傅抱石论艺 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:上海书画

作者:傅抱石

出品人:

页数:259

译者:

出版时间:2010-1

价格:32.00元

装帧:

isbn号码:9787807258841

丛书系列:近现代名家论艺经典文库

图书标签:

• 艺术
• 美学
• 画论
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• *上海书画出版社*
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《笔墨丹青：中国书画艺术漫谈》 在中国悠久灿烂的文化长河中，书画艺术无疑是其中最璀璨的明珠之一。它不仅是视觉的享受，更是精神的寄托，承载着千年的审美情趣与哲学思考。本书《笔墨丹青：中国书画艺术漫谈》并非对某一特定艺术家的创作轨迹进行梳理，也不是对某一种绘画风格的理论解析，而是旨在带领读者踏上一段探索中国书画艺术精髓的旅程。本书将从宏观的视角出发，触及中国书画艺术的根基、发展脉络、表现形式及其内在精神，力求为读者构建一个清晰而富有深度的认知框架。 一、 笔墨之魂：东方艺术的独特语言 中国书画艺术的核心魅力，在于其独一无二的“笔墨”语言。与西方绘画以色彩和光影塑造形象不同，中国书画更侧重于用线条和墨色的浓淡干湿来表现物象。本书将深入探讨“笔”与“墨”的哲学意涵。 “笔”不仅仅是书写工具，更是艺术家情感的延伸，是力量与韵律的载体。从古代篆刻、书法中的刀笔意味，到水墨画中用笔的疾徐、提按、顿挫，无不蕴含着艺术家对线条表现力的极致追求。我们将解析不同用笔方式所能达到的不同视觉效果，例如，刚劲有力的“折钗法”，温润流畅的“行云流水”，或是疾风骤雨般的“草书”笔意，它们各自传达着何种情绪和生命力。同时，也会讨论线条的组织与构成，如何通过笔线的交织、穿插，形成骨骼分明的画面结构。 “墨”则被誉为“水之化身”，其丰富的层次和变化是中国画表现力的重要来源。本书将详细阐释“墨分五色”的奥秘，即通过水分与墨汁的比例、用墨的疾慢、笔的干湿，创造出从焦墨到淡墨，从浓到枯，从润到燥的丰富变化。这种变化不仅体现在对物象体积和质感的描绘上，更传递着艺术家对自然景物瞬间状态的捕捉和体悟。例如，表现雨后初霁的湿润，或是秋日落叶的枯槁，都需要艺术家对墨色运用有极其精妙的掌控。我们还将探讨墨的晕染技法，如何利用宣纸的吸水性，让墨色自然地渗透、融合，产生虚实相生、意境深远的画面效果。 二、 意境之境：形神兼备的东方审美 中国书画艺术的另一核心追求，是“意境”的营造。它并非简单地对客观物象进行写实描摹，而是强调“外师造化，中得心源”，将艺术家的主观情感、精神追求融入到画面之中，追求形神兼备，乃至“传神阿堵”的境界。 本书将从“神似”的观念出发，探讨中国书画如何超越形似，捕捉物象的内在生命力。我们将分析一些经典画作，解析艺术家是如何通过对物象的提炼、概括，甚至变形，来表现其精神本质的。例如，画一株梅花，不一定拘泥于每一片花瓣的精确描绘，而在于通过其形态、姿态，传达出“暗香浮动”、“傲雪凌霜”的精神。 “意境”的形成，离不开“气韵生动”的审美原则。气韵是中国画的灵魂，是艺术家生命力与物象生命力的交融。