1001 Albums You Must Hear Before You Die

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出版者:Cassell Illustrated
作者:Robert Dimery
出品人:
页数:960
译者:
出版时间:2005-10-31
价格:CAD 31.67
装帧:Paperback
isbn号码:9781844033928
丛书系列:1001 before you die
图书标签:
  • 音乐
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  • 专辑
  • 必听
  • 经典
  • 流行
  • 摇滚
  • 爵士
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具体描述

音乐的殿堂:跨越时代的旋律与传奇 这是一本关于声音的史诗,一次穿越时间的声音之旅。 本书并非简单地罗列一张唱片清单,而是一部深入剖析流行音乐发展史的恢弘巨著。它聚焦于那些定义了音乐流派、挑战了既有审美、并以其非凡的艺术成就和文化影响力,永久地镌刻在人类集体记忆中的音乐作品。我们探讨的,是专辑——这种在特定历史时期内,艺术家得以进行完整叙事和概念表达的媒介——的力量与魔力。 我们将从二十世纪中叶的爵士乐黄金时代开始,追溯其如何与摇滚乐的原始能量碰撞、融合,最终催生出音乐史上最激动人心的变革。这不是一份面向“发烧友”的深奥研究,而是一本献给所有热爱音乐、渴望理解其深层含义的听众的指南。 第一部分:蓝调的根源与摇滚的诞生 音乐的叙事始于泥土的芬芳与挣扎的歌声。我们考察了那些将美国南方特有的蓝调音乐(Blues)元素,通过电吉他的嘶吼和强劲的鼓点,转化为全球性文化现象的早期专辑。这些作品不仅仅是娱乐,它们是社会动荡、种族隔离和青年反叛精神的听觉化身。 深入分析彼时新生的摇滚乐(Rock and Roll)如何打破了刻板的社会结构,以及那些开创性的先驱们,如何通过短短三十分钟的黑胶唱片,传递出足以颠覆世代的能量。我们细致剖析了早期专辑封面的视觉语言,它们如何与音乐内容相互印证,共同构建起一个完整的艺术世界。 第二部分:概念的觉醒与录音技术的革命 随着六十年代的到来,专辑的概念得到了前所未有的拓展。艺术家们不再满足于将单曲拼凑在一起,他们开始将录音室本身视为乐器。本部分重点介绍那些将“专辑”提升至“艺术作品”高度的作品。 我们探索了迷幻摇滚(Psychedelic Rock)如何利用当时最先进的立体声技术和多轨录音,创造出超越现实的听觉景观。这些专辑往往包含复杂的乐器编排、非传统的歌曲结构以及深刻的哲学思考。它们挑战了听众对“流行音乐”的认知边界,迫使人们重新定义音乐的深度和可能性。 这里,录音工程师的重要性被提升到与音乐家同等的地位。我们详细描述了那些突破性的录音技术——如磁带剪辑、回声和混响的精妙运用——是如何将一个个简单的旋律片段,塑造成永恒的杰作。 第三部分:风格的爆炸与流派的细分 七十年代,音乐版图以前所未有的速度扩张。从硬摇滚(Hard Rock)的肌肉感爆发,到前卫摇滚(Progressive Rock)的史诗式宏大叙事,再到放克(Funk)的律动革命,每一个新流派都在试图以最独特的方式占据听众的心房。 本书用大量的篇幅,解析了这些风格背后的社会驱动力。例如,在经济衰退和政治不安的背景下,何种类型的音乐能够提供最直接的情感出口?我们研究了那些极具凝聚力的现场专辑,它们如何捕捉到一种只有在特定时空下才能完美呈现的集体狂热。 同时,我们也关注了那些看似小众,实则具有深远影响的专辑。它们可能没有登上主流榜单的顶端,却成为后世无数音乐家偷偷学习和模仿的“圣经”。 第四部分:电子脉动与后现代的回响 步入八十年代,合成器和鼓机开始主宰声音的版图,音乐制作进入了一个更加精细和数字化的时代。这一部分的焦点在于电子音乐(Electronic Music)如何从地下实验走向主流舞台,并与流行文化进行复杂的对话。 我们考察了那些通过革新的音色设计和编曲手法,创造出独特未来感的专辑。这些作品不仅引领了时尚潮流,更在无形中塑造了我们对“现代感”的听觉印象。同时,朋克(Punk)和新浪潮(New Wave)的出现,则代表了对过度制作的反叛,它们用最简洁的工具,表达了最尖锐的社会批判。 第五部分:嘻哈的崛起与另类的宣言 九十年代,音乐的权力中心发生了转移。嘻哈(Hip-Hop)的崛起不仅仅是一种音乐风格的胜利,更是一场文化和语言的胜利。本书详细分析了那些将说唱提升到诗歌高度的作品,它们如何通过对采样(Sampling)技术的精妙运用,构建起复杂的音乐拼贴,同时记录了城市生活最真实、最赤裸的图景。 与此同时,另类摇滚(Alternative Rock)的浪潮席卷而来,它代表着对八十年代浮华的厌倦,寻求一种更真实、更粗粝的表达方式。我们分析了那些在主流商业压力下依然坚持艺术纯粹性的乐队,他们的专辑如何成为一代人的精神图腾。 结语:永恒的旋律 本书的最终目的,是引导读者重新审视自己熟悉的旋律。我们相信,伟大的专辑具有超越时间的生命力。它们如同历史的化石,记录着人类情感的变迁、技术的进步和艺术的勇气。通过对这些里程碑式作品的深入解读,我们希望读者能构建起属于自己的、独一无二的音乐地图,并从中汲取灵感,继续探索声音世界的无限可能。 每一张被选入的专辑,都代表着一个大胆的“是”,是对既有规则的挑战,是对听众情感的深层触动。它们是活着的历史,等待着下一代听众去发掘其隐藏的宝藏。

