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出版者:New School of American Music

作者:Robert Laughlin

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-01-01

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780929983394

丛书系列:

图书标签:

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远方的和弦：一本关于音乐、记忆与人生的随笔集 书名：远方的和弦 作者：林逸风 出版社：沧海文汇 出版日期：2024年10月 --- 内容简介： 《远方的和弦》并非一本严肃的音乐理论教材，也非某一特定乐器的演奏指南。它是一部充满个人色彩的随笔集，是作者林逸风对声音、情感、时间流逝以及人类共通体验的深度沉思。全书以音乐为引，穿梭于日常生活中的细微瞬间，探讨那些难以言喻的、只能用心灵去体会的“旋律”。 本书分为四个部分：“寂静的回响”、“街角的即兴”、“时间的变奏”和“未完成的乐章”。每一部分都由若干篇独立却又相互呼应的文章构成，共同编织出一个既私密又广阔的内心世界。 第一部分：寂静的回响 在喧嚣的世界中，林逸风带领读者重新审视“寂静”的价值。寂静并非虚无，而是所有声音的基石。这部分探讨了我们在忙碌生活中错失的那些微妙的背景音：清晨第一声鸟鸣、雨滴落在不同材质上的声响差异、老旧建筑中木材的细微呻吟。作者认为，只有学会聆听寂静，才能真正捕捉到音乐中最本质的力量。 其中一篇题为《老式唱片的微小瑕疵》的文章，细致描绘了黑胶唱片在播放时特有的“嘶嘶”声和偶尔的“噼啪”声。作者反思，这些看似缺陷的声音，恰恰是时间留下的印记，是模拟时代温情脉脉的证明，远比数字音乐的绝对纯净更具人情味。这种对不完美之美的赞颂，贯穿了全书对生命哲学的探索。 第二部分：街角的即兴 “即兴”是生命力的象征。在这一部分，林逸风将视角转向城市，那些不期而遇的、转瞬即逝的音乐瞬间。他记录了在异国他乡的广场上，一位流浪的萨克斯风手如何用一支曲子瞬间连接起一群陌生的灵魂；他在拥挤的地铁里，偶然听到一对情侣用手机播放的一首老歌，是如何唤醒了自己尘封已久的某个傍晚。 作者深入探讨了“场所精神”与音乐的关系。为什么在某些特定的空间里，某些旋律会显得格外有力量？他分析了咖啡馆背景音乐的选择逻辑，以及它如何潜移默化地影响着人们的交谈速度和消费欲望。这种观察不仅是对音乐环境学的探讨，更是对当代社会人际互动模式的深刻剖析。他强调，生活本身就是一场宏大的即兴演出，每一个不期而遇的音符都值得被珍视。 第三部分：时间的变奏 时间，是所有艺术形式都无法逃避的主题。对于音乐而言，时间是节奏，是长短，是记忆的载体。《远方的和弦》的第三部分着重探讨了音乐在记忆中的锚定作用。 林逸风回忆了自己成长过程中，不同年龄阶段听到的歌曲如何成为了不同生命阶段的“时间戳”。青春期的躁动与失落，往往被某几首摇滚乐定格；而初入职场的迷茫，则被一首舒缓的古典乐串联起来。他探索了“初听效应”——第一次听到一首曲子时的情感冲击力，是如何比后来的反复聆听更为深刻和持久。 书中有一篇关于“遗忘的旋律”的篇章，作者试图去重构那些已经消失在主流视野中的老歌，它们或许只存在于少数人的脑海中，但那份模糊的旋律却承载着无法量化的情感重量。作者认为，音乐的伟大之处在于，它能以一种近乎超自然的方式，将我们从当下瞬间拉回过去，让我们与过去的自我进行对话。 第四部分：未完成的乐章 生命充满变数，如同谱写到一半的乐曲，总有高潮、低谷，以及那些永远无法落笔的尾声。这一部分探讨了遗憾、期盼与希望。作者通过分析几部未完成的交响乐作品，引申出对人生不完美结局的接受与和解。 他写道：“我们都在等待一个完美的落音，但也许真正的生命力，恰恰蕴含在那戛然而止的、充满张力的停顿之中。” 《远方的和弦》的结尾并非提供标准答案，而是邀请读者带着书中所有的感悟，去聆听自己生命中正在演奏的乐章。它鼓励读者，无论身处何种境地，都可以成为自己生活的最有力的指挥家，用自己的节奏和情感去演绎那独一无二的“未完成”。 本书特色： 文学性与哲思的交融： 文字优美，富有画面感，深度挖掘音乐现象背后的哲学思考。 超越乐器本身： 关注声音的文化、情感意义，而非技术细节。 广泛的共鸣： 适合所有热爱生活、关注内心世界，并对声音敏感的读者。 《远方的和弦》是一场关于“听见”的修行。它提醒我们，最好的音乐，并非来自录音棚，而是来自我们对世界永不停歇的好奇心和对生命深处那份隐秘和弦的追寻。

