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出版者:Plexus Publishing

作者:Jim Bessman

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1993-10

价格:0

装帧:Paperback

isbn号码:9780859652070

丛书系列:

图书标签:

• 摇滚乐
• 朋克摇滚
• Ramones乐队
• 音乐
• 流行音乐
• 文化
• 美国音乐
• 70年代
• 乐队
• 音乐史

《Ramones》这本书，并非详尽地描绘了那个传奇摇滚乐队的每一个音符，每一场演出，亦或是每一个成员的生平事迹。相反，它以一种更宏观、更具洞察力的视角，试图去理解“Ramones”这个名字所代表的意义，以及它在音乐史乃至文化史中留下的深刻印记。 本书并非传记，不打算逐一梳理Joey、Johnny、Dee Dee、Tommy（以及后来的Marky、Richie、C.J.）的个人成长经历，也不专注于记录乐队成立初期在CBGB地下室里那些粗粝而充满能量的演出细节。它更关注的是，是什么样的土壤孕育了Ramones？是什么样的社会情绪被他们的音乐所捕捉和释放？他们那看似简单、重复的音乐模式，为何能引发如此巨大的连锁反应？ 《Ramones》深入探讨了70年代末纽约市的城市肌理。在那个经济萧条、犯罪率高企、社会氛围压抑的年代，是什么驱使着年轻人去寻找一种能够宣泄内心苦闷和反叛精神的出口？本书将Ramones的音乐置于这个时代背景下进行审视，分析了他们的音乐如何成为回应当时社会现实的一种方式。那些简洁明快的旋律，狂躁的鼓点，以及简单却直白的歌词，不仅仅是音乐上的创新，更是对主流文化的一种直接挑战。 本书还将Ramones的音乐风格置于更广泛的文化语境中进行分析。它不只是关于朋克摇滚的起源，而是探究朋克作为一种文化现象，其内在的精神内核是什么。Ramones乐队以其独特的“低保真”美学，拒绝浮华，回归音乐最原始的冲动。这种返璞归真，在当时充斥着华丽摇滚和复杂编曲的音乐界，显得尤为独特。本书将剖析这种“简单即力量”的哲学，以及它如何影响了后来的音乐发展，包括新浪潮、独立摇滚等众多流派。 《Ramones》并未沉湎于乐队的内部矛盾或成员间的个人恩怨，而是将目光投向他们音乐的普遍吸引力。为什么在世界各地，从东京到伦敦，从柏林到悉尼，无数的年轻人都能从Ramones的歌曲中找到共鸣？本书试图解答这个关于音乐超越地域、语言和文化界限的奥秘。它分析了Ramones音乐的普适性，这种普适性并非源于其歌词的深刻哲理，而是源于其所传递的纯粹的情感：青春期的迷茫、对权威的反抗、对平庸生活的厌倦，以及对某种纯粹、原始能量的渴望。 这本书还探讨了Ramones对流行文化的影响。不仅仅是音乐，他们的标志性形象——皮夹克、牛仔裤、T恤、尖头鞋——已经成为一种经典造型，被无数人模仿和致敬。这种视觉上的符号化，同样是他们文化影响力的重要组成部分。本书将审视这种时尚与音乐的融合，以及它如何塑造了现代流行文化的某些面向。 同时，《Ramones》也关注了乐队的商业运作和他们的音乐如何在主流音乐市场中找到立足之地。尽管他们以地下反叛者的形象闻名，但他们的音乐却以惊人的韧性和生命力，穿越了时间的洪流，成为了经典。本书将分析这种“地下”与“主流”之间的张力，以及Ramones是如何在不妥协自身精神的前提下，获得广泛认可的。 总而言之，《Ramones》并非一本关于乐队成员的私人日记，也不是一本详细记载他们唱片制作过程的流水账。它是一本关于“Ramones现象”的深度剖析。它试图理解，在那个特定的历史时刻，一群来自纽约皇后区的年轻人，如何用最简单、最直接的方式，创造出了一种具有永恒魅力的音乐，并以此影响了一个时代，乃至后来的无数个时代。本书将带领读者超越乐队的表面，去感受和理解Ramones音乐背后所蕴含的深刻文化意义和普世价值。它是一次关于音乐、文化、时代和社会相互作用的探索，一次对“简单”的力量以及“原始”魅力的致敬。

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这本书最让我印象深刻的地方，是它对“噪音”美学的精准捕捉和解析。作者似乎拥有某种特殊的听觉天赋，他能够用文字重构出那种直击脑髓的、未经修饰的原始声响。阅读时，我能清晰地“听见”那些不和谐的音符是如何被有意无意地组合在一起，形成一种独特的听觉语言。与那些过度美化“简单即是力量”口号的书籍不同，这里展示了这种“简单”背后所需要的极高的判断力和自我约束力。文字的节奏感非常强，充满了断句和强调，仿佛作者本人也在模仿他们音乐中的那种跳跃感。书中对于早期现场演出的描述，达到了近乎电影分镜头的效果，你仿佛能闻到散场后街道上残留的焦躁不安的气息。它没有试图将这些音乐人物塑造成英雄，而是将他们还原为人——充满缺陷、矛盾，但却拥有罕见创造力的个体。读完之后，你对“什么是真正的创新”这个问题，会有一个更贴近地面、更少浪漫色彩的理解。这本书是那个时代最真实、最不加修饰的侧影。

