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出版者:Humanities Press

作者:Peter J. Ucko (editor)

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1977

价格:0

装帧:Unknown Binding

isbn号码:9780391008649

丛书系列:

图书标签:

• Indigenous Art
• Form
• Art History
• Visual Culture
• Aesthetics
• Design
• Cultural Studies
• Anthropology
• Native American Art
• Oceanic Art
• African Art

《古老图腾的现代回响：当代原住民艺术中的形式语言与文化叙事》 图书简介 本书深入探讨了当代原住民艺术领域中，形式语言的演变、创新及其与文化身份、历史记忆和社会批判的复杂互动。我们聚焦于艺术创作中的核心元素——色彩、线条、构图、材质与符号系统——如何被艺术家们重新诠释，以适应全球化语境下的叙事需求，并构建起跨越时空、连接传统与未来的视觉桥梁。 第一部分：形式的溯源与当代重构 本部分旨在追溯不同地域原住民艺术中传统形式语言的根基，并分析它们在现代语境中经历的深刻变革。 第一章：地域性色彩的语义场域 深入考察不同地理环境中（如澳大利亚内陆的赭石色调、太平洋西北海岸的原木色系、北美大平原的鲜亮对比）原住民艺术家如何运用自然界提供的矿物与植物颜料。我们分析这些色彩并非仅仅是装饰性的，而是承载着特定物种的生命力、祖先的知识和特定地理环境的宇宙观。着重探讨，当代艺术家如何将传统色彩的局限性打破，引入工业颜料或数字调色板，但仍保持其内在的文化张力。例如，某个特定蓝色或红色可能在传统上代表了水源或战争的意义，而在现代画布上，它被用来表达对环境破坏的忧虑，形式上的“纯净度”被“情绪的浓度”所取代。 第二章：线条的张力与动态叙事 线条是原住民艺术中最具识别性的元素之一，它既是标记疆界的方式，也是描绘梦境轨迹的工具。本章细致剖析“点画法”、“卷曲线”（Rarrk）或“涡旋”（Formline）等标志性技法中的结构逻辑。我们探讨点画中的密度变化如何模拟土地的颗粒感或星辰的分布；以及“Formline”中粗细、张弛的线条如何象征着能量的流动与生物的相互关联性。同时，当代艺术家如何通过打破传统的线条连续性，或采用极简主义的粗粝线条来表达身份的断裂感或对殖民历史的抵抗，形成一种“断裂的美学”。 第三章：空间、构图与非欧几里得几何 原住民艺术常常挑战西方绘画中固有的透视法和单点视角。本章关注其构图的“全景式”或“多重时间性”特征。例如，在某些岩画或编织品中，时间不是线性的，而是可以同时被观察到的。我们会分析艺术家如何利用重复的图案、对称与不对称的平衡，以及如何将内部结构（如动物的骨骼或身体内部的生命力）置于外部可见轮廓之上。在当代雕塑和装置艺术中，这种“非欧几里得”的空间观被如何转化为对“家园”和“归属感”的重新定义。 第二部分：材质的转换与身体的印记 材质的选择往往直接关联到地域资源与创作意图。《古老图腾的现代回响》将材料视为一种媒介和一种政治声明。 第四章：从天然到合成：材质的文化政治 本章比较了传统材料（如树皮、兽皮、粘土、天然纤维）与现代材料（如回收金属、塑料垃圾、数字介质）在当代艺术中的运用。传统材料的使用，往往是对土地和技术的忠诚宣言；而现代材料的介入，则成为对消费主义、污染和文化挪用的直接回应。例如，使用废弃渔网编织的海洋生物形态，其材质本身的“污名”恰恰增强了作品关于生态危机的批判力量。我们侧重于材料的触感（Haptic quality）如何影响观众对作品的感知，以及这种触觉体验如何跨越语言障碍。 第五章：身体作为媒介：身体的印记与拓印艺术 许多原住民艺术形式与身体行为密不可分，如仪式性的身体彩绘、刺青或表演。本章探讨了当代艺术家如何将身体的“在场性”转移到永久性的艺术品中。分析手印、脚印、或身体特定部位的拓印如何超越简单的签名，成为一种对生命过程、血脉延续或创伤记忆的直接证明。这种对身体界限的探索，也常与性别身份和身体自主权议题相关联。 第三部分：符号的解码与全球对话 原住民艺术的符号系统复杂而深邃，它们既是历史档案，也是面向未来的密码。 第六章：梦境、祖先与世俗化 深入解析“梦境”（Dreaming/Tjukurrpa）在当代艺术中的表达。我们区分了传统符号在仪式语境中的严格意义，与艺术家在展览空间中为应对外部观众而进行的“转译”或“简化”。讨论如何平衡文化保密性与艺术传播的需要。符号的“世俗化”并非贬低，而是一种策略性地将深层知识嵌入到可供公众讨论的视觉框架中的方式。 第七章：从地方性到全球性：认同的流动性 本章考察了全球艺术市场和双年展体系对原住民艺术形式的接纳与挑战。分析当代艺术家如何利用跨文化的视觉语言，如将传统图案融入抽象表现主义或概念艺术的框架中，以实现文化间的对话，而非简单的同化。重点讨论“身份政治”的复杂性——艺术家如何在坚守核心文化价值的同时，展现出作为全球公民的流动性和多重身份。 第八章：批判性形式：抵抗、记忆与修复 最后，本章将重点放在艺术形式作为社会和政治工具的力量。分析艺术家如何利用夸张的比例、颠覆性的材质组合或强烈的视觉对比，来表达对土地流失、历史不公和文化灭绝的控诉。探讨那些旨在“修复”历史断裂或“重新命名”被殖民历史的艺术实践，它们如何通过形式上的颠覆，重建一种具有主体性的叙事空间。 结论：形式的未来语态 本书总结认为，当代原住民艺术的形式语言是一种充满韧性和适应性的视觉哲学。它在传统符号的重量与现代表达的轻盈之间找到了动态的平衡点，持续为全球艺术界提供着关于存在、土地和时间的最深刻的反思。 目标读者： 艺术史研究者、当代艺术评论家、文化人类学家、以及对全球视觉文化与身份政治感兴趣的普通读者。

