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出版者:W. W. Norton & Company

作者:Friedrich Blume

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1967-03

价格:USD 22.05

装帧:Paperback

isbn号码:9780393097108

丛书系列:

图书标签:

• 文艺复兴音乐
• 巴洛克音乐
• 古典音乐
• 音乐史
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• 16世纪音乐
• 音乐文化

《中世纪晚期至早期浪漫主义音乐概览》 一部跨越千年音乐变革的深度探索 内容简介： 本书旨在为读者提供一份关于西方音乐史自中世纪晚期（约公元1300年）直至浪漫主义巅峰（约1900年）的全面而深入的考察。我们避开了对特定历史时期（如文艺复兴与巴洛克）的过度聚焦，而是将其置于一个更宏大、更具连续性的演进脉络中进行审视。全书分为六大部分，结构清晰，论述严谨，力求展现音乐形式、风格、技术与社会背景之间复杂的互动关系。 第一部分：风格的过渡与新声音的萌芽（约1300-1450年） 本部分聚焦于“阿维尼翁之囚”时代之后，欧洲音乐如何从有组织的复调向更具人声清晰度和情感表达力的新方向迈进。 我们将详细考察阿斯蒂奈特（Ars Nova）的复杂织体与节奏创新，特别是纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）在世俗与宗教音乐中对固定曲式（如叙事歌、颂歌）的精妙运用。随后，我们转向英国的“为世故者而作的音乐”，探讨约翰·邓斯泰布尔（John Dunstable）如何通过有规律的平行三度和六度，奠定欧洲和声语汇的基石，并初步触及不列颠的“陆地之歌”（Contenance Angloise）对欧洲大陆的深远影响。 此外，对科代和巴尔代斯等作曲家在国际风格（Style International）中的贡献进行剖析，重点分析他们如何平衡复杂对位与清晰的旋律线条。本部分强调了世俗赞美诗（Chanson）在表达细腻情感方面的潜力，为后续的音乐发展奠定了技术和美学基础。 第二部分：理性与虔诚的交织——从奥古斯都到宗教改革的音乐（约1450-1520年） 本部分将重点审视勃艮第学派的辉煌成就，并将其置于欧洲政治版图重组的背景下考察。 我们深入分析了杜菲（Dufay）如何将英国的“新法”与法国的诗歌传统完美融合，特别是在弥撒循环和香颂创作中的贡献。重点讨论格雷戈里安圣咏的“弥撒固定曲”（Missa Cycle）是如何从简单的固定主调发展为复杂的复调结构，并分析“借用音乐”（Parody/Imitation）技巧的早期运用。 本章对奥克冈姆（Ockeghem）的音乐进行细致解读，特别是其对精妙的等时性对位（Canonic writing）的偏爱，探讨这种技术如何服务于其内省的、冥想式的宗教表达。同时，我们将考察雅各布斯·奥布雷赫特（Jacob Obrecht）在音乐结构逻辑上的探索，为“盛期文艺复兴”的到来铺平道路。 第三部分：复调的黄金时代与音乐的印刷革命（约1520-1600年） 本部分探讨了音乐创作如何在印刷术普及和宗教改革的双重压力下达到结构与情感表达的平衡点。 我们着重分析若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）在对位、和声连贯性以及文本服从度方面的革命性贡献。他如何通过“动机模仿”（Motivic Imitation）确立了多声部音乐的核心组织原则，并成为后世作曲家无可争议的典范。 