我们将探讨如何理解和追求“气韵”，它体现在笔墨的流动、构图的呼应、色彩的搭配，以及留白之处的无限联想。本书将引导读者去感受画面中充盈的生命气息，那种超越视觉的、触及心灵的感受。 留白，在中国画中占有极其重要的地位，它并非“空无”，而是“有”，是蕴含着无限想象的空间。我们将探讨留白在中国画构图中的作用，如何通过对空间的处理，营造出宁静、悠远、深邃的意境，让观者在有限的画面中，感受到无限的宇宙与人生。 三、 题材与表现：多元视角的艺术呈现 中国书画艺术的题材极其广泛，从山水、花鸟、人物，到写意、工笔，各种题材和表现手法共同构成了丰富多彩的艺术世界。 在山水画部分，本书将梳理中国山水画的演变历程，从魏晋时期的“以形写形”到唐宋时期的“写意山水”，再到明清时期的“文人画”山水，分析不同时期山水画的风格特点和审美取向。我们将探讨中国山水画为何强调“天人合一”的哲学思想，艺术家如何通过描绘自然山水，来表达对宇宙人生、对归隐田园的向往。同时，也会介绍一些经典的构图方法，如“高远”、“平远”、“深远”，以及如何在画面中安排点景人物，烘托山水的气势和意境。 花鸟画部分，我们将重点关注花鸟画的象征意义和吉祥寓意。例如，牡丹象征富贵，竹子象征君子，梅花象征坚韧，不同花卉和禽鸟在传统文化中都承载着丰富的文化内涵。本书将解析工笔花鸟的精细描绘，如何用细腻的笔触和鲜亮的色彩，表现花鸟的形态之美；同时也会介绍写意花鸟的洒脱笔意，如何用简练的笔墨，传达花鸟的神韵和生命力。 人物画部分，我们将回顾中国人物画的发展，从古代的神话传说、历史故事，到文人雅士的画像，再到宗教题材的绘画，展示人物画在不同历史时期的社会功能和艺术风格。我们将探讨如何通过人物的表情、姿态、服饰，来刻画人物的性格和命运，以及如何通过人物与环境的互动，来构建故事情节和烘托气氛。 此外，本书还将对写意画和工笔画这两种主要的表现手法进行比较分析。写意画追求笔墨的写意性和情感的抒发，强调“以形写神”；工笔画则注重细节的刻画和色彩的渲染，追求“形神兼备”。我们将通过具体的例子，说明这两种手法各自的艺术魅力和表现力。 四、 传承与创新：古老艺术的时代回响 任何一种古老的艺术形式，在时代的发展中都面临着传承与创新的课题。中国书画艺术历经数千年的发展，如何在继承优秀传统的基础上，与时俱进，焕发新的生机，是本书希望引发读者思考的重要方面。 本书将探讨历代艺术家是如何在继承前人经验的同时，不断突破，形成自己的独特风格。我们会提及一些在传承中创新，或是大胆革新的艺术家，分析他们的创新之处，以及这些创新所带来的影响。 同时，本书也将关注当代中国书画艺术的发展趋势。在现代社会，西方艺术思潮的影响，以及新媒介、新技术的出现，都对中国书画艺术的创作提出了新的挑战。我们将尝试探讨，如何在保持中国书画艺术独特魅力的前提下，融入当代元素，拓展表现空间，让这门古老的艺术在当代社会焕发出新的光彩。 结语： 《笔墨丹青：中国书画艺术漫谈》希望能为读者提供一个理解中国书画艺术的窗口，让大家在欣赏优美的画面之余，更能深入体会其中蕴含的哲学思想、文化底蕴和人文精神。这是一场关于线条、墨色、意境的视觉与心灵的对话，一场跨越时空的文化之旅。希望本书能激发读者对中国书画艺术更浓厚的兴趣，引导大家走进一个充满诗情画意的艺术世界。