作者简介

罗伯特·迪默里(Robert Dimery)是自由乐评人,曾为Time Out、Vogue等多家知名杂志撰写专栏和乐评,创作并出版过不少关于摇滚音乐的图书。

为了编写本书,罗伯特·迪默里邀集来自世界各地五十多个城市的九十多位资深乐评人共同组成本书的创作团队,包括为《时代》杂志写乐评的Theunis Bates、MTV的资深员工Jon Harrington、音乐杂志Dazed & Confused的专栏作家Seth Jacobson等。

罗伯特·迪默里其他作品:《有生之年非听不可的1001首歌》《摇滚天堂》《经典唱片》《经典单曲》

目录信息

读后感

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这个系列的歌单出自一本工具书《有生之年非听不可的1001张唱片》,整理了整个唱片工业时代(1955-2010)的出色作品。歌单中选择的曲目都是一个索引,关联到的专辑才是重头戏。 http://music.163.com/#/playlist?id=30389123  

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唱片为我们的生活提供了背景音乐——而我们中更资深的乐迷更是沉迷其中。此外,略读《有生之年非听不可的1001张唱片》,你就会发现,这些唱片也追溯了过去半个世纪音乐口味迅速而惊心动魄地兴衰起落。 这本书的广度,为读者提供了一个机会,去重新审视对这五十年间音乐史上所公...  

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用户评价

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老实说,我刚开始以为这又是一本“故作高深”的音乐评论集,充斥着大量晦涩难懂的术语和故作深沉的抒情。然而,随着阅读的深入,我发现作者的笔触竟然出奇地亲切和接地气。他不是高高在上的乐评人,更像是一个经验丰富、跟你一起在二手唱片店里翻箱倒海的老朋友。他会用非常生活化的语言来描述那些晦涩的音乐概念,比如,用“像夏日午后突然降下的雷阵雨”来形容某张蓝调专辑中的情感爆发力,这种比喻直击人心。最让我惊喜的是,它并没有完全拘泥于那些被主流媒体反复咀嚼过的“圣经级”专辑,反而花了大量的篇幅去介绍一些在当时名声不显,但日后被证明具有开创性意义的地下作品。这无疑拓宽了我的音乐疆界。我甚至因为这本书,重新找回了尘封已久的一张九十年代实验电子乐的磁带,重新聆听后,才恍然大悟,原来自己早就被埋下的种子影响着品味。

