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出版者:吉林文史

作者:米芾

出品人:

页数:36

译者:

出版时间:2009-9

价格:14.00元

装帧:

isbn号码:9787547200513

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翰墨丹青：中国古代书画艺术鉴赏 本书籍以全面、深入的视角，系统梳理了中国古代书画艺术的发展脉络、核心风格、重要流派及其代表人物的艺术成就。旨在为广大书画爱好者、艺术史研究者以及收藏家提供一本集知识性、鉴赏性与实践指导性于一体的权威参考读物。 --- 第一章：文明的符号——中国书法的源流与演变 本章深入探讨了汉字从甲骨文、金文到篆书、隶书的形体演变过程，重点分析了秦汉以来书体变革背后的社会文化动因。 一、早期文字与书体定型： 甲骨文与金文的贞卜与礼器关联： 分析其符号的神秘性与线条的古拙稚拙之美，及其在祭祀活动中的重要地位。 篆书的规范化： 详述小篆的“书同文”意义，并对比分析大篆（如石鼓文）与小篆在结构上的差异与美学追求。 隶变的革命： 详细阐述隶书由“曲”变“直”、“圆”变“方”的结构性突破，并探讨其对后世楷书、行书的奠基作用。尤其会配以汉代碑刻的代表性拓片进行解析，如《曹全碑》、《乙瑛碑》中波磔（蚕头燕尾）的精妙运用。 二、从实用到审美：楷书、行书、草书的成熟： 楷书的“法度森严”： 楷书作为后世学习的范本，其点画的精确性和结体的匀称美是研究的重点。本章将重点剖析魏晋时期（如钟繇）至唐代（欧阳询、虞世南、褚遂良、颜真卿、柳公权）诸大家在“法度”上的不同侧重，如颜体的雄浑博大与柳体的骨力洞达。 行书的“中和之美”： 行书介于楷书与草书之间，体现了书写者的情感与理性的完美平衡。着重分析“书圣”王羲之《兰亭集序》的自然天成，以及唐代孙过庭《书谱》中对笔法理论的精辟阐述。 草书的抒情极致： 草书的演变历程，从章草的笔意连绵到今草的狂放不羁，再到狂草的恣肆汪洋。深入探讨张旭“颠张”与怀素“醉素”如何将笔墨推向了情感表达的极限，展现了中国文人精神的自由与洒脱。 --- 第二章：气韵生动——中国山水画的哲学意境 本章聚焦于中国山水画，探讨其如何从“物象的描摹”升华为“宇宙精神的寄托”，以及不同历史时期山水画的地域风格与审美取向。 一、图绘肇始与早期山水： 魏晋南北朝的雏形： 探讨顾恺之、宗炳对山水画“卧游”思想的提出，以及荆浩、关仝等五代北派山水对北方山势雄峻的捕捉。 全景式构图的典范： 以范宽的《溪山行旅图》为例，解析其“高远、深远、平远”相结合的全景式构图法，以及如何通过“雨点皴”表现山体的厚重感与生命的磅礴力。 二、意境的深化：南宋院体与文人画的兴起： 南宋院体的精微描摹： 分析李唐、刘松年、马远、夏圭等院体画家的画风，尤其是马远“一角半边”的构图对空间感的处理，体现了南宋时期对意境的内敛与诗意表达。 