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出版者:Galilée

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1988-10-12

价格:0

装帧:Reliure inconnue

isbn号码:9782718600734

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 艺术史
• 解构主义
• 现代艺术
• 艺术理论
• 批判
• 图像学
• 哲学
• 文化研究
• 艺术批评

《迷途的航海家：亚瑟的远征》 第一章：风暴前的宁静 亚瑟·芬奇，一个在伦敦东区烟雾缭绕的作坊里长大的年轻人，自幼便对那些描绘着远方大陆和未知海洋的旧地图产生了近乎痴迷的迷恋。他并非出身于航海世家，父亲只是一个技艺尚可但心灰意冷的钟表匠，母亲则早逝，留下他与一个沉默寡言的继母相依为命。亚瑟的童年是在滴答作响的钟摆声和对广阔天地的渴望中度过的。他通过偷听码头水手们的吹嘘和在旧书店里淘来的残破航海日志，构建了一个属于自己的、充满了异域风情的想象世界。 十八岁那年，亚瑟用尽积蓄，买下了一艘被水手们戏称为“病号”的三桅帆船——“信天翁号”。这艘船的龙骨已经腐朽，船帆也饱经风霜，但对于亚瑟而言，它是通往自由的唯一钥匙。他没有经验丰富的船员，只有几个和他一样被生活挤压到角落的年轻人：沉默寡言的厨娘伊芙琳，她似乎对风暴有着一种天生的预感；年仅十六岁，却能用双手修补一切的机械师学徒托马斯；以及一个自称来自南美洲，却从未透露过自己真实姓名的神秘老水手，绰号“影”。 他们的目标设定在一个模糊不清的点上——传说中位于南太平洋深处的一个未被殖民的火山群岛，那里被描绘成一座“浮动的翡翠园”，据说盛产一种能治愈一切疾病的奇异植物。对于渴望证明自己的亚瑟来说，这不是一场寻宝，而是一场对命运的挑战。 出发的日子选在了十一月的第二个星期二。黎明时分，伦敦港口被一层厚重的、带着煤灰味的雾气笼罩着。“信天翁号”缓缓驶离码头，岸边只有少数几个人影在向他们挥手，其中有一个是亚瑟的父亲，他没有说话，只是将一个老旧的黄铜六分仪塞进了亚瑟的手中，眼神中充满了担忧与复杂。 航程伊始，一切都显得过于顺利，仿佛海洋本身都在为他们的鲁莽让路。亚瑟雄心勃勃地制定着航线，他相信自己的计算和直觉。然而，当他们穿过大西洋，进入赤道无风带时，现实的残酷开始显现。燃料耗尽，淡水供应紧张，船员间的摩擦也日益加剧。伊芙琳的预感开始应验，她总是在晴朗的天气里感到一种令人窒息的压抑。 第二章：失语的星空 “信天翁号”在平静得令人不安的海面上漂浮了近三周。在这段停滞的时间里，船上的气氛变得极其紧张。亚瑟开始怀疑“影”的身份。这个老人很少说话，他的皮肤被晒成了深棕色，眼睛里总闪烁着一种不属于这个时代的冷光。他似乎对星星的方位有着超越常识的了解，但在关键时刻，他提供的建议却总是晦涩难懂。 一天夜里，托马斯在船舱底部发现了一个不该存在的东西——一个被海水浸泡得发胀的、用某种未知木材制作的小盒子。盒子里没有财宝，只有一叠用拉丁文写成的、关于古代导航术的笔记，以及一张描绘了奇怪星象图的羊皮纸。这些笔记与亚瑟所知的任何航海理论都大相径庭，它们似乎暗示着，导航并非完全依赖于地理位置，而更多地与天空的特定排列和某种“地磁共振”有关。 