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出版者:

作者:Skinner, Tina

出品人:

页数:240

译者:

出版时间:2009-1

价格:$ 56.49

装帧:

isbn号码:9780764331626

丛书系列:

图书标签:

• Found Object Art
• Assemblage
• Mixed Media
• Sculpture
• Art Techniques
• DIY
• Creative Reuse
• Recycled Art
• Contemporary Art
• Art Inspiration

拾遗重塑：日常器物的诗意栖居 图书名称：拾遗重塑：日常器物的诗意栖居 简介： 《拾遗重塑：日常器物的诗意栖居》是一部深度探索“非传统艺术材料”在当代艺术实践中潜能的专著。本书聚焦于那些在日常生活中被遗弃、忽略或视为无用的“现成品”（Found Objects）如何被艺术家重新发现、审视和转化，从而激发全新的美学体验和深刻的社会评论。这不是一本关于特定艺术流派（如达达主义或新达达主义）的教科书，而是对“物性”本身的哲学思辨，以及艺术家如何通过介入和重构来赋予这些平凡之物以新的叙事生命力的过程记录与分析。 本书的结构围绕“发现、介入、语境化”三大核心环节展开，力图构建一个关于现成品艺术实践的完整生态图景。我们不谈论已有的、被广泛接受的艺术形式，而是深入挖掘那些潜藏在废墟、抽屉深处或二手市场角落的“隐形材料”。 --- 第一部分：物语的低语——“现成品”的本体论审视 本部分旨在为读者建立一个认识“现成品”的哲学框架。我们首先要区分“废弃物”、“材料”与“艺术品”之间的微妙界限。 1. 从“使用价值”到“存在价值”的转变 我们探讨了物品在被赋予新的艺术功能之前所承载的全部历史和功能性负担。一个生锈的扳手、一只磨损的瓷娃娃、一段断裂的电线——它们不再仅仅是工具或玩具，而是时间的载体。本书通过对现象学美学的引用，分析了艺术家如何通过“去功能化”的过程，使观众的目光从“这是什么？”转变为“它现在是什么？”。 2. 物质的记忆与创伤的编码 每一件被拾起的物品都携带着制造、使用、损耗乃至遗弃的“物质记忆”。我们深入分析了不同材料的物理属性（如金属的锈蚀、木材的干裂、塑料的老化）如何作为一种无声的语言，揭示出社会变迁、消费主义的周期性以及人类活动的痕迹。这些痕迹并非被刻意添加，而是物质自身对抗时间侵蚀的“自述”。 3. 偶然性与必然性的交织 现成品艺术的魅力很大程度上来源于“意外的发现”。本书详细剖析了艺术家在寻找材料过程中的“狩猎”行为，以及这种偶然性如何与艺术家内心既定的创作意图发生碰撞。这种碰撞往往不是简单的材料服从形式，而是材料主动挑战并修正了既有形式的过程。我们考察了“巧合”如何被提升为创作的“驱动力”。 --- 第二部分：介入的艺术——重塑叙事的策略 在材料被收集并进入工作室后，艺术家采取的“介入”方式决定了最终作品的意义走向。本部分侧重于具体的实践策略，而非流派归类。 1. 序列的构建与解构 许多现成品艺术实践依赖于对同一类物品的大量收集和并置。我们分析了艺术家如何通过对数以百计的相似物品进行细微的排列、堆叠或并列，来制造出一种压倒性的视觉感受或令人不安的秩序感。例如，将成百上千个被丢弃的钥匙集中展示，其意义远超单个钥匙本身，它指向了“缺失”、“遗忘”或“未开启的可能性”。 2. 空间关系的张力 《拾遗重塑》重点考察了材料在三维空间中的“重新定位”。当一个本应在地面上的物件被悬挂在空中，或当一个室内物品被放置于自然环境中时，其原有的空间语境被打破。我们探讨了这种空间错置如何引发观众对距离、尺度和惯常环境的重新思考。这不是简单的装置艺术，而是对“环境如何定义对象”这一命题的直接挑战。 3. 语境的嫁接与反讽 艺术家常常通过将本不相干的物件嫁接到一起，创造出全新的、往往带有尖锐反讽意味的语境。例如，将工业废料与古典雕塑的碎片并置，揭示了不同时代审美价值体系的断裂。本书详细记录了艺术家如何精心挑选特定的“他者”物件，以激活目标材料身上潜在的社会或历史隐喻。 --- 第三部分：物象的延伸——超越视觉的感知 成功的现成品艺术往往能超越纯粹的视觉效果，调动观众的其他感官，并引发更深层次的伦理或生态反思。 1. 触感、声响与时间感 本书探讨了那些不仅用于“看”，更用于“摸”和“听”的材料。例如，某些经过高度腐蚀的金属材料，其表面的粗糙感本身就是一种叙事；而将破碎的玻璃或金属片组合起来，形成的脆弱结构，在特定光线下会产生一种近乎于“危险”的声响预期。我们分析了这些“非视觉的质感”如何强化作品的即时性和侵略性。 2. 从“物”到“事件”的转化 现成品艺术的最高境界，往往是将静态的“物”转化为动态的“事件”或“过程”。我们审视了那些材料本身具有易变性或脆弱性的作品，它们的状态随着时间、温度、湿度而不断变化。艺术家在这种情况下，成为了“过程的管理者”，而非作品的最终定义者。这种不确定性是对当代社会对“永恒完美”追求的一种温和抵抗。 3. 对“浪费”哲学的诘问 最终，本书将视角投向了艺术作品与社会责任的交汇点。当我们把目光投向那些被批量生产、快速淘汰的“垃圾”时，我们实际上是在直面一个关于资源分配、制造文化和个体责任的伦理困境。《拾遗重塑》希望引导读者认识到，每一次对“现成品”的拾取与重塑，都是一次对既有消费模式的低声反思，一次对“何以为美”的严肃质询。 本书适合对象： 关注材料本质、探索艺术边界、对日常生活中的隐秘叙事感兴趣的艺术家、策展人、艺术史研究者，以及任何寻求超越传统媒介界限的创作者。它提供的是一种视角和方法论，而非现成的作品范式。

