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出版者:Birkhäuser Basel

作者:Chipperfield, David; Weaver, Thomas;

出品人:

页数:343

译者:

出版时间:2003-4-14

价格:USD 85.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9783764369538

丛书系列:

图书标签:

• 建筑
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《David Chipperfield：空间、形式与材料的对话》 本书并非对建筑师大卫·奇普菲尔德作品的简单罗列或风格分析，而是一次深入的探索，旨在揭示隐藏在其每一个项目背后的深层思考，以及他对建筑本质的持续追问。我们不在此详述具体的建筑实例，因为真正的理解并非源于对外观的描述，而是来自于对建造逻辑、空间体验和材料运用的细致解读。 奇普菲尔德的建筑，与其说是对某种特定风格的追求，不如说是对建筑基本元素的纯粹化提炼。他擅长从纷繁复杂的现代生活需求中剥离出最核心的要素，并以一种近乎冥想般的审慎态度，将它们转化为具有恒久价值的空间。他的作品中，建筑本身成为一种媒介，连接着历史的厚重与当下的活力，连接着自然的秩序与人工的创造。 书中，我们将一同审视奇普菲尔德对于“建造”的深刻理解。这不仅仅是技术层面的组装，更是一种对材料特性的尊重，对传统工艺的借鉴，以及对可持续性的前瞻性考量。每一块石材、每一寸木料、每一片金属，都在他的手中被赋予新的生命，它们不仅仅是构建材料，更是承载着故事和意义的元素。他对待材料的态度，如同对待一种古老的语言，通过精细的切割、巧妙的拼接和恰当的表面处理，挖掘出它们最本真的美学潜能。这种对材料纯粹性的追求，使得他的建筑即便在数十年后，依然散发出一种沉静而有力的生命力。 同时，我们也将聚焦于他对“空间”的精妙构筑。奇普菲尔德并不刻意追求戏剧化的空间形态，而是倾向于创造一种宁静、有序且充满秩序感的氛围。他的空间设计，往往从人的尺度出发，关注流线、光影和比例，力求在功能性的基础上，营造出一种令人心安的体验。光线在其中扮演着至关重要的角色，它被巧妙地引入，经过过滤、折射，成为塑造空间情绪的重要工具。无论是高耸的公共空间，还是私密的居所，光线都以一种微妙而富有感染力的方式，引导着人们的感知，并赋予空间以生命。 “形式”在奇普菲尔德的语境中，并非独立存在的雕塑，而是由功能、材料和空间需求共同决定的结果。他反对形式主义的空洞，也警惕过度装饰的冗余。他的形式语言，简洁、清晰，却蕴含着深刻的秩序感。这种秩序感体现在建筑的整体布局、立面处理，乃至每一个细节的推敲上。他善于运用几何学的原理，将复杂的体量进行逻辑性的分解和重组，创造出既和谐又具有辨识度的建筑形象。他的形式，往往是对场所精神的呼应，是对周边环境的尊重，更是对建筑自身理性思考的体现。 本书的叙述，将避免浮光掠影式的评论，而是力求深入到设计的肌理之中。我们将探讨他如何通过对“零度设计”的实践，去除不必要的元素，直击建筑的核心。这种“减法”哲学，并非简单的省略，而是一种对真正价值的筛选和凸显。通过剥离表面的浮华，他得以展现出建筑最纯粹的力量。 此外，我们也将审视奇普菲尔德在不同尺度和类型项目中的持续探索。无论是宏伟的文化机构，还是精巧的住宅，他始终坚持着自己一贯的原则，并在实践中不断深化和完善。他的作品，跨越了地域和文化的界限，却始终保持着一种独特的个人印记，一种对建筑严肃性和普适性的信念。 这本书，是对大卫·奇普菲尔德建筑理念的一次深度对话。它邀请读者超越对具体建筑的直观印象，去感受其背后所蕴含的智慧、对细节的尊重，以及对建筑作为一种对人类生活和社会文化重要贡献的深刻理解。它关乎如何通过对空间、形式和材料的精准运用，创造出能够长久地触动人心、并为人们提供高质量生活的场所。

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如果你期待的是一本充满炫目色彩和夸张排版的“咖啡桌读物”，那你可能会大失所望。这本书的内在气质是沉稳、内敛且极度自律的。它更像是建筑师本人在进行的一场内心对话，但这种对话却以一种极具普世性的语言组织起来。我发现，作者在文本中反复出现的词汇，比如“清晰”、“必要性”、“克制”，这些词汇的重复并非冗余，而是一种强调，一种对设计的终极追求——去除一切不必要的装饰，直到只剩下最纯粹的结构和功能。当我翻到关于某个公共图书馆的案例时，那种对自然采光的精妙控制，简直是教科书级别的示范。光线不再是附加的元素，而是构建空间的核心力量，它随着一天的时间流逝，为阅读和思考提供了动态的背景。这需要极高的技术功底和极强的哲学定力才能做到。它不是在“建造”建筑，而是在“塑造”体验。对于任何一个在设计领域摸爬滚打的人来说，这本书提供的是一种锚点，一个回归本源的参照系。

