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出版者:Ashgate Publishing

作者:

出品人:

页数:280

译者:

出版时间:2002-08

价格:USD 130.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780754602057

丛书系列:

图书标签:

• 音乐史
• 19世纪音乐
• 古典音乐
• 音乐理论
• 音乐分析
• 音乐文化
• 西方音乐
• 音乐研究
• 音乐史学
• 浪漫主义音乐

穿越音符的洪流：二十世纪初的音乐景象 本书深入剖析了二十世纪初欧洲音乐的复杂图景，这一时期是音乐史上的一个关键转折点，旧的浪漫主义余晖逐渐消散，新的现代主义思潮如洪水般涌现，彻底重塑了听觉体验和作曲家的创作范式。我们避开了对十九世纪晚期（特别是瓦格纳之后的德奥晚期浪漫主义）的细致回顾，而是将焦点完全置于一个充满激进变革与多元探索的时代。 第一部：革命的萌芽与初现 (c. 1900–1918) 本部分首先考察了在世纪之交，欧洲主要音乐中心如何应对日益增长的调性紧张局境。我们并未详述勃拉姆斯或马勒的成熟阶段，而是直接进入了他们所开启的、但很快被超越的领域。 1. 印象主义的微观世界与印象派的终结： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的音乐被置于其历史脉络中进行审视，但重点放在他们如何系统性地瓦解了传统的和声功能。我们分析了德彪西晚期作品中，如何通过音色和节奏的碎片化处理，营造出一种“瞬间即逝”的听觉印象，而非传统叙事。拉威尔的作品则以其精妙的管弦乐配器和对新和声语言的审慎运用为中心，展示了印象主义向更清晰结构回归的努力。这些作曲家对传统调性的解放，为接下来的激进实验铺平了道路。 2. 表现主义的心理深渊：维也纳的崩塌： 舍恩堡（Schoenberg）的《期望》（Erwartung）和《月迷的皮埃罗》（Pierrot Lunaire）被视为心理现实主义在音乐中的最高体现。本章细致地解剖了这些作品中十二音前夜的“自由无调性”状态，探讨了作曲家如何通过极端音高、不协和音程和夸张的歌唱技巧（Sprechgesang），来描绘潜意识的焦虑与精神的崩溃。我们对比了贝尔格（Berg）和韦伯恩（Webern）早期的探索，分析了他们如何各自继承了舍恩堡的衣钵，并开始构建各自独特的声音世界，尤其关注贝尔格在无调性作品中对表情符号的坚持。 3. 东方的冲击与原始主义的爆发： 巴甫洛夫式的“回归自然”在音乐中表现为原始主义（Primitivism）。斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》（The Rite of Spring）是本部分的核心。我们着重分析了其非对称节奏、多重调性（Polytonality）的并置，以及对打击乐的革命性运用。讨论并未止步于首演的轰动，而是深入探究了这部作品如何通过对“异域”和“原始”的挪用，宣告了欧洲古典音乐对线性时间概念的彻底放弃。我们同时考察了巴托克（Bartók）在匈牙利及东欧民歌田野调查中的发现，以及他如何将这些民族音乐的独特音阶和节奏结构融入到其高度现代化的个人语言中。 