文人画的“逸笔写胸中丘壑”： 深入阐述苏轼提出的“论画以形似，见与鄙人”的理论，以及文人画强调“写意”而非“写形”的核心思想。 三、笔墨的革命：元明清的风格流变： 元四家（黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙）的笔墨探索： 重点剖析倪瓒“折笔”的清寂空灵，以及黄公望“披麻皴”的松润圆融，这些技法已成为后世文人画家学习的圭臬。 明代浙派与吴门的对比： 比较戴进的雄强之风与沈周、文徵明的秀润雅致，理解地域性对画风形成的影响。 清初“四僧”的叛逆与继承： 分析石涛的“一画论”和渐江的“黄山派”，探讨他们在传统基础上如何融入个人强烈的个性和对时代的反思。 --- 第三章：形神兼备——人物画与花鸟画的写实与写意 本章将目光投向人物画与花鸟画，解析它们在不同历史阶段所承载的社会功能与审美价值。 一、人物画的“传神”之道： 从顾恺之的“传神论”到六朝的典雅： 分析早期人物画对神态捕捉的重视，以及魏晋时期士人风度的体现。 唐代人物画的盛世气象： 以吴道子“吴带当风”的线条和周昉的雍容华贵为例，展示唐代人物画所展现的恢弘气度和世俗生活的美好。 宋代世俗化与写实化倾向： 重点分析张择端《清明上河图》对市井百态的生动记录，以及李公麟开创的水墨白描技法。 二、花鸟画的象征意义与笔墨技巧： 唐代的草创与五代的工整： 探讨边鸾的富丽堂皇与黄筌的“写生”传统，分析工笔重彩的审美趣味。 宋徽宗“瘦金体”与院体花鸟： 分析宋徽宗对自然观察的细致入微，以及其将绘画提升到哲学高度的努力。 文人花鸟的写意精神： 深入解析赵孟頫对元代花鸟画“尚意”的引领，以及后世陈淳、徐渭、八大山人如何通过花鸟寄托个人情怀，如墨竹的坚贞与梅花的傲骨。 --- 第四章：鉴藏之道——中国古代书画的辨识与流传 本书的最后一部分着重于实践层面，指导读者如何科学、系统地鉴赏和保护中国古代书画作品。 一、笔墨语言的解析： 线条的“骨法用笔”： 辨析不同时代、不同书家在“用笔”上的区别，如中锋、侧锋、藏锋、露锋在不同体裁中的应用。 墨色的层次变化： 分析墨分五色的理论，探讨焦、浓、重、淡、清如何服务于画面的空间感和肌理表现。 二、款识、印章与题跋的考证： 书风与时代印证： 如何通过作品的笔法特征与款识的笔法进行交叉验证。 印章的材质、篆刻风格与流传鉴定： 讲解历代藏印的形制、边款、腹款的变化，以及辨别伪印的关键要素。 题跋的重要性： 分析名人题跋对作品流传有序的佐证价值，以及题跋本身所体现的时代精神和审美倾向。 三、装裱形制与保护常识： 卷、轴、册页、屏风的形制差异： 介绍不同装裱形制对作品观看体验的影响。 保存环境与基础修复知识： 探讨湿度、光照对宣纸和绢本的损害机制，提供基础的防潮、防虫、避光处理建议。 --- 本书力求以严谨的学术态度，结合丰富的图例与深入的艺术分析，为读者构建一个立体、生动的中国古代书画世界。通过对笔墨的细致解读和对意境的哲学探寻，帮助读者真正领悟中华艺术的独特魅力与深厚底蕴。

