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出版者:

作者:黎成茂

出品人:

页数:459

译者:

出版时间:2009-7

价格:49.00元

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isbn号码:9787810939898

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影视后期制作技术与艺术解析 书籍定位： 本书旨在为影视制作领域的从业者、影视专业学生以及对后期制作充满热情的爱好者提供一套全面、深入且兼具前瞻性的技术与艺术指南。它不仅仅是一本软件操作手册，更是一部融合了技术规范、美学原则和行业实践的深度解析之作。 目标读者： 影视导演、剪辑师、调色师、特效合成师、动画设计师，以及所有致力于提升影视作品质量和叙事深度的专业人士。 核心内容架构： 本书将影视后期制作的复杂流程拆解为逻辑清晰、相互关联的多个模块，确保读者能系统地掌握从素材入库到最终交付的每一个关键环节。 --- 第一部分：后期制作流程的战略规划与素材管理 (The Pre-Post Phase) 本章强调“谋定而后动”，将后期视为与前期、中期的协同作业，而非孤立环节。 1.1 后期制作的哲学定位： 阐述后期制作在现代影视叙事中的核心价值——“二次创作”与“意图实现”。 探讨导演意图、摄影风格与剪辑节奏之间的内在联系。 1.2 数字化资产的构建与规范： 素材采集与归档标准： 详细介绍不同摄影机（RAW, Log, ProRes等）的特性、命名规范和元数据管理的重要性。 项目文件结构设计： 建立一套健壮、可扩展的项目文件夹结构（针对AVID, Premiere Pro, DaVinci Resolve等主流平台），确保团队协作的无缝对接。 代理工作流程（Proxy Workflow）： 深入分析创建、同步和重链接代理素材的最佳实践，以应对高分辨率素材带来的性能挑战。 1.3 同步与时间线管理： 音频与视频的精确对时技术（TC、录音源同步）。 时间线管理哲学：处理多版本、不同帧率、不同分辨率素材的策略。 --- 第二部分：非线性剪辑的艺术与节奏控制 (The Art of Editing) 剪辑是赋予素材生命力的核心环节。本部分着重于叙事节奏的构建、情感的把控以及技术层面的高效操作。 2.1 剪辑理论的基石： 古典蒙太奇理论的现代应用： 从爱森斯坦到戈达尔，解析经典剪辑理论在当代叙事中的变体与重塑。 视觉逻辑与情感逻辑： 如何通过剪切点、景别对比和镜头运动来引导观众的注意力和情绪反应。 2.2 节奏的量化与控制： 时长与密度分析： 学习如何通过测量镜头平均时长来量化和调整影片的整体“能量水平”。 过渡效果的精妙运用： 深入探讨切、叠化、溶入、划像等基础转场的心理学影响，避免滥用效果。 J-Cut与L-Cut的叙事张力： 掌握音频先行或滞后剪辑技巧，以创造更流畅、更具预示性的叙事结构。 2.3 高效能编辑技巧： 键盘快捷键与自定义工作流的优化，实现“思考即操作”的无缝剪辑体验。 处理复杂的多机位素材和同步画面的技巧。 --- 第三部分：高级色彩校正与分级 (Advanced Color Grading and Look Development) 色彩是影响观众潜意识体验的最强大工具之一。本章旨在揭示从技术还原到艺术风格化的全过程。 3.1 基础色彩科学与色彩空间： 深入理解色彩模型（RGB, YUV）、色彩空间（Rec.709, DCI-P3, ACES）及其在工作流程中的选择与转换。 伽马曲线、白平衡与曝光的精确还原，确保素材的“中性基线”。 