第二部：战间的结构重建与技术探索 (c. 1919–1939) 第一次世界大战的残酷经验，使得许多作曲家对十九世纪的宏大叙事和过度情感表达产生了深刻的怀疑。本部分聚焦于艺术家们如何寻求新的秩序、清晰度和客观性。 1. 新古典主义的回归与清晰度的追求： 新古典主义并非简单的复古，而是一种有选择性的借鉴。斯特拉文斯基转向了对巴赫和十八世纪早期音乐形式的借鉴，但使用二十世纪的和声语言进行“包装”。我们分析了《普尔钦奈拉》（Pulcinella）作为分水岭的意义，以及他后续作品中如何以机械化的、去情感化的方式重构奏鸣曲、赋格和协奏曲的结构。普朗克（Poulenc）和“六人团”的其他成员，如米约（Milhaud），则以更具讽刺意味和通俗性的方式，反击了德奥传统的沉重感。 2. 十二音技法的制度化与发展： 舍恩堡的十二音体系（Dodecaphony）在本时期被规范化，成为一种结构性工具，而非仅仅是无调性的替代方案。本章详细阐述了十二音体系的运作原理，特别是音列（Tone Row）的各种转化（逆行、倒影、逆行倒影）。韦伯恩（Webern）是本阶段的代表人物，他的作品，如交响曲（Op. 21），展示了如何将十二音原则扩展到节奏、动态和音色领域，创造出一种极端稀疏、点状的结构美学，其密度极低，预示了战后序列主义的极端化倾向。贝尔格则继续在严谨的十二音框架内，探索了极强的歌唱性、象征主义和情感张力，尤其体现在他的歌剧《露露》（Lulu）中。 3. 德彪西-拉威尔的遗产与法国的独特发展： 在法国，音乐发展走向了一条独立于维也纳激进主义的道路。我们探讨了法国作曲家如何在印象主义的色彩基础上，吸收了俄罗斯和东欧的民间元素，以及他们对“音乐的建筑感”的强调。这一时期，焦点转向了室内乐和对独特音色组合的探索，而非宏大的交响诗。 第三部：边缘的探索与非主流声音 (c. 1900–1939) 本部分关注那些未完全融入主流“现代主义”标签，但在技术上或哲学上同样重要的声音。 1. 俄罗斯的过渡时期： 在沙俄解体和苏联建立的动荡中，俄罗斯音乐经历了巨大的结构性变化。我们分析了斯克里亚宾（Scriabin）晚期作品中对色彩和神秘主义的极致追求，以及他对传统调性的超越尝试，这虽然在技法上与维也纳学派不同，但目标同样是精神性的解放。同时，我们也审视了早期的苏联作曲家，如梅德特纳（Medtner）对新浪漫主义语汇的坚守，以及他们与后来的“社会主义现实主义”要求的张力。 2. 爵士乐与美国音乐的渗透： 二十世纪初，新兴的美国音乐形式开始对欧洲作曲家产生影响。爵士乐的即兴性、切分音（Syncopation）和蓝调音阶（Blues Scale）被一些欧洲作曲家吸收，用以打破古典形式的僵硬。我们分析了拉威尔在借鉴爵士元素时，如何将其“去风格化”并纳入其精致的管弦乐织体中，以及米约等人在作品中直接引用布鲁斯元素的情况，这些元素展示了音乐的全球化趋势。 总结： 二十世纪初的音乐是一场关于解放的史诗。作曲家们抛弃了对和谐的绝对信仰，转而探索节奏的自由、音色的可能性以及人类精神状态的深度挖掘。本书旨在展现这一时期声音的爆炸性多样性，而非仅仅是技术方法的演变，从而描绘出一幅复杂、充满冲突又极具创造力的艺术全景图。