在宗教改革部分，我们将详细对比路德宗圣咏（Chorale）对民众参与的强调，与加尔文宗的“简朴圣诗”（Psalters）在音乐表达上的克制。在天主教方面，特伦特会议对音乐的规范化要求如何促成了帕莱斯特里纳（Palestrina）风格的诞生——即追求清晰的圣词、流畅的线条与完美的神圣平衡。 世俗音乐部分，我们将考察法国香颂（Chanson）向意大利牧歌（Madrigal）的过渡，重点分析维拉罗（Vilaello）和马伦齐奥（Marenzio）如何通过文字描绘（Word Painting）技巧，将音乐与诗歌的意象紧密结合，预示着巴洛克“激情理论”的出现。 第四部分：巴洛克早期的诞生与炫技时代的序幕（约1600-1680年） 本部分关注从“第二实践”（Seconda Pratica）向歌剧艺术的诞生过渡，以及对古老对位传统的反思与重构。 我们将详细考察佛罗伦萨卡梅拉塔（Florentine Camerata）的理论抱负，以及他们如何从古希腊戏剧的设想中催生出单音音乐（Monody）和通奏低音（Basso Continuo）。早期歌剧的实验性——如佩里的《尤利西斯之归乡》——是如何尝试恢复戏剧的“激动人心的力量”的。 同时，我们将分析克劳迪奥·蒙特威尔第（Claudio Monteverdi）在米兰和威尼斯宫廷中的创作，他如何娴熟地运用不和谐音和极端的情感表达（Affetti）来增强戏剧张力。在器乐领域，我们将考察意大利“奏鸣曲”（Sonata）形式的早期发展，以及科雷利（Corelli）对小提琴演奏技巧的规范化贡献。 第五部分：盛期巴洛克：结构、炫技与普世风格（约1680-1750年） 本部分致力于阐述巴洛克晚期在结构化、和声系统化以及风格融合方面的成就。 我们将重点剖析巴赫（J.S. Bach）的集大成地位，探讨他如何将北方（德意志）的对位传统与南方法国和意大利的舞蹈与咏叹调元素融为一体。深入分析其赋格（Fugue）的逻辑结构、平均律（Well-Tempered Clavier）的意义，以及协奏曲的演进。 同时，亨德尔（G.F. Handel）作为国际作曲家的成功，将通过他对清唱剧（Oratorio）——尤其是《弥赛亚》——中宏大叙事与“合唱式”戏剧张力的处理来展现。在器乐领域，我们将考察维瓦尔第（Vivaldi）对三乐章协奏曲范式的确立，以及法国“庄严风格”（Grand Style）在键盘音乐（如库普兰）中的表现。 第六部分：从“优美风格”到“狂飙突进”的世纪转型（约1750-1900年） 本部分描述了对巴洛克复杂性的反动、古典主义的秩序重建，以及浪漫主义对个体情感的解放。 我们将分析“情感风格”（Empfindsamer Stil）如何作为向古典主义过渡的桥梁，体现了对直觉与自然表达的渴望。随后，深入探讨海顿（Haydn）在奏鸣曲、四重奏和交响曲中对形式的界定（如奏鸣曲式的发展），以及莫扎特（Mozart）如何将意大利歌剧的优美旋律与德意志的结构深度完美结合。 浪漫主义的兴起将在最后几章展开。我们将考察贝多芬（Beethoven）在传统结构中注入的英雄主义叙事与个人意志的表达。随后，通过舒伯特（Schubert）的艺术歌曲（Lied）中对诗歌心理的捕捉，肖邦（Chopin）对钢琴音色的极致挖掘，以及瓦格纳（Wagner）对“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，展现19世纪音乐如何彻底转向对主观体验、无限性追求与民族主义色彩的描绘。 本书的最终目的，是揭示音乐历史并非一系列孤立的风格断裂，而是一个由技术创新、社会思潮和审美理想相互驱动的、持续不断的有机发展过程。