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这本书的学术深度和广度令人印象深刻，尤其是在跨文化对比方面做得极为出色。它巧妙地避开了将“现成品艺术”简单等同于西方现代主义的窠臼，而是将目光投向了亚洲和拉丁美洲的民间艺术传统，探讨了那里的“物”的象征意义和仪式功能是如何影响当代创作的。比如，书中花了很大篇幅对比了日本的“侘寂”美学与欧洲对“残缺的”工业品的接纳，这种对比分析极富启发性。作者在论证过程中，大量引用了社会人类学和符号学的理论，但所有的理论探讨都紧密地服务于对具体艺术案例的解读，没有陷入空洞的理论建构。更值得称赞的是，书中对女性艺术家在“家庭物件”和“私人空间”中的介入进行了细致的梳理，这往往是主流艺术史论著容易忽略的部分。通过阅读，我清晰地认识到“发现”的动作本身就是一种权力的重新分配，将原本属于公共领域或私人废弃物的物品，置于艺术的光环之下，其背后的社会意图值得深思。

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说实话，一开始我对这类主题的书有些抗拒，总觉得它会充斥着大量抽象的哲学思辨，但这本书的切入点非常新颖，它更像是一本“视觉案例分析集”。每一章都聚焦于一到两种特定的、日常可见的物品类型——例如，特定年代的塑料玩具，或是特定地区风格的建筑碎片。作者用清晰的图文结合方式，展示了从原材料到最终艺术品的演变路径，并且配图质量非常高，很多角度和细节处理得非常到位，对于理解艺术家的意图至关重要。我最喜欢的是书中对“时间性”的探讨。一个被发现的物件，它携带了制造的时间、被使用的经验、被遗弃的时刻，以及被艺术家重新定义的瞬间。书中通过对不同“时间层级”的叠加分析，揭示了现成品艺术如何成为一种对线性历史观的挑战。阅读过程中，我多次停下来，反复查看那些高分辨率的细节图，试图捕捉到那种“时间凝固”的感觉。这本书非常适合那些喜欢从视觉细节入手、寻求具体案例支撑的读者。

