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出版者:上海人美

作者:徐建融

出品人:

页数:214

译者:

出版时间:2009-11

价格:68.00元

装帧:

isbn号码:9787532265145

丛书系列:

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穿越时空的艺术之旅：世界绘画史纲 一本带你领略人类审美演进的百科全书式著作 图书简介 《世界绘画史纲》并非简单地罗列名家名作的图录，而是一部深度挖掘人类视觉文化与精神世界交织的宏大叙事。本书以时间为轴线，以地域文化为经纬，系统而细致地梳理了自史前洞穴壁画至当代数字艺术的整个西方及主要东方绘画艺术的发展脉络。它致力于揭示绘画作为一种独特的认知方式和情感表达手段，如何在不同历史阶段、不同社会结构中，承载、塑造并反思人类的信仰、权力、科学与哲学观念。 第一部分：蒙昧与神性的初啼——古代绘画的起源与奠基（约公元前30000年至公元4世纪） 本部分将考察绘画艺术的最初形态。从法国拉斯科洞穴和西班牙阿尔塔米拉洞穴中那些充满生命力的动物形象，探讨原始人类如何通过图像来理解并试图掌控自然界。继而，我们将目光投向尼罗河畔的古埃及，分析其壁画中高度程式化、严格遵循“正面律”的符号系统，如何服务于法老的永恒统治与来世信仰。 随后，本书将深入古希腊与古罗马的艺术世界。尽管现存的绘画实物稀少，但通过庞贝古城的壁画遗存、马赛克艺术以及文学记载，我们将重构古典主义绘画对理想人体美、透视法则的早期探索，及其在神话叙事中的核心地位。重点分析“黄金比例”在早期美学构建中的作用。 第二部分：信仰的图景与精神的疆域——中世纪的艺术（约公元5世纪至14世纪） 中世纪的绘画艺术完全被宗教精神所主导。本书将详尽解析拜占庭艺术的辉煌——那些镶嵌着金色马赛克的圣像画，如何以其平面化、象征性的风格，构建了一个脱离世俗、直指永恒的“天国”图景。探讨其对光线、色彩的象征性运用，以及这种风格如何渗透到东正教文化圈。 在西欧，哥特式艺术的兴起标志着对自然观察的回归与人性的初步显现。从手抄本插图的精细入微，到教堂彩色玻璃窗的宏伟叙事，本书将分析绘画如何从服务于教义的工具，逐渐承担起教育文盲信众、激发虔诚的社会功能。 第三部分：人性的觉醒与科学的萌芽——文艺复兴的辉煌（约15世纪至16世纪） 文艺复兴是绘画史上最关键的转折点之一。本书将分为早期、盛期和晚期三个阶段进行剖析。重点聚焦于佛罗伦萨和威尼斯两大学派的差异。我们将详细探讨透视法（线性透视与空气透视）的发明与应用，解剖学研究如何彻底解放了人体描绘，以及人文主义思想如何将目光从神坛拉回人本身。 列奥纳多·达·芬奇的“晕染法”与心理刻画、米开朗基罗的雕塑式绘画、拉斐尔的和谐之美，以及威尼斯画派对色彩和光线的大胆运用（提香、乔尔乔内），都被置于当时的政治、哲学背景下进行深入解读。这一部分将详尽分析“完美”的追求如何驱动了科学与艺术的结合。 