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天哪，这本书简直是把我拉进了另一个时空！装帧设计上就透露着一股不羁的劲儿，那种粗粝的质感，仿佛能触摸到那个年代空气中弥漫的烟草味和廉价啤酒的气息。我原本以为这会是一本平铺直叙的流水账，毕竟主题听起来就够硬核了，但作者的叙事手法实在是高明。他没有刻意去美化那些所谓的“摇滚传奇”，反而用一种近乎残酷的坦诚，描绘了那些夜晚演出的汗水、舞台下嘶吼的人群，以及更深层次的，那种对主流世界格格不入的挣扎与渴望。文字的密度非常高，充满了俚语和那种特定圈子里的“黑话”，读起来需要全神贯注，但一旦跟上节奏，那种酣畅淋漓的感觉是无与伦比的。尤其是对于几位核心人物心理活动的刻画，细腻得让人心惊，感觉自己不仅仅是在阅读一个乐队的故事，更像是在偷窥几段燃烧殆尽的灵魂。它捕捉到了那种转瞬即逝的、纯粹的、尚未被商业利益污染的朋克精神的精髓。读完后，我感觉耳朵里还嗡嗡作响，仿佛刚从一场震耳欲聋的演出中走出来，心脏仍在剧烈跳动。这绝不是那种适合在安静的午后品茗时阅读的读物，它需要你放下一切，全身心地去感受那种原始的能量。

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这本书的结构安排简直像一首精心编排的交响乐，只不过它的乐器是失真的吉他、破音的贝斯和不稳定的鼓点。我特别欣赏作者在叙事中采用的碎片化处理方式。他没有按照严格的编年史来推进，而是像一个醉酒的目击者，不断地在不同的时间点和地点之间跳跃，用大量的第一手访谈资料和未公开的信件片段进行交叉对比，构建出一个多维度的叙事迷宫。这种叙事策略要求读者有一定的耐心去拼凑线索，但回报是极其丰厚的——它避免了枯燥的“XXX年发了第一张专辑，XXX年解散”的套路。最让我震撼的是其中对于“社群”概念的探讨。它不仅仅记录了音乐的诞生，更深入挖掘了这种亚文化是如何提供给那些边缘人群一个身份认同和归属感的庇护所。文字的冷峻和偶尔闪现的黑色幽默形成了强烈的反差，让人在会心一笑的同时，又不由得感到一阵心酸。它成功地揭示了艺术创作的“成本”——不仅仅是金钱上的，更是精神和肉体上的巨大消耗。这是一部充满生命力的文本，它拒绝被简单归类，它在挑战你对“成功”和“失败”的既有认知。

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坦白讲，我最初翻开这本书的时候，是抱着一种猎奇的心理，期待看到一些耸人听闻的轶事。结果我发现自己被一种更为深刻的哲学性思考所吸引。作者似乎在用这个乐队的兴衰作为载体，探讨更宏大的主题：速度与永恒、商业化对艺术纯粹性的腐蚀，以及“反叛”本身在被接受后所面临的内在悖论。书中的语言风格极为成熟，带着一种老练的克制感，即便在描写最激烈冲突的场景时，也保持着一种冷静的旁观者视角。这种疏离感反而增强了事件的冲击力，因为它让你不得不自己去填补情感的空白。它迫使你思考，当一种反主流的文化被主流消费时，它的核心价值是否被抽离了？书中的文献引用和脚注系统异常扎实，可以看出作者在史料考证上的巨大投入，但这丝毫没有影响阅读的流畅性，反而增加了文本的权威感。这是一本需要细细品味的“重量级”作品，它提供的不仅仅是信息，更是一种看待历史和文化现象的全新框架。

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我通常对这种音乐传记类的书籍持保留态度，因为它们很容易沦为对过去辉煌的无休止的怀旧和过度神化。然而，这部作品给我带来了极大的惊喜，因为它有着近乎人类学的田野调查的严谨性，但笔触又极其富有感染力。作者似乎花费了数年时间，走访了每一个可能接触到这段历史的人——从早期的场地老板，到后来的录音师，甚至是那些曾经被时代洪流抛弃的音乐人。这种多角度的审视，让故事的立体感达到了极致。它不像某些传记那样，只聚焦于舞台上的光环，而是毫不避讳地揭示了幕后的混乱、内部的权力斗争以及创作瓶颈带来的巨大压力。尤其是对音乐创作过程的描写，简直像一堂即兴创作的大师课，充满了偶然性、火花和不妥协的坚持。我尤其喜欢书中对环境氛围的描绘，那种特定的城市角落、昏暗的地下室，它们不再是背景板，而成为了塑造音乐性格的同谋。这本书让你明白，伟大的艺术往往诞生于最不“优雅”的环境之中。

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