Bicultural developments in museums of Aotearoa pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Museum of New Zealand, Te Papa Tongarewa, National Services in partnership with Museums Association

作者:Gerard O'Regan

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780909010416

丛书系列:

图书标签:

• Museum studies
• Biculturalism
• Aotearoa
• New Zealand
• Cultural heritage
• Museum practice
• Indigenous knowledge
• Decolonization
• Cultural representation
• Pacific studies

光影之间：西方艺术史的重塑与当代语境 一部深入探讨十九世纪末至二十一世纪初西方艺术史演变、理论重构及其社会文化影响的里程碑式著作。 本书聚焦于一个关键的历史断裂期——从传统学院派美学的黄昏，到后结构主义思潮的涌动，直至数字媒介彻底颠覆艺术实践的当代前沿。它并非对既有艺术史的简单罗列，而是一次对“艺术史”这一概念本身进行解构与再构建的雄心勃勃的智力探险。 第一部分：现代性的坍塌与先锋的崛起 (1880s–1945) 本部分首先追溯了十九世纪末期，在工业革命的巨大社会震荡和科学理性主义（如弗洛伊德的精神分析、尼采的权力意志）的双重冲击下，传统艺术赖以存在的形而上学基础如何开始崩塌。 第一章：风景的终结与主体的内爆 本章细致剖析了印象派向后印象派的过渡中，色彩和笔触如何从对客观现实的模仿转向对内在情感和结构本质的探索。重点分析了塞尚对立体主义的奠基性贡献，指出其对“多重视角”的追求，实质上是对笛卡尔式统一主体性的第一次系统性质疑。我们深入考察了梵高、高更如何通过主观化和符号化的色彩，为表现主义的爆发埋下伏笔。 第二章：形式的解放与政治的阴影 这一部分转向对野兽派和早期立体派的严格形式分析，但其核心论点在于，这些形式上的激进变化并非孤立的“纯艺术”实验。我们审视了马蒂斯对异域和原始艺术的挪用，探讨了这种“他者化”如何与欧洲的殖民扩张保持同步，揭示了形式解放的背后隐藏的权力结构。随后，本书转至俄国和德国的早期表现主义。马列维奇的至上主义被置于俄国革命的宏大叙事中，探讨了抽象艺术在构建乌托邦愿景中的功能与失败。同时，对德国表现主义，尤其是柏林“新客观性”流派，进行深入分析，展示了艺术如何直接介入一战后的魏玛共和国的社会政治批判，描绘了现代城市异化与战争创伤。 第三章：超现实的潜流与媒介的拓扑 本章关注两次世界大战之间的文化焦虑。超现实主义被视为对理性主义失败的终极回应。我们不仅梳理了达利、马格里特的经典意象，更重要的是，分析了布勒东的“客观的偶然性”理论，将其视为对传统叙事结构的一次颠覆。此外，本章首次将电影和摄影提升到与绘画同等重要的地位。我们将巴赞对蒙太ஜ்的理论与本雅明的“机械复制时代的美术作品”进行对话，探讨媒介的物质性如何重塑观众的感知经验。 第二部分：战后秩序的重构与理论的转向 (1945–1980) 二战的结束不仅重塑了地缘政治，也迫使艺术界重新定位其社会责任和形而上学的假设。美国艺术的崛起标志着欧洲中心主义的动摇。 第四章：抽象表现主义的“在场”与公共性危机 抽象表现主义被描绘为一场对欧洲古典悲剧的继承与超越。本书将波洛克的“行动绘画”置于存在主义哲学（如萨特的“存在先于本质”）的框架下考察，强调了创作过程本身取代了最终物体的本体论地位。然而，本书的批判性视角也指出，随着纽曼和罗斯科作品在博物馆体系中的确立，这种最初反建制的姿态如何迅速被资本和策展逻辑所吸收，成为新的“经典”。 第五章：对艺术物的反叛：极简主义与观念艺术 面对抽象表现主义的抒情性与主观性，极简主义艺术家们采取了“去感知化”的策略。本章详细分析了唐纳德·贾德对“特定物”的界定，以及索尔·勒维特的系统化方法，认为这是对艺术品“光环”的最后一次、也是最彻底的驱逐。观念艺术（Conceptual Art）则将这一趋势推向极端：思想本身成为艺术。本书特别强调了概念艺术对语言学转向的采纳，探讨了它如何为后来的解构主义奠定基础，以及它在挑战艺术品作为稀缺商品属性方面的努力。 第六章：结构主义的阴影与符号学的入侵 本部分着重于理论在艺术批评中的支配地位的确立。从罗兰·巴特的“作者之死”到福柯对知识权力体系的批判，这些理论工具被艺术家和评论家们用来解构既有的图像学和符号系统。我们分析了波普艺术，如安迪·沃霍尔，如何利用商业符号的重复与去语境化，揭示了大众文化中意义的流动性与空洞性。这不是简单的挪用，而是对符号学结构的一次实践性检验。 第三部分：后现代的弥散与数字时代的边界 (1980–现今) 本部分探讨了全球化、身份政治以及信息技术的爆炸式发展如何进一步模糊了艺术的定义和传播路径。 第七章：身份政治与主体性的碎片化 八十年代，随着女权主义、后殖民理论的深入，艺术的“普遍性”叙事遭到强力修正。本章探讨了辛迪·舍曼等艺术家如何通过自我扮演与挪用，暴露了性别身份建构中的表演性。更重要的是，我们深入研究了那些挑战西方中心叙事的艺术实践，这些实践不再仅仅是“边缘化”的，而是开始主动重写艺术史的中心场域，挑战了现代艺术“普世价值”的神话。 第八章：景观社会与模拟物的统治 本书的后半部分转向了鲍德里亚的“拟像理论”在当代艺术中的回响。从网络艺术的早期探索到盛行的装置艺术和体验式项目，我们考察了艺术如何从模仿现实转变为制造一种比现实更具说服力的“超真实”。本章特别关注了艺术生态系统如何适应全球资本的流动性，分析了双年展现象如何成为一种新的艺术生产与消费模式，以及这种模式对艺术实践自主性的侵蚀。 第九章：技术的拓扑与未完成的未来 最后，本章聚焦于数字技术对艺术本体论的最终冲击。从虚拟现实（VR）对空间感的重构，到基于算法和人工智能的生成艺术，本书探讨了艺术实践如何从对物质的关注转向对代码、数据流和连接性的关注。这并非对技术的盲目歌颂，而是严肃地审视了当“创作者”的角色被算法部分取代时，人类审美判断和原创性观念面临的伦理与哲学挑战。本书在对当前艺术前沿的审视中结束，留下一个开放性的问题：在一个万物皆可被模拟和复制的时代，艺术的“不可替代性”究竟栖居何处？ 结论：永恒的重读 全书总结道，十九世纪末以来的西方艺术史，本质上是一部关于“失去与寻找”的历史——失去形而上学的确定性，寻找新的意义结构。每一次形式上的突破，都伴随着一次理论上的修正，而每一次修正，都暴露了艺术机构在维护其权力结构上的不懈努力。本书旨在为读者提供一个批判性的工具箱，用以解构我们所继承的视觉遗产，并在一个日益破碎和符号化的世界中，重新定位艺术的当代价值。

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