亚瑟陷入了沉思。他开始质疑自己航海的全部基础。他试图与“影”对质，但老人只是用一种低沉的、听不懂的语言回应，指了指夜空，然后便消失在船尾的阴影中。 真正的考验发生在他们试图绕过好望角时。一场突如其来的季风将“信天翁号”卷入了一场持续了七十二小时的狂暴风雨中。巨浪如同移动的山脉，试图将他们吞噬。船舵失灵，主桅杆断裂，船员们在恐惧与疲惫中挣扎。 在这场灾难中，亚瑟展现出了惊人的韧性。他不再依赖那些教科书上的知识，而是完全依靠本能和对船的了解，与船共呼吸。在风暴最猛烈的时候，他看到了“影”做了一件令人匪夷所思的事情：他没有去抢救断裂的帆，而是爬上了摇摇欲坠的主桅残骸，将一个他随身携带的、形状奇特的金属球体固定在了桅杆顶端。 当风暴奇迹般地减弱，海面恢复平静时，船员们发现，“信天翁号”虽然受损严重，却奇迹般地没有沉没。更令人不安的是，他们发现指南针完全失灵了，指针疯狂地旋转，指向的方位混乱不堪。他们似乎进入了一个磁场异常的区域。 第三章：翡翠的低语 在接下来的几周里，船员们完全失去了方向感。白天，太阳的位置变得难以捉摸，夜晚，星座的位置似乎也发生了细微的偏移。绝望开始蔓延。伊芙琳变得越发沉默，她开始在船舱里用木炭画着循环往复的几何图形。 “影”终于打破了沉默。在一个无月的夜晚，他将亚瑟叫到甲板上。“孩子，”他的声音如同干枯的树叶摩擦，“我们正在接近‘被遗忘的潮汐’。你所寻找的翡翠园，并不在地图上，它位于‘声音的尽头’。” 他解释道，传说中的岛屿是地球磁场的一个不稳定节点，只有当特定的天体排列与特定的海洋洋流汇合时，它才会短暂地显现。进入这个区域，依靠的不是传统的导航，而是对“地之脉搏”的感知——这正是笔记中所暗示的“地磁共振”。 “影”承认，他并非来自南美，他是一个失落文明的后裔，他们的祖先曾居住在那座岛屿上，并掌握了利用地磁能量的方法。他来寻找亚瑟，是因为他能感应到亚瑟身上那股对未知事物的“纯粹渴望”，那是启动某种古老仪式的必要条件。 亚瑟必须做出选择：相信这个神秘老人的“玄学”，放弃他所受的科学教育；还是坚持固有的航海知识，最终在无尽的海洋中耗尽生命。 他选择了相信。 在“影”的指导下，亚瑟和托马斯修复了那个古老的金属球体，将其改造成了一个简易的“共振接收器”。他们不再看星星，而是聆听海浪的声音，感受船体对水流的细微震动。 当接收器开始发出低沉的嗡鸣声时，天空仿佛被撕开了一道口子。浓雾散去，眼前出现的是一片前所未见的景象：不是火山岛，而是一片由巨大、半透明的结晶体构成的海域。这些晶体反射着午夜的月光，闪烁着幽绿色的光芒，仿佛海洋在呼吸。 “信天翁号”驶入了这片奇异的“晶体之海”。亚瑟知道，他们已经超越了所有已知的地理边界，进入了一个只存在于神话中的领域。然而，这片美丽之下隐藏着巨大的危险。在晶体深处，他看到了一种巨大的、缓慢移动的阴影，它并非生物，更像是一种能量体的聚合，正被这片区域的奇异磁场所吸引。 这趟远征的目的地似乎不再是寻找植物，而是要面对海洋深处那些被时间遗忘的秘密，以及亚瑟自己内心深处对“控制”与“未知”的终极渴望。他们能否活着穿过这片领域，揭开“影”真正的目的，以及那座传说中的翡翠园的真相，都悬而未决。而亚瑟必须依靠的，不再是六分仪，而是他与这艘破旧帆船之间，那份在风暴中锻造出的，近乎于信仰的连接。