3.2 调色技术深度解析： 初级校正 (Primary Correction)： 掌握示波器（Waveform）、矢量示波器（Vectorscope）等工具的精确判读，实现肤色、灰阶的准确匹配。 二级调色 (Secondary Correction)： 聚焦于局部调整——Power Window（窗口遮罩）、Keying（抠图）在细节增强和特定区域色彩隔离中的应用。 节点工作流（Node-Based Workflow）的应用： 阐述非线性、可追溯的调色结构，特别是针对复杂的多层级处理。 3.3 风格化调色与一致性： 建立视觉风格（Look）： 分析经典电影的色彩语言，学习如何通过色调、对比度和饱和度来创造特定的情感氛围（如冷峻的科幻、温暖的怀旧）。 长片项目的一致性维护： 跨镜头的色彩匹配技术，确保同一场景内不同镜头的连贯性。 --- 第四部分：视觉特效（VFX）的整合与合成技术 (Integration and Compositing) 特效制作已不再是独立部门的工作，而是与剪辑、调色紧密交织的环节。本部分聚焦于如何将CG元素、动态图形与实拍素材完美融合。 4.1 合成基础与光学原理： 光线追踪与合成匹配： 理解不同照明环境（Key Light, Fill Light, Specular）对CG元素融入实拍画面的影响。 遮罩（Masking）与抠像（Keying）的精细化处理： 深度探讨绿幕/蓝幕抠像的高级去噪、边缘处理和溢色（Spill Suppression）技术。 4.2 三维空间对齐与运动跟踪（Motion Tracking）： 2D/3D跟踪技术： 学习如何准确捕捉摄影机运动，并建立精确的三维场景，为三维元素（如数字绘景、CG模型）提供正确的透视关系。 稳定与去抖动： 修复不稳定的手持镜头和微小震动的专业方法。 4.3 深度合成与渲染通道管理： 多通道EXR工作流： 详细介绍如何利用渲染通道（如Ambient Occlusion, Specular, Depth Pass）在合成软件中进行非破坏性的光照和材质调整。 运动模糊（Motion Blur）的精确模拟： 确保合成元素的速度感与实拍素材保持一致。 --- 第五部分：高级音频后期与混音设计 (Sound Post-Production and Mixing) 声音设计是决定沉浸感的“隐形支柱”。本章旨在提升对声音叙事和空间感的理解。 5.1 声音的层次构建： 对话处理的黄金法则： 噪音抑制、清晰度优化、唇形同步校正。 环境声（Ambiences）与氛围的塑造： 如何选择和铺设背景声音，以建立场景的真实感和心理暗示。 5.2 特效（SFX）与拟音（Foley）： 效果音的叙事作用： 区分使用点声源效果与空间效果，以及如何在不干扰主要叙事的情况下增强戏剧张力。 拟音的录制与编辑艺术： 探讨拟音如何为画面提供触感和重量感。 5.3 混音与母带处理（Mastering）： 对话、音乐、效果（DME）的平衡： 学习行业标准的电平计量（Loudness Units FSD/EBU R128）和动态范围压缩技术。 沉浸式音频格式简介： 介绍杜比全景声（Dolby Atmos）等新兴技术在后期制作中的应用与布局策略。 --- 第六部分：最终交付与发行标准 (Delivery and Distribution) 本章关注项目完成后的技术环节，确保作品能以最高质量适配所有发行渠道。 色彩空间转换与输出设置： 针对影院（DCP）、流媒体平台（Netflix, HDR）、广播电视的精确色彩空间、比特率和帧率要求。 最终质量控制（QC）： 建立全面的检查清单，识别常见的音频爆音、视频撕裂、色彩断层等问题。 数字影院包（DCP）的制作流程概述。 结语： 后期制作是一场技术与艺术的持续对话。本书期望读者在掌握了这些工具和技术之后，能够更自由、更有意识地服务于故事本身，最终创作出兼具技术精湛与情感共鸣的优秀影视作品。