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坦白说，《原住民艺术中的形态》这本书在我的书架上已经躺了一段时间，我一直有些畏惧它可能带来的学术性的挑战。然而，当我真正翻开它，却发现自己完全被吸引住了。作者以一种极其平易近人的方式，剥开了原住民艺术的层层面纱，让我看到了隐藏在那些独特视觉语言背后的深刻含义。我过去对某些原住民艺术的理解，常常停留在“原始”、“神秘”这些标签化的认知上，而这本书则提供了更为 nuanced 和 nuanced 的视角。它细致地阐述了不同文化群体如何运用特定的几何图案、色彩组合、以及动态的线条来表达复杂的思想和情感。书中对于“形状”作为一种“叙事工具”的分析，让我恍然大悟。那些看似简单的线条和图形，在原住民的文化语境中，可以讲述关于创世神话、英雄传说、动物迁徙，甚至是星辰运行的宏大故事。我特别喜欢书中对“重复”与“变化”在原住民艺术中的作用的探讨，这种微妙的平衡，既体现了文化的稳定性和传承性，又蕴含着个体创造力和精神的演进。这本书不仅丰富了我的艺术知识，更重要的是，它让我对人类文明的多样性产生了更为深刻的敬意和好奇。

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《原住民艺术中的形态》这本书，以一种温和而充满启发的方式，改变了我对“形式”的理解。我原本以为“形态”更多地是一种外在的、视觉上的呈现，但这本书却让我意识到，在原住民艺术中，形态本身就蕴含着深刻的意义和强大的力量。作者没有生硬地灌输理论，而是通过对具体作品和文化背景的细致描绘，让我逐渐理解那些形态是如何在特定的环境中孕育、演化并被赋予生命力的。我尤其被书中关于“流动性”和“转化性”的论述所吸引。很多原住民艺术的形态并非是固定不变的，它们可以随着时间和环境的变化而展现出不同的含义，这种动态的、非线性的理解方式，与我们西方艺术的静态、独立的视角截然不同。书中对澳大利亚“梦想时间”艺术中那些蜿蜒的线条和点状图案的分析，让我看到了空间、时间和精神如何通过形态交织在一起，形成一个相互关联的宇宙。我仿佛能够感受到那些艺术家们是如何倾听大地的声音，捕捉自然的韵律，并将这些无形的力量转化为可见的形态，而这些形态又反过来影响着他们的生活和信仰。这本书让我意识到，艺术并非只是人类的创造，它更是与自然、与宇宙的一种对话，一种融合。