第四部分：戏剧性与感官的盛宴——巴洛克与洛可可的时代（约17世纪至18世纪中叶） 面对宗教改革带来的挑战，天主教会借由巴洛克艺术来重申其权威与感召力。卡拉瓦乔的“明暗对比法”（Tenebrism）如何以戏剧性的光影营造强烈的精神冲击？贝尼尼（虽以雕塑闻名，但其美学思想贯穿绘画）所代表的动感与激情。荷兰黄金时代的绘画则提供了截然不同的视角——市民阶层的崛起催生了风俗画、静物画和肖像画的繁荣，伦勃朗的内省光芒和维米尔对日常光线的捕捉，是商业社会对艺术需求多样化的绝佳例证。 洛可可是对巴洛克的反动，它以轻盈、柔美、享乐主义的姿态，服务于法国贵族的沙龙文化。本书将分析其装饰性、感性化的特点，以及这种风格对社会风气的影响。 第五部分：理性的回归与情感的爆发——新古典主义与浪漫主义的对峙（18世纪末至19世纪中叶） 法国大革命的洗礼，使得绘画艺术再次成为意识形态的战场。新古典主义（如大卫）力图恢复古罗马的道德和秩序，以清晰的线条和宏大的历史场景来宣扬共和或帝国精神。 作为对过度理性的反叛，浪漫主义兴起。它颂扬个体情感、想象力、异域风情和崇高（The Sublime）。从戈雅对战争残酷的揭露，到德拉克洛瓦对色彩的激情释放，再到透纳对自然力量的迷恋，本书探讨了“感受”如何被提升至与“理性”同等重要的地位。 第六部分：直面现代：从写实到革命的序曲（19世纪下半叶） 照相术的发明对绘画的“再现”功能构成了巨大挑战。库尔贝的现实主义，拒绝任何理想化，坚持描绘当代生活和普通劳动者。印象派（莫奈、雷诺阿）则彻底颠覆了传统绘画对形体的固守，将焦点转向瞬间光影和色彩对眼睛的刺激。 后印象主义（塞尚、梵高、高更）则继承了对色彩的解放，但开始强调结构、情感表达和象征意义，为20世纪的现代艺术革命埋下了关键的种子。塞尚对形体的分解与重构，被誉为“通往立体主义的桥梁”。 第七部分：打破藩篱的世纪——20世纪的艺术实验与多元探索 20世纪是绘画艺术形式最为剧烈变革的时期。本书将系统梳理从野兽派、立体主义（毕加索、布拉克）对时空维度的解构，到表现主义对内在焦虑的呐喊。两次世界大战催生了达达主义的荒诞反叛与超现实主义对潜意识的探索（达利、马格利特）。 抽象艺术的诞生（康定斯基、蒙德里安）标志着绘画彻底脱离了对客观世界的模仿，转向纯粹的线条、形状和色彩的自主表达。二战后，美国艺术的崛起，重点分析了抽象表现主义（波洛克）对绘画行为本身的关注，以及波普艺术（安迪·沃霍尔）对大众文化和消费主义的挪用与批判。 结论：绘画的未来与边界的消融 本书最后将探讨后现代主义的思潮如何继续质疑“艺术的原创性”与“大师的权威”，以及数字媒体和装置艺术如何不断拓宽“绘画”这一媒介的物理和概念边界。 本书特色： 1. 跨学科视角： 紧密结合历史学、哲学、社会学和光学理论，深入解析艺术背后的驱动力。 2. 图注详尽： 精选代表性作品，提供独家视角的高清细节分析，而非简单的图像罗列。 3. 深度语境化： 每一阶段的艺术风格变化，都置于当时的社会、政治、科技环境进行考察，避免将艺术史孤立化。 4. 辨析清晰： 对风格演变中的关键人物和流派的异同点进行精确比较和阐释。