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这本书的叙事节奏，说实话，有点像是在听一场精心编排的交响乐，高潮和低谷的转换显得那么自然而然，却又暗藏着惊人的力量。我之所以这么说，是因为它在处理不同尺度的项目时，展现出的那种一致性，简直令人叹服。从小尺度的家具设计到宏大的城市规划，那种对场所精神的执着探索，从未偏离轨道。我尤其对其中关于“在地性”的讨论印象深刻，这绝不是那种空洞的口号式阐述，而是通过对当地传统工艺、气候条件以及历史文脉的深入挖掘，最终转化成一种极简而又无比贴切的当代表达。这种设计过程的透明性，让我这个门外汉都能窥见一丝大师的心路历程——那种如何在尊重过去与拥抱未来的十字路口上做出艰难抉择的过程。阅读时，我经常需要停下来，合上书，闭上眼睛，想象着那些文字描述的场景，试图捕捉那种未被言说的情绪和氛围。这种沉浸式的阅读体验，是我近年来阅读建筑书籍中少有的。它迫使你反思自己对“好设计”的定义，是否过于依赖表面的华丽和新奇，而忽略了本质的宁静与永恒。

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这本书的结构安排，初看之下似乎有些松散，似乎是将不同时期的作品和思考碎片拼凑在一起，但深入阅读后，你会发现其中隐藏着一条清晰的脉络，那是对“时间”与“物质”关系的不断追问。作者似乎始终在与材料的衰变和建筑的生命周期进行对话。他似乎并不惧怕材料的氧化和风化，反而将其视为建筑生命的一部分，是岁月在实体上留下的印记。这种对持久性的思考，超越了短期内的审美趣味。在解读某个住宅项目时，那种对隐私与开放性的微妙平衡处理，尤其体现了对居住者内在需求的深刻洞察。这不是那种迎合市场热点的设计，而是扎根于场所和使用者的本质需求之上。整本书读下来，给我的感觉是，作者像一位技艺精湛的雕塑家，他不是在添加，而是在不断地去除多余的部分，直到露出材料原本应有的面貌。这种“减法美学”，在充斥着过度设计和视觉轰炸的当代环境中，显得尤为珍贵和振聋发聩。

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这本书带来的震撼感，并非来自视觉上的冲击，而是源自一种智力上的激发，它挑战了你既有的认知框架。它迫使你重新审视“诚实性”在设计中的地位。这里的诚实，既包括对材料本性的诚实表达——不掩盖混凝土的浇筑痕迹，不伪装钢材的接缝——也包括对设计意图的诚实呈现。没有花哨的噱头，没有故弄玄虚的姿态，一切都服务于一个清晰、严谨的目的。我欣赏作者在处理复杂功能需求时所展现出的那种近乎数学般的美感，简洁而无可辩驳。尤其是在阅读到关于材料选择的段落时，我能感受到那种对可持续性和长久维护性的深思熟虑，这已经上升到了一种伦理的高度。这本书与其说是一本设计作品集，不如说是一份对建筑师职业精神的宣言。它告诉你，真正的伟大不在于一时的轰动，而在于经得起时间考验的、不动声色的力量。读完后，我的笔记本上画满了各种几何图形和结构草图，那是这本书在我脑海中激起的创作涟漪。

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这本书，天哪，读完之后感觉像是刚从一场漫长而精密的迷宫中走出来，却发现出口通向的不是一个具体的地点，而是一种全新的感知方式。我必须承认，一开始我有些不知所措，那些图纸和模型照片，它们以一种近乎冷酷的精确度呈现在眼前，让人不禁想探究其背后的逻辑。这不是一本手把手教你如何盖房子的指南，更像是一部建筑哲学的沉思录。作者似乎并不急于给出答案，而是通过一系列看似不相关的项目案例，慢慢地编织着他对空间、光线和材料之间微妙关系的理解。我特别欣赏他对于“空白”的运用，那种克制到极致的设计手法，反而让每一个实体元素都获得了极大的存在感。比如他处理的某个博物馆项目，那灰色的混凝土墙面，粗粝却又在光线下折射出细腻的肌理变化，简直让人屏息。你得放慢速度去读，去“看”这些文字和图像，否则很容易错过那些深藏在结构细节中的诗意。这书需要时间去消化，它不像快餐文化里的作品，读完就忘了，它会像一枚印章一样，在你对建筑的理解上留下持久的痕迹。

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