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读完这本书,我最大的感受是,它成功地避开了一个音乐导览类书籍常见的陷阱:制造“音乐精英主义”。作者的语气始终保持着一种谦逊和开放。他明确指出,这份“必听清单”绝非终极真理,而更像是一张基于特定视角、特定时间点所绘制的“草图”。他鼓励读者带着批判性的眼光去看待这些被“加冕”的经典,去质疑它们为何经典,去寻找那些被遗漏的、可能更符合个人口味的“遗珠”。这种态度非常重要,它没有给人带来“听了这些就够了”的满足感,反而激发了一种永无止境的求知欲——去探索这份清单之外的更广阔的音乐宇宙。这本书像一盏强有力的探照灯,为我照亮了音乐史上的几个关键路口,但真正要走的每一步,还得靠自己去丈量。

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我得承认,这本书的定价不低,但当我把它带回家,沉甸甸的重量和印刷质量就让我觉得物有所值。纸张的质感极佳,即便是长时间翻阅,指尖也不会感到疲惫。更重要的是,它对视觉元素的运用达到了一个令人称赞的高度。它收录了大量专辑封面的高清原图,有些封面的艺术价值甚至可以单独拿出来做展览。作者在文字描述之外,非常注重“视觉符号学”在音乐传播中的作用。他们会花几百字来分析一张封面设计背后的文化隐喻、设计师的创作意图,以及这张封面是如何在特定的历史时期引发听众的心理共鸣。这种对音乐体验全方位的捕捉,使得这本书不仅仅是阅读材料,更像是一件值得收藏的艺术品。它教会了我,聆听音乐,同时也要用眼睛去“听”。

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这本书的结构安排,坦白地说,起初让我感到有些无所适从。它没有按照严格的年代顺序或者流派清晰划分,反而更像是一种流动的、充满联想的思维导图。你可能前一页还在讨论六十年代迷幻摇滚的结构创新,下一页就跳跃到了九十年代末期某种晦涩的工业噪音作品。这种看似散乱的编排,实则暗含了高明的逻辑:它在展示音乐是如何通过跨越时空和流派的“基因突变”来实现自身的演进。我发现自己经常因为一个专辑的推荐,而不得不去查阅另一个看似风马牛不相及的专辑资料,这迫使我进行更深层次的关联思考,而不是被动地接受信息。这种“主动探索”的阅读体验,远比那些按部就班的“音乐年鉴”来得刺激和令人难忘。它真正培养的是一种音乐的“触觉”,让你在听到新音乐时,能本能地将其与过去某个片段建立联系。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴,那种厚重感和精心挑选的排版,拿在手里就仿佛触碰到了一份沉甸甸的音乐史诗。我记得第一次翻开它,就被那种近乎百科全书式的详尽资料所震撼。它不仅仅是简单地罗列专辑名称和发行年份,而是深入到每张唱片诞生的时代背景、录音过程中的那些传奇轶事,甚至是影响了后世无数音乐人的微妙细节。比如,它对某张七十年代前卫摇滚专辑的分析,竟然能细致到某段合成器音色的选择是如何体现了当时社会对未来技术的迷恋与恐惧。作者显然是倾注了毕生的心血,那种对音乐的热爱与敬畏,透过每一个字都清晰可辨。我尤其欣赏它处理争议性专辑的方式,既不盲目吹捧,也不轻易贬低,而是用一种近乎学术研究的严谨态度去解构其在音乐史上的地位和实际的艺术价值。对于那些试图系统性构建自己音乐知识体系的乐迷来说,这本书无疑是一张无可替代的航海图,指引我们穿梭于不同流派的广袤海洋。

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