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这本《原住民艺术中的形态》着实让我对那些跨越千年、扎根于土地的艺术形式产生了全新的认识。我一直对那些充满象征意义的图案和物件感到着迷，但往往止步于表面的欣赏。这本书却如同一个温厚的向导，带领我深入那些被时间洗礼过的视觉语言背后。它不仅仅是罗列了各种各样的形态，而是细致入微地剖析了这些形态是如何与原住民的世界观、宇宙观、以及他们赖以生存的自然环境紧密相连的。从澳大利亚的“点画”中那些仿佛凝固了时间流动的星辰轨迹，到北美太平洋西北地区图腾柱上力量与精神的化身，作者并没有简单地将这些视觉元素视为装饰，而是将其视为承载着历史、神话、社会结构乃至治愈力量的载体。我尤其印象深刻的是书中关于“形状”在特定文化语境下的“生命力”的论述，这种将静止的形态赋予动态生命力的视角，让我意识到我们在审视原住民艺术时，往往忽略了其深层的精神内核。这本书迫使我重新思考“观看”的意义，不再仅仅是视觉上的捕捉，而是深入到对文化肌理的理解与共情。那些几何图形、抽象符号，在作者的阐释下，不再是冰冷的图案，而是跳跃的生命，是祖先低语的回响，是大地脉搏的律动。我仿佛能感受到那些遥远的目光，透过那些形态，洞察着宇宙的奥秘，诉说着生命的轮回。

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阅读《原住民艺术中的形态》的过程，是一次智力与情感的双重洗礼。我一直对那些充满象征意义的原住民艺术品感到好奇，但却常常不知从何入手去理解它们。这本书就像一位睿智的长者，用耐心和深刻的洞察力，引领我走进一个充满奇妙形态的世界。它不是简单地罗列艺术品，而是深入探讨了这些形态是如何与原住民的生活方式、宇宙观、以及社会结构紧密联系的。我最深刻的体会是，原住民艺术的形态并非是孤立的装饰，而是具有功能性和目的性的。它们可以作为地图，指引方向；可以作为咒语，祈求平安；可以作为故事，传承历史。书中对北美原住民“佩约特”图案的分析，让我看到了这些看似简单的几何图形是如何承载着复杂的精神旅程和治疗仪式。我被书中关于“视觉语言”的论述所打动，那些线条、色彩、形状，在原住民的文化中，构成了一套独特而丰富的视觉语言，能够传达出我们现代语言难以言喻的深层意义。这本书不仅让我对原住民艺术有了更深的理解，更重要的是，它让我重新审视了艺术在我们生活中的角色，以及那些被我们忽视的、蕴含着丰富智慧的视觉表达方式。

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《原住民艺术中的形态》是一次令人耳目一新的阅读体验，它挑战了我之前对“艺术”的固有认知。我习惯于将艺术理解为某种纯粹的审美追求，但这本书却将我拉回到了艺术的源头，那个与生存、信仰、仪式紧密交织的原始状态。书中对不同文化群体艺术形态的呈现，并非是孤立的展示，而是将其置于其社会、历史和地理环境中进行考察，让我看到形态的演变与文化的变迁是如何相互影响、彼此塑造的。例如，书中对新西兰毛利人雕刻中那些螺旋状、曲线状的纹饰的深入解读，不仅仅是欣赏其技艺上的精湛，更是理解了这些形态如何承载着家族谱系、神话故事，以及与祖先连接的精神纽带。我尤其被书中关于“连接”这一概念的强调所打动，原住民艺术的形态，很多时候是为了建立人与人、人与自然、人与神灵之间的联系而存在。它们是沟通的桥梁，是精神的信物，是宇宙秩序的体现。阅读过程中，我仿佛置身于一个古老而神秘的世界，那些我从未想象过的色彩、线条和形状，在我眼前活了起来，诉说着属于它们自己的语言。这本书让我深刻体会到，艺术并非只存在于博物馆和画廊，它更广泛地存在于我们生活的土地上，以各种各样的形式，默默地传递着古老智慧和生命的力量。

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