斯”（Kalasiris，紧身连衣裙）的演变，从早期较为宽松的款式到新王国时期更加贴合身体曲线的设计。从法老的“奈美斯”头巾（Nemes Headdress）的几何图案，到贵族佩戴的宽大、镶嵌宝石的“乌斯赫”项圈（Usekh Collar），服饰的图案、符号与宗教信仰紧密结合，展现了古埃及人对永恒与秩序的追求。 第三章：爱琴海的光影与褶皱 着眼于米诺斯文明（克里特岛）和迈锡尼文明，本章关注地中海东部特有的服饰风格。米诺斯女性服饰以其大胆的“束腰露胸”设计闻名，强调自然形态的身体曲线，以及复杂的多层褶皱处理。我们分析了壁画中描绘的各种背心、紧身胸衣和钟形裙摆。迈锡尼人的服饰则显得更为厚重，反映了其军事化的社会结构，主要集中在羊毛披风和实用的束腰结构上。本章还对比了早期希腊城邦形成初期，服饰在地域间的细微差别。 第二部分：古典世界的形塑与规范 第四章：希腊的理想化人体与自由的布料 古希腊的服装哲学是建立在对人体美学和公民身份的颂扬之上的。本章的核心是对“湿衣法”（Wet Drapery）的深入剖析，这是雕塑和绘画中捕捉布料自然垂坠和动态褶皱的艺术。我们详细研究了女性的“佩普洛斯”（Peplos）和“基同”（Chiton），以及男性用于不同场合的“希马蒂翁”（Himation）披风。讨论延伸至颜色在城邦间的象征意义，例如雅典的紫色与斯巴达的朴素。服饰的构造极度依赖于别针（Fibulae）和腰带（Girdles）的巧妙运用，而非复杂的裁剪。 第五章：罗马的阶级与权力展示 罗马服饰是等级制度最直接的外部体现。本章将重点解析不同类型的“托加”（Toga）——这种笨重但极具象征意义的服饰——如何随着罗马共和国和帝国的演变，其穿戴的规定愈发严格。从普通公民的素色“Toga Virilis”到元老院议员的窄边或宽边紫色条纹（Latus Clavus），服饰精确地定义了穿着者的法律和社会地位。女性的“斯托拉”（Stola）和“帕拉”（Palla）则反映了罗马女性在公共与私人领域的角色差异。 第三部分：中世纪的信仰与地域性 第六章：拜占庭的奢华与宗教象征 东罗马帝国（拜占庭）的服饰是古典传统与东方奢华的融合。本章深入探究了拜占庭宫廷服饰对色彩、刺绣和贵金属使用的极致追求。厚重的丝绸、复杂的几何图案（如菱形和十字架纹饰）以及“达尔玛提卡”（Dalmatica）长袍的结构，都体现了帝国对神圣性的强调。我们考察了查士丁尼大帝时期服饰的标准化，以及这种风格如何影响了后世欧洲皇室的礼仪着装。 第七章：西欧封建时代的结构与限制 中世纪早期（约公元500-1100年），服饰受气候和地域限制较大，强调保暖和耐用。本章分析了“科特”（Cotte）和外罩的实用主义设计。进入盛期和晚期（约1100-1500年），社会阶层间的服饰差异显著扩大。贵族开始流行更修身的剪裁，如紧身的“苏尔科特”（Surcote）和高耸的“赫纳金”（Hennin）帽饰。服饰的长度、袖子的样式以及对昂贵进口面料（如锦缎）的使用，成为区分贵族与平民的核心要素。本章也探讨了教会对服饰装饰性所施加的道德约束。 第四部分：文艺复兴的变革与人性的回归 第八章：意大利文艺复兴的色彩与面料革命 本章聚焦于15世纪佛罗伦萨和威尼斯如何成为欧洲时尚的中心。意大利的服饰摆脱了中世纪的僵硬结构，转而追求流动的线条和丰富的色彩层次。我们研究了“加米萨”（Gamurra）和“杜普莱特”（Doublet）的设计演变，以及对西班牙和东方的天鹅绒、绸缎面料的偏爱。服饰的装饰性回归，大量使用珍珠和金银线刺绣，体现了人文主义对个体成就和世俗财富的肯定。 第九章：西班牙黄金时代的庄重与结构 16世纪的西班牙宫廷服饰以其近乎建筑般的严谨结构定义了欧洲的时尚标准。本章详细解析了“范德里诺”（Verdugado，裙撑的前身）和“加斯肯”（Jupon，紧身胸衣）如何塑造出僵硬的沙漏轮廓。男性则流行宽大的“普法”（Farthingale）和巨大的“拉夫领”（Ruff）。服饰的颜色偏向深沉的黑色，这不仅是政治高傲的体现，也是西班牙黑羊毛染色技术的巅峰成果。 第五部分：巴洛克与洛可可的戏剧性与精致化 第十章：法国波旁王朝的浮华与宫廷礼仪 路易十四统治下的凡尔赛宫将服饰推向了戏剧性的顶峰。本章分析了法国如何确立其无可争议的时尚领导地位。男性服饰从西班牙的庄重转向了更具装饰性的风格，如“马斯克提尔”（Justaucorps，长外套）、“韦斯特科特”（Vest）和“布里奇斯裤”（Breeches）的组合。女性服饰则被“庞图斯”（Panniers，侧向撑大的裙撑）所主导，强调夸张的侧面轮廓和精致的蕾丝、丝带装饰。 第十一章：洛可可的轻盈、曲线与室内化 18世纪是洛可可美学的黄金时代，其特点是柔和的色彩、不对称的装饰和对自然形态（如贝壳、花卉）的偏爱。本章着重讨论了女性的“罗布·阿·拉·弗朗塞斯”（Robe à la Française）——其标志性的“瓦特奥褶”（Watteleau Back）——如何与男性的“三件套”相得益彰。服饰不再是权力的宣示，而是转为展现贵族阶层闲适生活和精致品味的工具。 结语：时代精神在纤维中的沉淀 本书最终将总结服饰如何作为一种非语言的交流系统，记录了人类社会从古老神权到现代个性的漫长转型。每一块织物、每一次褶皱的安排，都是特定历史时期社会心态、技术能力和审美哲学的物质化呈现。