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这本书的排版和装帧都透露着一种冷静的疏离感，恰恰呼应了其内容的主旨——对传统艺术形式的审视与疏离。我最欣赏的是作者在处理“身体与绘画”这一议题时的细腻。他没有停留在对身体作为观看主体的讨论，而是深入探讨了绘画行为本身——画笔的挥动、颜料的混合、姿势的维持——这些身体力行如何被历史固化为一种僵硬的“技艺”。书中提到，许多伟大的绘画突破，往往伴随着创作者身体局限性的挣脱，比如抽象表现主义中那种近乎舞蹈化的创作过程。这种将身体经验重新纳入艺术本体论的努力，在我看来是极具启发性的。它提醒我们，艺术绝非纯粹的智力活动，而是根植于物质和肉体的存在实践。这本书的叙述风格像一位经验丰富的老船长，在风暴肆虐的海面上，清晰地指出哪些航道是陷阱，哪些灯塔是虚假的指引。读完，仿佛进行了一次精神上的“断舍离”。

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这本《Detruire la peinture》简直是艺术评论界的一股清流，它没有那种故作高深的理论堆砌，也没有对那些学院派大师的盲目崇拜。作者的笔触非常敏锐，尤其是在探讨“绘画的终结”这一宏大命题时，他没有急于给出结论，而是用一种近乎解构主义的视角，将我们熟悉的绘画史像剥洋葱一样层层剥开。我印象最深的是他对印象派色彩理论的批判性重估，他没有否定莫奈的光影捕捉能力，而是质疑了那种将瞬间感受绝对化的倾向，认为这在某种程度上是对绘画自身“永恒性”的背弃。这种深入骨髓的审视，让我对那些曾经被奉为圭臬的艺术信条产生了全新的认识。更难得的是，书中穿插了大量对当代装置艺术和影像艺术的观察，这些跨媒介的讨论，让“绘画”这个主题获得了极大的延展性。它不像一本教科书，更像是一场思维的漫游，引领读者走出传统画廊的玻璃柜，去思考画布之外的无限可能。读完后，我感觉自己对“什么是艺术”这个问题，又前进了一小步，虽然答案依然模糊，但探索的过程本身就充满了乐趣。

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坦率地说，初读这本书时，我有些被作者那种近乎挑衅的姿态所吸引。他似乎对所有现存的绘画规范都抱有一种天然的不信任感，文字的节奏感极强，充满了思辨的火花，读起来像是在跟随一位才华横溢但脾气有点古怪的导游在迷宫里穿行。他对后现代艺术运动中关于“符号消解”的论述尤为精彩，特别是在分析波普艺术对商品图像的挪用时，他提出的“审美疲劳的逆向循环”理论，真是洞察秋毫。我特别喜欢他用文学化的语言描述那些晦涩的哲学概念，比如他将海德格尔关于“在场”的讨论，巧妙地转化成对数字时代图像失焦状态的比喻。这本书的难点在于，它要求读者必须具备一定的艺术史背景知识，否则很容易在术语的海洋里迷失。但对于那些有准备的读者来说，这绝对是一剂强心针，它会帮你推翻很多陈旧的认知，让你以一种近乎“破坏性”的姿态去重建你对视觉艺术的理解框架。它不是在教你如何欣赏，而是在教你如何质疑。

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这本书的阅读体验非常“消耗脑力”，但绝对物超所值。我感觉作者对媒介本体论的探讨达到了一个新的高度。他不仅关注了画布上的颜料和纹理，更深入挖掘了绘画从壁画到油画，再到数字屏幕上像素点阵的演变过程中，其内在的权力结构是如何转移的。其中有一章专门讨论了学院派素描训练的“权力固化效应”，这种批判视角相当犀利，它揭示了看似公正的技法教学背后，是如何服务于特定的审美霸权。我的一个画家朋友说，这本书读起来像是给他的创作过程做了一次深层次的“反向工程分析”。书中对于文艺复兴透视法与科学理性兴起的关联性分析，极其扎实，逻辑链条紧密得让人喘不过气来。但即便如此，作者依然保持了一种克制的、学术性的幽默感，使得整本书读起来既严肃又活泼，避免了陷入纯粹的学院派枯燥。这是一部真正意义上的当代艺术思想的里程碑式作品，值得反复研读。

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我发现这本书的视角非常独特，它似乎总能找到一个意想不到的切入点来解构“绘画”。比如，作者对“空白”在绘画中的作用进行了近乎偏执的分析。他探讨了留白如何从一种构图元素，演变成一种对“信息过载”的抵抗策略，甚至上升为一种后现代的政治宣言。这种对“缺席”的关注，比单纯分析“在场”的图像更具穿透力。此外，书中对“模仿论”的现代诠释也令人耳目一新，它不再将模仿视为低级的复制，而是将其视为当代文化中权力关系循环播放的机制。作者的语言功底极高，他似乎能驾驭任何一种文体，从严谨的哲学论证到散文化的随笔片段，转换得丝滑流畅。对于那些渴望超越传统美学范畴，探索视觉文化深层机制的读者而言，这本书无疑是提供了一把精准的手术刀，让你能够剖开艺术的皮囊，直抵其核心的时代精神。

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