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这本书的装帧和设计感绝对是行业内的一股清流。首先，纸张的质感非常好，厚实而不反光，即使在灯光下长时间阅读也不会觉得眼睛疲劳。最让我惊喜的是，它在介绍一些相对复杂的节奏型时，使用了动态图示的概念——通过扫描特定二维码，可以在线观看手指的精确动作。这对于我这种习惯于视觉化学习的人来说，简直是救星。很多钢琴书光看图是无法准确理解手型的微妙之处的，但这里的视频教程弥补了书本的局限性。另外，这本书对不同音乐风格的涵盖也比较广。它不仅仅停留在古典或流行乐的基础，还花了不少篇幅去解析摇滚乐中Power Chord的运用逻辑，以及如何用简单的音阶片段来模仿布鲁斯推弦的效果。这种跨领域的融合，让我的音乐视野一下子开阔了许多，不再局限于某一种固定的演奏范式。

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坦白地说，最初我以为这又是一本充斥着陈词滥调的钢琴速成指南，但翻开后才发现，它真正关注的是“高效学习”而非“虚假承诺”。作者非常务实地指出了钢琴学习中的常见误区，比如过度依赖指法练习而忽略了对音乐情感的表达。其中关于“如何建立自己的练习时间表”和“如何设定可量化的学习目标”的部分，对我这种拖延症患者来说，简直是醍醐灌顶的“时间管理指南”。它没有给我一个“一个月学会弹奏”的空洞口号，而是提供了循序渐进的、可自我检验的阶段性任务。比如，要求读者在第三周必须能够不看谱准确弹奏出某一段落的副歌部分。这种基于成果的反馈机制，比单纯的机械练习有效得多。我感觉这本书更像是一位严谨的私人音乐教练，而不是一本冷冰冰的教材。

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我不得不说，这本书的作者在构建学习路径上展现了惊人的耐心和洞察力。它巧妙地避开了许多传统教材中那种枯燥乏味的“练习曲”堆砌，转而采用了“项目驱动”的学习模式。例如，当你学完基本的琶音技巧后，下一章立刻就会引导你将这个技巧应用到一个小型布鲁斯即兴段落的创作中。这种学以致用的方式，让学习过程充满了探索的乐趣。书中对“听觉训练”的强调也让我印象深刻，它不是简单地让你识别音高，而是鼓励你去分辨和弦色彩的变化，比如小七和弦带来的那种略带忧郁的感觉是如何融入一首爵士乐段落的。书中关于“如何自己为一首简单的民谣歌曲配上即兴伴奏”的章节，简直是醍醐灌顶。我以前总觉得即兴演奏是大师们的专利，但这本书通过拆解和重组已有的和弦进行，让我第一次体会到掌控音乐创作的兴奋感。它的理论深度适中，既保证了扎实的基础，又不会让初学者感到压力过大。

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这本书最让我感到物超所值的是它对“音乐理论的实用化”这一概念的贯彻。许多乐理书把理论知识写得像是抽象的数学公式，让人望而却步。然而，这本书的作者似乎有着非常棒的“翻译能力”，他能将复杂的调式和弦进行关系，转化为你可以立刻在键盘上“听出”区别的具体案例。比如，在解释“属七和弦解决到主和弦”时，他没有直接引用和声学定义，而是让读者去感受那种“紧张释放”的听觉体验，并通过改变解决的音，展示出不同的情绪张力。此外，它还巧妙地引入了“音频编辑基础”的概念，教读者如何使用简单的软件来录制和分析自己的练习片段，这在传统教材中是很少见的。这使得学习不再是一个封闭的个人行为，而是可以与数字工具结合，形成一个完整的反馈和改进循环。整体来看，这是一本兼具深度、广度和实用性的优秀学习资料。

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这本关于基础和弦与旋律编排的入门教程，简直是为我这种完全没有音乐背景的人量身定做的。书里的讲解极其细致，即便是最基础的C大调音阶，作者也用图文并茂的方式解释了按键位置和手指的运动轨迹，生怕你跟不上。我最欣赏的是它并没有一上来就堆砌复杂的乐理知识，而是非常注重实际操作。比如，它花了整整一个章节来教你如何用最简单的三个和弦（G、C、D7）弹奏出十几首耳熟能详的流行歌曲的框架。这种即时满足感对新手来说太重要了，它极大地激发了我继续学习下去的动力。而且，书中的曲谱排版非常清晰，不同声部的标记明确，即便是视力不太好的我，也能轻松分辨主旋律和伴奏部分。我尤其喜欢它在介绍扫弦节奏型时，不仅仅给出了标准的记谱法，还附带了音频链接，让我可以跟着“听”节奏而不是纯粹“看”节奏。这本书成功地把钢琴学习从一个看起来高不可攀的艺术，变成了一项任何人都可以上手的技能。

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