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这部作品读起来，简直像是一场穿越时空的艺术之旅，作者的笔触细腻得令人难以置信。我尤其欣赏他对不同历史时期艺术风格演变的梳理，那种脉络清晰、层层递进的叙述方式，让原本可能枯燥的理论知识变得生动有趣起来。比如，在探讨宋代院体画的精致与禅意的结合时，他不仅仅停留在技法层面的描述，更是深入挖掘了当时士大夫阶层对“格物致知”的追求是如何渗透到绘画创作中的。书中对一些经典作品的解析，角度新颖，常常能带给我耳目一新的感受，就好像蒙着一层纱的画作，突然被轻轻拂去，露出了其本真面貌。我记得有一处描述唐代吴道子的用笔，那种“吴带当风”的气韵，被文字描摹得仿佛我亲眼所见，笔触的提按顿挫、墨色的浓淡干湿，都跃然纸上。对于初学者而言，它提供了坚实的理论基础；而对于资深爱好者来说，它又像是一位博学的老友，总能在不经意间抛出一些值得深思的观点，引导我们进行更深层次的思考和探究。这本书的装帧和插图选择也相当考究，每一幅配图都恰到好处地服务于文字的阐释，真正做到了图文并茂的完美结合，让人爱不释手。

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说实话，我一开始对这类“读本”是抱有一丝怀疑态度的，总觉得它们要么过于简化，要么就是堆砌辞藻。然而，这本作品却成功地颠覆了我的预期。它的叙事风格非常个人化，仿佛是一位经验丰富的策展人，牵着我的手，在不同的艺术殿堂中缓缓踱步。这位“导览者”的讲解充满了人文关怀和对匠人的尊重。我特别喜欢它对“民间艺术”的关注，很多主流艺术史常常忽略的地方，比如地域性的雕刻、刺绣工艺，在这本书里得到了应有的重视和细致的描绘。作者在描述一件地方戏曲脸谱的绘制过程时，那种对民间艺人专注和传承的敬意，让我深感震撼，体会到艺术的伟大并不只存在于宫廷庙堂，更根植于广袤的民间生活之中。文字的运用极其灵活，时而如诗歌般婉转，时而如评论般犀利，这种张弛有度的笔调，极大地提高了阅读的愉悦度。它不仅仅是知识的传递，更像是一种情感的共鸣，让我重新审视了“美”的多元定义。

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这本书的排版和设计简直可以称得上是一件艺术品本身了。我是一个极度注重阅读体验的人，很多学术著作虽然内容扎实，但读起来却像是在啃干涩的石头。但这部作品完全不同，它的字体选择、行距处理，乃至页边距的留白，都经过了精心的考量，让人阅读起来丝毫没有压迫感，反而有一种沉静下来的力量。内容上，它独辟蹊径地引入了“中西艺术观念的碰撞与融合”这一宏大主题，并且没有采取简单的对比模式，而是深入剖析了两者在美学目标上的根本差异——前者追求“意境”与“气韵”，后者强调“再现”与“解剖学准确性”。作者巧妙地找到了那些在历史长河中，中西方艺术思想交叉、相互影响的关键节点进行论述，这对于理解全球化背景下的当代艺术发展脉络，提供了极具洞察力的视角。读完后，我感觉自己的艺术视野被极大地拓宽了，不再局限于单一的文化圈层进行评价和欣赏，而是能以一种更加包容和辩证的态度去看待各种艺术形式。

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我最近读完的这本艺术理论专著，给我的感觉是结构宏大，视野开阔，它跳脱了传统艺术史的窠臼，更像是一部关于“东方审美哲学”的深度探索。作者的文字带着一种沉稳而有力的节奏感，不像某些读物那样浮于表面地赞美色彩和线条，而是着力于探寻艺术形式背后的精神内核与文化基因。特别是在论述中国山水画的“留白”哲学时，那种对“虚实相生”的阐释，直接触及了道家思想中“有无相生”的精髓，读完后，我对那些看似空无一物的画面，有了一种近乎宗教般的敬畏感。书中还穿插了不少鲜为人知的文人轶事和创作背景，使得冰冷的艺术品突然拥有了鲜活的生命力，让人忍不住想去查阅更多的原始资料来印证作者的观点。这种求真务实的态度，让整本书的学术价值得到了极大的提升。而且，这本书的语言风格非常具有思辨性，它不是在告知你“是什么”，而是在引导你思考“为什么会是这样”，这种启发式的阅读体验，远比单纯的知识灌输要来得有价值得多。

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这本艺术著作给我的最大感受是其严谨的考据与跳跃性的思维并存的独特魅力。很多细节的描述，看得出作者是下了苦功夫去查阅一手史料的，比如某位元代画家在隐居期间的诗文记录与画作风格的关联性，都被梳理得井井有条，极具说服力。但与这种扎实的学术功底形成对比的是，它在章节之间的过渡常常出人意料，这种“离经叛道”的结构安排，反而激发了读者主动去建立知识间的联系。它成功地将艺术史、哲学史和社会史熔铸一炉，使得每一件艺术作品都镶嵌在特定的历史土壤中进行解读，而不是孤立地存在。尤其是在讨论近现代艺术转型期时，作者对西方思潮涌入对本土艺术冲击的分析，既不盲从西方中心论，也不陷入故步自封的泥潭，而是保持了一种清醒而批判性的立场。总的来说，这是一部需要沉下心来细读，并且值得反复品味的深度阅读材料，它不仅丰富了我的艺术知识储备，更重要的是，重塑了我观察和理解世界的方式。

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关于中国美术的入门读物。虽然高居瀚近来很火，但是若想从头学起，还是先读读徐建融。

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有的部分很好，图解很清晰

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一般

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有的部分很好，图解很清晰