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这本《唐代科举与士人阶层的流动性》让我对唐朝的社会结构有了全新的认识。以往总觉得唐朝是个开放的盛世，但这本书通过聚焦科举制度，揭示了这种“开放”背后的复杂操作和阶层间的暗流涌动。作者没有停留在科举本身有多公平，而是深入探讨了“行卷”制度、地方势力对考试的影响，以及新科进士如何努力融入已有的官僚圈子。书中对于“榜下即名”的描述非常生动，那种从乡村或寒门一跃而上、却又面临巨大社交壁垒的群体，他们的挣扎和抱团取暖，让人感同身受。我尤其欣赏作者对那些“落第”士人的关注，他们的后续发展和心态变化，构成了盛唐社会另一侧的真实写照。这本书的叙述充满了历史的厚重感，它告诉你，即便是看似最光明的上升通道，也布满了人情世故和潜规则，是研究唐代社会动力学的必备佳作，读完后会让人对那个时代的“成功学”产生更深刻的思考。

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翻开《明清之际的江南士人与公共领域》，我立刻被那种浓郁的地域文化气息所吸引。这本书的视角非常独特，它没有将目光局限在那些耳熟能详的文学巨匠身上，而是着重描绘了在那个社会动荡、商业繁荣的背景下，江南士大夫阶层是如何在家族、乡里乃至更广阔的“公共领域”中发挥作用的。作者对地方志、族谱乃至私人信件的运用，展现了极高的史料功底。我特别欣赏它对“义庄”、“书院”这些社会组织的研究，这些机构不仅是教育场所，更是士人构建自身身份认同和社会责任感的试验田。读着这些鲜活的案例，我仿佛能感受到那些士人们在维持家族体面与应对政治风云之间的那种微妙平衡。文字处理上，作者的笔调既有学术的严谨性，又不失叙事的流畅感，读起来一点都不枯燥，反而充满了历史的张力。它让我重新思考了“士人”这个概念，不再是刻板的“学问人”，而是一个复杂、多面、深植于特定地理环境的社会角色。

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《魏晋风度：一个时代的精神侧写》这本书，可以说是把我带入了一个充满“魏晋气象”的奇妙世界。如果说其他历史书都在讲帝王将相，这本书则专注于那些在乱世中寻找自我出路的“名士”们。它对“玄学”的阐述尤其到位，那种对个体生命价值的追问，对超越世俗的向往，以及由此衍生的“率性而为”的行为模式，被剖析得淋漓尽致。书中对竹林七贤的个案分析，比如嵇康的率真与嵇康的悲剧，阮籍的佯狂与阮籍的痛苦，写得入木三分。我反复品读了关于“服饰与仪态”如何成为身份标签的那一章，真是太有趣了，原来他们的每一次举手投足，都是对当时政治环境的一种无声抗议。这本书的文字风格非常典雅，带着一种古典的韵味，读起来让人心神宁静，仿佛自己也参与了那场关于生命意义的哲学辩论。它不只是一本历史读物，更像是一部关于人类精神自由的浪漫史诗。

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我最近读的这本《中国古典园林设计中的空间序列与意象营造》，简直是园林艺术爱好者的终极指南。我一直觉得中国园林的美在于“藏”和“露”的节奏感，这本书就从理论层面将这种感受系统化了。它详细拆解了移步换景、框景、对景这些核心设计手法，并结合了大量的经典案例，如苏州园林的曲径通幽、借山理水。最让我震撼的是它对“意象”的分析，比如如何通过一组叠石、一株松树，来营造出“幽”、“旷”、“古”等特定的情绪氛围。作者的图文结合做得极其出色，不仅有详细的平面图和分析图，连那些晦涩的术语都能通过清晰的图示变得一目了然。读完之后，我再去看任何一处古典园林，都会下意识地去寻找那些设计者的“小心思”，那种被引导和安排的观看体验，变得无比清晰和立体。对于想自己动手设计或深入理解园林美学的读者来说，这本书提供了绝佳的理论框架和实践指导。

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这本《宋代文人画论精选》简直是打开了我对那个时代艺术思想的一扇窗。我一直对宋徽宗时期那种文雅、内敛的审美情趣很感兴趣，这本书里的论述，比如对“士气”和“趣味”的强调，真的让我豁然开朗。它不仅仅是罗列前人的观点，而是深入挖掘了这些文人在创作过程中如何看待“学问”与“笔墨”的关系。读起来，你会发现很多观点在今天依然有很强的现实意义，比如关于艺术的“自我修养”和“格调”的探讨，放在如今这个浮躁的时代来看，更显珍贵。作者的编排也很有心思，从早期的“绘画乃小道”的辩论，到后来苏轼、米芾那一代人如何将绘画提升到与诗文并驾齐驱的地位，逻辑线索非常清晰。我尤其喜欢其中对“意境”的分析，那种“不着一笔，尽得风流”的境界，通过文字的描述，似乎都能在我眼前浮现。对于那些想深入理解宋画内在精神内核的爱好者来说，这本书的价值是无法估量的，它帮你超越了单纯的“看画”，进入到“懂画”的层次。

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