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我以一个资深自由职业者的身份来评价这本书，我们这类人群最怕的就是知识更新滞后，市场审美不断变化。我过去几年靠着一些老经验勉强支撑，但总感觉在跟年轻一代的设计师竞争时力不从心。这本书的出现，可以说是给我打了一剂强心针。它没有故作高深地谈论一些遥不可及的未来概念，而是非常务实地指出了当前行业中“效率瓶颈”和“创新痛点”在哪里。我特别关注了其中关于项目管理和跨部门协作的部分，这对于我们自由职业者来说至关重要，它教会我如何更专业地与客户沟通，如何预见设计流程中的潜在风险。更重要的是，它激发了我对“可持续设计”和“伦理责任”的思考，让我意识到，作为多媒体创作者，我们的影响力远超出了屏幕本身。这本书让我重新审视了自己的职业定位，并找到了未来五年精进的方向。它不是一本速成秘籍，而是一份伴随职业生涯成长的深度参考手册。

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我是一名大学视觉传达专业的大四学生，正在为毕业设计焦头烂额。我尝试了市面上所有能找到的“圣经”级别的教材，但总觉得它们要么过于陈旧，缺乏对新技术的跟进；要么就是过于侧重理论，实操性不强。这本书完美地平衡了这两点。它不仅讲解了扎实的底层原理，还紧密结合了当前行业最前沿的技术趋势，比如实时渲染和参数化设计等，都有涉及。最让我惊喜的是，书中附带的那些实战项目案例，步骤详尽，逻辑清晰，我甚至可以直接套用其中的部分思路来丰富我的毕业设计框架。这对我来说太重要了，它提供的不仅仅是知识，更是一种解决实际问题的“方法论”。我感觉我的作品集在阅读了这本书之后，那种“专业感”和“完成度”有了质的飞跃。这是一本真正能帮助学生从“学会使用工具”跨越到“驾驭设计”的桥梁。

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这本书简直是为我量身定做的，我简直不敢相信自己竟然能找到这样一本系统、深入的指南。从刚接触设计时的迷茫，到试图将各种零散的知识点拼凑起来，我走了很多弯路。但这本书就像一盏指路明灯，清晰地勾勒出了多媒体设计的全景图。它不仅仅是罗列工具和技巧，更重要的是，它深入剖析了背后的设计思维和逻辑。特别是关于用户体验和交互设计的章节，那些案例分析和理论阐述，让我茅塞顿开。我过去总觉得设计就是“好看”，但这本书让我明白了，好的设计是能够解决问题的，是能够与用户进行有效沟通的。书中的图文并茂的排版也让人爱不释手，阅读起来丝毫不枯燥，反倒像是在跟一位经验丰富的前辈虚心请教，每一个章节都能感觉到作者倾注的心血和深厚的行业积累。如果说我以前只是个“操作员”，那么读完这本书，我感觉自己正在蜕变成一个真正的“设计师”。我强烈推荐给所有想在这个领域深耕的朋友们，它绝对能为你节省大量试错的时间。

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这本书的深度和广度都远远超出了我的预期。我原本以为它会是一本偏向软件操作速查手册的类型，但翻开之后才发现，它更像是一部多媒体设计领域的“百科全书”。我特别欣赏它在理论构建上的严谨性，对于视觉传达、声音设计、动态图形乃至新兴的VR/AR应用，都有独到且深刻的见解。我尤其对其中关于“叙事结构在动态设计中的应用”那部分印象深刻，作者并没有停留在表面的炫技，而是挖掘了如何用视觉语言讲述一个完整且引人入胜的故事。市面上很多同类书籍往往只聚焦于某个细分领域，导致知识体系是破碎的，但这一本成功地搭建了一个宏大的知识框架，让我们可以清晰地看到各个元素之间是如何相互依存、相互影响的。对于已经工作一段时间，但感觉自己遇到了瓶颈期的专业人士来说，这本书提供了一种全新的视角去审视和优化自己的工作流程，绝对是年度必读的行业重磅著作，其价值无法用金钱衡量。

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老实说，我是一个对文字比较挑剔的读者，很多技术类书籍的文字总是干巴巴的，读起来像在啃砖头。但这本书的文笔实在是太流畅、太富有人情味了！作者似乎很懂得如何将复杂的专业概念用最直观、最生动的语言表达出来，读起来完全没有压力。我记得有一个关于色彩心理学的章节，作者用一系列生动的小故事来阐述不同色彩组合对观众情绪的影响，读完之后，我立刻拿起笔开始做实验，效果立竿见影。这种寓教于乐的学习体验，极大地提高了我的学习积极性。而且，书中的排版设计也极其考究，每一个示例图的选取都恰到好处，既展示了理论的应用，又体现了极高的审美标准。它不仅仅是一本教材，更像是一本启发灵感的艺术画册。我甚至会时不时地翻开它，不是为了查阅知识点，而是单纯地去享受那种被优秀设计作品包围的感觉。

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