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这本新近出版的画册，简直是视觉的饕餮盛宴，装帧设计考究得令人爱不释手。我尤其欣赏它在纸张选择上的独到眼光，那种微哑的光泽和扎实的厚度，完美地承托了那些浓墨重彩的画面，即便是扫描件，也能感受到原作的笔触力量。书中的排版布局也极为大气，大量留白的处理，使得每一幅作品都拥有了呼吸的空间，不再是拥挤地塞在一起。翻阅时，我仿佛置身于一个精心策划的私人画廊，策展人（编者）对作品的取舍和呈现顺序有着清晰的脉络，从早期的青绿山水到后期的金石入画，过渡自然流畅，让人能清晰地追踪到艺术家的心路历程。装订上，它采用了精装的裸脊设计，平摊性极佳，即便是对着书脊用力压，也不会有折痕的担忧，这对于细细品味那些需要大幅铺陈的巨制来说，实在是一种福音。唯一让我略感遗憾的是，某些细节图的局部放大处理，虽然意图是好的，但在色彩还原度上，似乎与我在线上看到的高清数字档案存在一丝细微的偏差，但这瑕不掩瑜，整体而言，这本画册在物理层面上，已然达到了收藏级的标准，是案头必备的艺术珍品。

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我向来对那些只罗列作品、缺乏深层解读的图册持保留态度，但这本书的文字部分却给了我极大的惊喜。它并非那种空洞的赞美辞藻堆砌，而是真正深入到了技法与哲思的交汇点。作者对“抱石皴”的解析，简直像是一堂微观的解剖课，不仅描述了如何用笔、如何调墨，更探讨了这种独特皴法背后所承载的文人情怀与时代背景下的创新精神。书中收录了几篇关于其写生经历的文献片段，那些零散的笔记、信札，被巧妙地穿插在作品鉴赏之间，让冰冷的画作瞬间有了温度和故事。尤其是对傅先生晚期水墨趣味的探讨，不再回避其风格上的“晚期变化”，而是将其视为一种主动的、对自我桎梏的突破，这种客观且富有洞察力的评论，极大地提升了全书的学术价值。读完后，我对如何“看画”有了更深一层的认识，不再满足于表面的“像不像”，而是开始探寻笔墨运行背后的逻辑和精神指向，这种收获是任何泛泛之谈都无法比拟的。

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作为一个长期关注现当代中国绘画史的研究者，我必须承认，这本画册在学术脉络的梳理上，展现出一种罕见的宏观视野。它没有将这位艺术大师孤立地看待，而是将其艺术成就放置于整个“二十世纪中国美术的现代性转向”的大背景下来审视。书中对傅先生与同时期如徐悲鸿、张大千等人的比较性分析，虽然篇幅不长，但切入点非常犀利，直指不同路径下对传统如何“出新”的根本性差异。特别是在探讨他如何吸收西方立体主义的结构概念融入传统山水的尝试时，作者引入了详细的对比图例，清晰地展示了从模仿到融合，再到最终形成自我面貌的递进过程。这种将个案放入群像中考察的方法，极大地丰富了我们理解艺术史的维度，避免了对艺术家的神化或扁平化解读。读完后，我感觉对近百年来的中国画坛的格局有了更立体、更具层次感的认知，这本书为相关研究提供了坚实的视觉和文献支撑。

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购买这本书，很大程度上是冲着它附带的那些稀有资料去的，而它完全没有辜负我的期待。我惊喜地发现，其中收录了几张出版物中从未曝光过的早年留法时期的素描练习稿，虽然是黑白的，但那严谨的造型能力和对光影的精准捕捉，着实令人震撼，这完全颠覆了人们对他“唯写意不入画”的刻板印象。更有价值的是，编者竟然寻得了几张傅先生晚年在香港家中工作时的访客手记残页，记录了他与同时代友人的日常交流，那些关于笔墨对时局的隐晦表达，为我们理解那个特定历史时期艺术家的复杂心境，提供了第一手的侧写。这些边角料式的资料，被组织得井井有条，不像是一些盗版图册那样随意拼凑，而是带有明确的考据痕迹，可以看出背后付出了巨大的心力去搜集、核实和整理。这使得本书的价值远超一般的艺术品鉴赏，更像是一部微型的、以视觉艺术为核心的“时代侧影”。

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这本书的装帧设计风格，透露出一种低调而坚实的古典美学，它没有采用时下流行的极简主义或浮夸的炫技手法。封面材质的选择，那种略带粗砺感的布面纹理，与书名烫金的字体形成了微妙的对比，既有传统书卷气，又不失现代印刷的精致感。内文的字体选用也颇为讲究，宋体与黑体的交替使用，清晰地划分了正文论述和引文注释，阅读起来毫无滞涩感，即便是长时间沉浸其中，眼睛也不会感到疲劳。我特别留意了跨页的展示方式，许多尺幅巨大的作品被极为巧妙地拆分或在特定页码进行对折跨页处理，最大程度地保留了作品的完整性，而不是为了适应A4开本而进行粗暴的裁剪。这种对阅读体验的细致考量，让每一次翻阅都变成一种享受，而不是任务。我甚至会特意将它放在书架的显眼位置，仅仅是欣赏它的外观，就已经能感受到一种沉静的力量。

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引起了我对古代绘画理论的兴趣

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