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这本书的学术严谨性毋庸置疑，但更让我赞叹的是它在音乐美学探讨上的广度和深度。它没有简单地将文艺复兴和巴洛克时期视为两个泾渭分明的阶段，而是细致地勾勒出了两者之间那种充满张力的过渡地带。作者对于“情感表达”在不同时期观念转变的论述，简直是神来之笔。在文艺复兴的“理性克制”与巴洛克的“狂热激情”之间，找到了一种动态的平衡点。书中对于“风格幻想曲”（Stylistic Fantasia）这类模糊地带作品的分析，尤其独到，揭示了作曲家们如何在既定的规范下进行大胆的艺术探索。我感觉作者不仅仅是在介绍音乐，更是在探讨人类审美情趣的演变史。阅读过程中，我常常需要停下来，去搜索那些被提及的、不太知名的作曲家的作品，每一次“听后感”都印证了作者的论点——风格的转变是如此的细微而又决定性。这本书提供了一个绝佳的框架，帮助我们理解为什么音乐会以那样一种复杂而华丽的方式爆发出来。

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这本书的行文风格简直是为那些对音乐理论望而生畏的爱好者量身定制的，它成功地将晦涩的学术概念转化成了引人入胜的故事。我尤其喜欢它在描述乐器演变历史时的那股子“匠人精神”。从维奥尔琴到早期的小提琴家族的迭代，再到键盘乐器音色的细微差别，作者的描述充满了画面感和声音的想象力。这种对物质载体的关注，让我意识到音乐的表达是多么依赖于当时的科技和社会条件。它没有堆砌冗长的人名和日期，而是通过具体的作品案例来引导读者进入语境。比如，在分析某首早期清唱剧时，作者会穿插讲述当时的社会对“戏剧性”的理解是如何影响音乐的节奏和旋律的。这使得整本书读起来像是一部跨越几个世纪的音乐社会史，而不是一本枯燥的乐谱讲解手册。对于我这种非专业出身，但又渴望领略古典音乐精髓的人来说，这种娓娓道来的叙事方式，极大地降低了阅读的门槛，让人感到既充实又愉悦。

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从装帧设计到索引编排，这本书处处透露出专业和体贴。排版清晰，术语解释得当，特别是那些罕见的早期乐谱插图的引入，质量上乘，辨识度极高，极大地帮助了对视觉化学习有偏好的读者。我个人最欣赏的是它在探讨“音乐的理论基础”时所采用的渐进式教学法。它不是一上来就抛出复杂的音阶和调式理论，而是先通过对早期教会音乐旋律的实际聆听和分析，让读者“自然而然地”感知到调性体系是如何逐步建立起来的。这种“体验先行，理论殿后”的策略，极大地增强了学习的趣味性和吸收效率。它成功地搭建了一座从“只知道好听”到“理解其所以然”的桥梁。对于那些希望不依赖于老师指导，就能系统性地梳理自己知识体系的自学者来说，这本书的结构逻辑简直是教科书级别的典范，让人爱不释手，忍不住要反复研读其中的精妙之处。

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这本书简直是音乐史上的瑰宝！初次翻开，就被那种扑面而来的历史厚重感所吸引。作者对那个时代音乐的背景描绘得极其细腻，仿佛能让人身临其境地感受到巴洛克时期宫廷的奢华与教会的庄严。特别是关于早期复调音乐的发展脉络梳理得非常清晰，那些错综复杂的声部交织，不再是干巴巴的理论，而是充满了生命力的叙事。我特别欣赏作者在处理那些复杂曲式结构时的耐心和深度，比如对赋格曲的精妙解析，不仅仅停留在结构层面，更深入到作曲家如何运用这些技术来表达情感和思想。书中对于不同地域音乐风格差异的对比分析，也让我对欧洲音乐地图有了更立体的认识。读完后，我对巴赫、亨德尔等大师的作品有了全新的理解，不再是仰望高山，而是能走近他们，理解他们创作的动机与心境。这对于任何一个想要深入了解古典音乐，尤其是想探究西方音乐如何从文艺复兴走向巴洛克黄金时代的读者来说，都是一本不可多得的指南。它不仅提供了知识，更点燃了对音乐历史的无限热情。

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我不得不说，这本书在考察音乐的“跨文化影响”方面做得非常出色，这一点是很多同类书籍常常忽略的“边角料”信息。作者没有将欧洲音乐发展视为一个孤立的系统，而是巧妙地引入了外部世界的元素。比如，对奥斯曼土耳其音乐对西方打击乐使用影响的探讨，或者早期航海贸易如何间接影响了乐器材料的获取和声音偏好。这种全球视野的切入点，让整个叙事瞬间鲜活起来，打破了以往阅读历史时那种“欧洲中心论”的刻板印象。书中对于“歌剧”作为一种全新艺术形式诞生的社会土壤的剖析，也极其透彻，它不再仅仅是咏叹调和宣叙调的堆砌，而是对古希腊戏剧理念的重构与现代社会需求的结合。它鼓励读者跳出音乐厅的限制，去理解音乐是如何渗透到日常生活、政治仪式和宗教生活的方方面面的。读完后，我感觉自己对这段历史的理解更加全面和接地气了。

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