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这本书的实用价值体现在其对工具和材料的包容性上。我注意到作者并没有将读者的选择局限于昂贵的专业用品，反而花了不少篇幅来讨论如何利用最基础的材料，比如廉价的铅笔或者普通的墨水，去达到令人惊艳的效果。这对于预算有限的年轻艺术家或者学生来说，无疑是一个巨大的福音。更重要的是，它强调的是“思维的灵活性”，而不是“器材的优越性”。书中多次提醒读者，技术是为人服务的，真正的核心竞争力在于你如何将自己的观察和理解融入到创作过程中。这种务实而又鼓舞人心的态度，让我感觉作者不仅仅是一个高高在上的大师，更像是一位耐心且富有经验的导师，真正地站在读者的角度去引导我们成长，而不是故作高深地展示自己的高超技艺。这本书带来的不仅仅是技能，更是一种健康、可持续的创作心态。

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这本书的封面设计极其引人注目，那种复古的优雅与现代的简洁感完美地融合在了一起，光是看着就让人对里面的内容充满了好奇与期待。拿到手里，厚重而富有质感的纸张触感，立刻就给人一种“这是一本值得珍藏”的印象。我特别喜欢它排版上的那种留白艺术，既保证了内容的充实，又让眼睛得到了充分的休息，阅读体验非常舒适。虽然我主要关注的是服装史和当代设计趋势，但这本书在视觉呈现上的用心程度，已经超越了我对一本工具书的预期。它仿佛是一件艺术品，静静地陈列在书架上，每一次不经意的瞥见都能带来一种视觉上的愉悦和灵感的小小激发。我甚至花了相当长的时间去研究它封面上所采用的字体选择，那种精致的衬线体，让人联想到黄金时代的巴黎高定时装屋，充满了故事感和历史的厚重。如果说一本书的“门面”能反映其内在的品质，那么这本书的门面绝对是无可挑剔的，它散发着一种低调的奢华感，暗示着内页中蕴含的知识体系是经过精心打磨和筛选的。

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我发现这本书在组织结构上采用了非常逻辑化但又不失趣味性的编排方式。它不像一些技术手册那样枯燥地罗列步骤，而是将不同的“技术流派”或“时代风格”巧妙地串联起来，形成一个清晰的知识脉络。比如，它在介绍某个特定年代的裙装廓形时，会立刻关联到当时流行的绘画风格是如何影响线条的走向和比例的拿捏，这种跨学科的关联性，极大地拓宽了我的思路。我原本只是想了解一些基础的结构绘制技巧，但读着读着，却不知不觉地被带入了一场关于美学演变的历史之旅。书中那些从草图到最终成品的演变过程展示得非常细致，每一步的过渡都显得自然而然，没有突兀感。这种叙事手法，让学习过程变成了一种探索和发现的乐趣，而不是被动的知识灌输，非常适合那些希望将理论深度与实践操作相结合的读者。

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从内容深度来看，这本书远超我预期的“技巧指南”范畴，更像是一部艺术史的缩影。其中对“动态捕捉”和“人物情绪表达”的章节尤其让我眼前一亮。很多插画书只停留在教你如何画出好看的衣服，但这本书深入探讨了如何通过服装的褶皱、衣物的垂坠感来叙事，赋予静态画面以生命力。我记得有一个案例分析了如何在两秒钟的瞬间捕捉到模特转身时裙摆飞扬的那个微妙弧度，那其中的物理学和美学考量，让我对服装的运动规律有了全新的认识。对于一个注重作品故事性的设计师来说，这种对“瞬间”的精确捕捉能力是至关重要的。它教会我的不是“如何画”，而是“如何观察世界和理解服装在三维空间中的真实状态”，这种底层逻辑的建立，比任何速成技巧都要宝贵得多。

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这本书的装帧和印刷质量简直达到了博物馆级别的标准，色彩的还原度令人赞叹。我之前读过一些关于面料纹理和色彩理论的书籍，但很少有能将那种丝绸的流动感、羊毛的粗粝感，以及各种复杂光泽的微妙变化捕捉得如此精准的。特别是那些展示高级定制服装的跨页插图，简直就是一场视觉盛宴。我仔细对比了其中几张对光影处理得极其到位的作品，即便是用普通纸张印刷，那种立体感和深度依然震撼人心，仿佛能透过纸面触摸到面料的真实肌理。这不仅仅是简单的复制，更像是对原作灵魂的精确捕捉。我尤其欣赏它对不同媒介（比如水彩、墨水、铅笔等）效果的区分处理，即便是外行人也能清晰地辨认出不同技法带来的独特气质和情绪表达。这种对细节的极致追求，让我对书中介绍的任何一种技术都充满了强烈的学习欲望，因为它展示的成品是如此的完美无瑕，让人无法抗拒。

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