具体描述
Beyond the Image Machine: A History of Visual Technologies is an eloquent and stimulating argument for an alternative history of scientific and technological imaging systems. It explores the ways in which the technological medium through which a piece of visual art is rendered contributes significantly to the experience of the human looking at it. Through a series of studies of individual art works, David Tomas gives a fascinating and wholly original account of the relationship between visual technology and human sensory perception. Illustrated throughout, the book draws on a range of hitherto marginalised examples from the world of visual representation. In examining these art works and, it draws upon the work of such key theorists as Latour, de Certeau, Mc Luhan and Barthes. Beyond the Image Machine is an original and contribution to the study of visual culture and the technologies that mediate it. It is a book that changes the terms of the debate and redefines the discipline. Anyone studying, teaching or researching in this area will find it a rich source of ideas and inspiration.
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读后感
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用户评价
阅读这本书，我体验到了一种久违的智力上的“挫败感”，但这种挫败感却是积极的、建设性的。它不断地挑战着我作为长期观众的舒适区。作者对“观看主体”的假设提出了强烈的质疑，认为我们并非是完全自主的、理性的接收者，而是在技术和文化规范中被塑造出来的“被观看者”。这种视角转变，极大地丰富了我对当代媒介生态的理解。书中的章节安排也很有匠心，从基础的感知科学，过渡到媒介的历史演变，再聚焦到具体的视觉政治学，脉络清晰而又富有逻辑的连贯性。我尤其喜欢它探讨的那些边缘化的视觉形式，比如早期实验电影和非主流纪录片，这些案例的引入，有效打破了主流叙事对“图像本质”的垄断。总的来说，这本书更像是一部思想的炼金术指南，它教导我们如何将日常的视觉经验，通过批判性的理论提炼，转化为深刻的社会洞察。它不是让你爱上电影，而是让你学会如何不被电影轻易地操控。
评分这本书的文字密度极高，每一句话都似乎承载着丰富的学术重量，需要反复咀嚼。我发现自己不得不准备一本笔记本，随时记录那些如同金玉良言般的论断，因为它们往往在看似平实的描述下，蕴含着对整个视觉文化史的深刻反思。它没有提供任何简单的答案，更多的是提出更尖锐、更复杂的问题。例如，作者对“瞬间性”与“永恒性”在数字图像中如何共存的探讨，让我陷入了沉思。我们追求即时满足的时代，是否正在扼杀我们对深度时间体验的感知能力？这种对时间维度在媒介中的变化的关注，是本书极其高明的一笔。它的语言风格是那种古典的、审慎的、追求精确性的，充满了对术语使用的敬畏感，这与当下许多浮躁的、迎合快餐文化的论著形成了鲜明对比。对于那些渴望从根本上理解视觉艺术、摄影和电影如何运作的严肃学习者而言，这本书无疑是一块坚实的基石，它不仅仅是一本书，更像是一套经过精心打磨的批判性思维工具。
评分老实说，这本书的阅读体验是相当“硬核”的，它绝非那种提供轻松消遣的入门读物，而更像是为专业研究者和对视觉符号学有深入兴趣的爱好者准备的一份学术盛宴。我花了比预期更长的时间去消化其中的概念，特别是那些关于媒介本体论的讨论，晦涩但却充满了启示性。作者似乎大量汲取了德勒兹和巴特的思想精髓，但又成功地将其本土化，用以分析当代信息爆炸时代下视觉体验的异化。我个人对其中关于“去物质化”影像的分析尤为着迷。在数字时代，图像的复制与传播几乎是瞬时的，这种速度本身是否已经改变了图像的“在场性”和“权威性”？书里对此进行了非常细致的拆解。它迫使我去思考，当我们谈论“真实”的影像时，我们究竟在谈论什么？是光线在胶片上的记录，还是算法对数据流的重组？这种对媒介物质基础的追问，使得全书充满了对技术进步背后伦理困境的警惕。尽管阅读门槛较高，但一旦跨越了最初的专业术语障碍，你会发现它提供的理论工具箱，足以让你对未来的任何影像技术变革保持清醒的认识。
评分这本书最成功的地方，在于它巧妙地平衡了宏大的理论构建与具体的文本分析。不像有些理论著作那样，将理论架空得不接地气，作者总能将那些抽象的概念，比如“机械复制的灵韵的消亡”或“奇观的循环”，恰到好处地投射到具体的电影案例中进行验证。我印象最深的是它对某部经典黑色电影的解读，作者没有停留在对叙事结构的分析上，而是深入到光影的颗粒感、景深的运用如何服务于一种特定的社会焦虑和性别压迫的权力关系。这种深入骨髓的剖析，让人对反复观看的经典作品产生全新的敬畏感。它让我意识到，每一帧画面都不是偶然的，它们是技术、意识形态和创作者意图共同作用的复杂产物。而且，这本书的写作风格非常具有节奏感，论证的推进仿佛是一场精心编排的交响乐，高潮迭起，张力十足。它不是在“告知”你知识，而是在“训练”你的眼睛和思维，让你学会如何从信息的洪流中辨识出隐藏的结构和意义。
评分这本关于电影理论的著作，初读时便被其深邃的哲学思辨和对媒介本质的剖析所吸引。作者似乎并不满足于对既有视觉范式的简单梳理，而是试图穿透“图像机器”的表象，去探究其背后更深层的权力结构与认知模式的建构。我特别欣赏它对早期电影美学与后现代景观社会之间张力的探讨。它没有落入那种空泛的、将技术视为中立工具的窠臼，而是将摄影机、放映机视为一种积极的、具有能动性的力量，塑造着我们感知世界的方式。书中对于“凝视”（gaze）的重新定义，尤其让我耳目一新，它不再仅仅是一个主体对客体的观看行为，而更像是一种嵌入到技术系统内部的、无所不在的权力运作机制。阅读过程中，我时不时会停下来，回望自己日常接触到的各种视觉内容——从社交媒体上的短视频到严肃的艺术电影——思考它们是如何被这套“机器”所编码和输送的。那种既熟悉又陌生的感觉，让人对司空见惯的影像世界产生了深刻的陌生化效果。整本书的论述结构严谨，逻辑推进层层递进，读起来像是在跟随一位经验丰富的向导，逐步深入一个布满隐喻和陷阱的迷宫，最终豁然开朗，对我们所处的视觉文化有了更具批判性的理解。
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