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我花了数周时间沉浸在这本书的浩瀚篇幅中，发现它与其说是一本教科书，不如说是一本深入骨髓的音乐考古报告。作者对特定作曲家群体的关注点极其精准，比如对勃拉姆斯和批评界之间的紧张关系的梳理，那种对传统与革新的内在挣扎，描摹得如同亲历现场。书中对“主导动机”在歌剧叙事中的演变，特别是威尔第晚期作品中，动机如何从单纯的标志物升华为心理刻画工具的论述，简直是教科书级别的范例。我特别欣赏作者没有回避音乐创作中的商业化和赞助体系对艺术决策的影响，这使得分析更具泥土气息，而非高悬于象牙塔中。书中的乐谱示例挑选得恰到好处，既保证了专业性，又不会让非专业读者望而却步。不过，如果说有一点可以改进，那就是在论述德彪西对德奥传统的回应时，笔墨可以再多一些，毕竟十九世纪的尾声孕育了如此多的革命性思潮。总体而言，这是一本能让你重新审视那些耳熟能详的作品，并发现其中隐藏的时代张力的杰出著作。

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我以一个狂热的古典乐爱好者而非专业学者的身份阅读此书，最满意的就是它在保持学术严谨性的同时，极大地降低了阅读门槛。那些关于调性模糊和和声语言激进变革的讨论，被作者用非常清晰的比喻和清晰的语境描述了出来。书中对意大利歌剧从“美声”向戏剧性深度转化的过程，以及威尔第在晚期如何反思自己早期对炫技的侧重，进行了令人信服的辩护和分析。我特别留意到，作者对于“未来主义”和“象征主义”对音乐的潜在影响的提及，虽未深入展开，但已成功地将读者的视野引向了二十世纪的门槛，起到了极好的承上启下的作用。这本书的排版和注释也值得称赞，大量的引文提供了可靠的来源，使得我对某些观点的追溯变得简单可行。总而言之，这是一部深刻、全面，且具有启发性的作品，它不仅让你了解了过去，更让你带着一种新的耳朵去倾听今天的世界。

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这部关于十九世纪音乐的巨著，如同一趟穿越时空的音乐之旅，其宏大叙事和精微分析令人叹为观止。作者显然倾注了毕生心血，对贝多芬晚期作品到瓦格纳歌剧革命之间错综复杂的音乐图景进行了梳理。书中对浪漫主义核心精神——个体情感的无限夸张与对“绝对音乐”和“标题音乐”的激烈争论，描绘得入木三分。我尤其欣赏作者对李斯特钢琴作品中“交响化”趋势的剖析，那不仅是对技巧的赞美，更是对音乐形式在时代压力下如何被重新定义的一种深刻洞察。此外，东欧民族主义音乐的崛起，如德沃夏克的斯拉夫舞曲背后的文化语境，也被阐释得清晰有力，让我对那些看似“地方性”的旋律，有了更宏观的理解。全书的论证结构严谨，从早期的古典主义回响到晚期的印象派前奏，过渡自然流畅，几乎没有让读者感到困惑的逻辑断层。它不仅仅是音乐史的记录，更是一部关于艺术如何反映和塑造社会变迁的哲学文本，读完后，我对十九世纪的听觉世界有了全新的敬畏感。

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说实话，我原本担心这本书会过于学术化，充斥着我难以消化的德语术语和晦涩的对位法分析，但出乎意料的是，它的叙事风格极具感染力。作者像一位技艺高超的导游，带领我们穿梭于维也纳的沙龙、巴黎的歌剧院和莱比锡的音乐学院。书中对于“艺术歌曲”（Lied）在舒伯特和舒曼手中如何从一种小型娱乐升华为深刻的诗意表达的论述，充满了诗意和洞察力。它成功地将音乐的听觉体验与当时盛行的文学思潮——如狂热的民族主义、对异域风情的向往——紧密结合起来。我尤其喜欢作者在描述特定音乐会场景时的细腻笔触，例如听众对新奇和声的反应，那种文化震荡感被捕捉得活灵活现。这本书的伟大之处在于，它让你不仅“听见”了音乐，更“理解”了音乐诞生的那个时代特有的心跳和呼吸。它让我对那些被认为是“理所当然”的音乐传统，重新产生了追根溯源的渴望。

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这本书的结构处理简直是大师级的。它巧妙地避开了简单的时间线罗列，而是采用了主题与区域并重的分析框架，这极大地提升了阅读的趣味性和逻辑性。例如，探讨“管弦乐的扩张”时，作者将柏辽兹的配器革新与马勒早期的配器实验并置对比，清晰地展示了声音极限是如何被不断试探的。更具启发性的是，书中对于“女性作曲家”在十九世纪的边缘化境遇的讨论，虽然篇幅有限，但切口极深，揭示了在那个高度父权化的艺术体系中，她们是如何通过室内乐或歌剧的特定子领域进行抗争和留名的。我必须称赞作者的审慎态度，在处理那些充满争议性的音乐作品时，他总是能提供多维度的解读，避免了简单的好坏评判。这本书就像一把精密的瑞士军刀，工具齐全，能够从和声学、美学、社会学等多个角度解剖十九世纪音乐的全貌，对于任何希望在学术上有所深耕的读者而言，都是不可或缺的案头参考书。

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