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读完这本书，我最大的感受是，我们对“材料”的认知被彻底颠覆了。这本书的叙事方式非常个人化，仿佛是作者整理自己多年来在工作室和跳蚤市场里的笔记和灵感片段。它没有那种高高在上的学术腔调，而是充满了对物件质感的真切迷恋。书中详细描述了作者是如何追踪一件特定的工业废料——比如一块生锈的铁皮——在不同艺术家手中经历的形态变化和意义漂移。这种对“物件命运”的关注，让我开始重新审视自己家中那些被遗忘的旧物。作者在描述创作过程时，对材料的物理特性，比如氧化程度、纹理的粗糙度、以及光线照射下的反射率，有着近乎诗意的描摹，这种感官上的细节描写非常到位。书中穿插了一些艺术家访谈的片段，那些对话简短却充满力量，直接展现了他们在“选择”一个普通物件时，内心瞬间发生的认知飞跃。总的来说，这本书不是在“告诉”你什么是现成品艺术，而是在“展示”给你看，艺术是如何在最平凡的物质世界中诞生和呼吸的。

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这是一本对理解当代艺术史至关重要、但又出乎意料地易于阅读的书。作者以一种近乎“侦探小说”的笔触，带领我们深入挖掘了那些被主流艺术史忽略的、散落在日常角落里的“现成品”（Found Object）。书中对杜尚（Duchamp）的论述远超出了教科书上那种机械式的介绍，而是将其放置于一个更广阔的社会文化背景中进行剖析。我尤其欣赏作者处理那些看似微不足道的物品时所展现出的那种近乎痴迷的专注力。例如，书中有一章专门分析了五金店里螺丝钉和扳手如何从纯粹的功能性工具，一跃成为承载观念的艺术载体，那种转变过程的心理学动因被阐述得淋漓尽致。同时，作者在探讨战后美国波普艺术对消费主义的挪用时，笔锋犀利，毫不留情地揭示了商业符号被艺术“回收”背后的权力运作。这本书的结构设计也很有意思，它不像传统艺术史那样按时间顺序堆砌，而是以“发现的逻辑”为线索，将不同时期、不同地域的艺术家串联起来，读起来节奏感极强，让人感觉自己仿佛在参加一场跨越世纪的寻宝之旅。如果你对“艺术的边界在哪里”这个问题感到好奇，这本书提供了极其丰富的、基于实物证据的思考框架。

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这本书的行文风格极为克制而精准，避免了许多艺术评论中常见的过度阐释和夸张的赞美，它的力量恰恰在于其冷静的分析和严谨的逻辑链条。作者构建了一套全新的评估现成品艺术价值的标准，它不再仅仅关注“观念的原创性”，而是深入考察了艺术家与特定物质世界之间的“共谋关系”。书中探讨了诸如“物件的物质性记忆”和“非人主体性”等较前沿的概念，但都通过非常扎实的案例来锚定，使得这些复杂的理论变得触手可及。例如，作者分析了特定批次玻璃瓶的化学成分差异如何影响了其在装置艺术中的光学效果，这种细微的、近乎科学实验般的关注点，让我对艺术创作的“技术层面”有了全新的认识。它迫使读者走出画廊，去观察我们每天丢弃和忽略的东西，并思考它们在被“命名”为艺术品之前，究竟拥有怎样的内在价值和潜力。这本书不仅是艺术史的补充，更是一本关于“观察世界”的方法论指南。

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