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页数:1101

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出版时间:1970-1

价格:380.00元

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isbn号码:9787805268446

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• 中国工美
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• 中国特色
• 手工艺

《文脉赓续：古代工艺美术的千年流变》 一部跨越千年，深度解构中国古代工艺美术发展脉络的恢弘巨著。 本书并非关于当代“工美报告”的行业观察，而是对中国数千年工艺技术、审美风尚、制度变迁及其背后文化意蕴的系统梳理与精妙阐释。 --- 内容梗概： 《文脉赓续：古代工艺美术的千年流变》并非聚焦于现代工业设计或当代工艺美术产业现状的报告文学，而是一部立足于历史学、考古学与艺术史学视角的、对中国古代工艺美术从史前萌芽到清代中晚期演变轨迹进行深度剖析的学术专著。全书以时间为轴，以材质与技术为纲，构建了一部从“物”的层面回溯“道”的中国古代手工业文明的完整图景。 全书共分为六个主要部分，详尽描摹了中国工艺美术在不同历史阶段所展现出的独特风貌与时代精神： 第一编：神性的塑造——史前与夏商周的青铜、玉石文明 (约公元前8000年至公元前221年) 本编深入探讨了中国工艺美术的“源头活水”。我们不再满足于对简单器物的罗列，而是着重分析了玉器的礼制化过程及其所承载的原始信仰体系。重点章节深入剖析了商周时期青铜冶铸技术的飞跃，如何从单纯的实用工具演变为“列鼎而食”的政治权力图腾。通过对饕餮纹、夔龙纹的符号学解读，揭示了早期宗法制度对工艺造型的根本性约束与审美导向。同时，对原始漆器的雏形与早期几何纹饰的出现进行了细致考察，为后续工艺的复杂化埋下伏笔。 第二编：气韵的流动——秦汉至魏晋南北朝的实用美学与多元融合 (约公元前221年至公元581年) 秦汉大一统王朝对工艺的要求体现出磅礴的力量感与秩序性。本编详尽考察了画像石、画像砖的雕刻技艺，阐释了这种“平面叙事”如何成为汉代民间审美的主流载体。重点分析了汉代金银错、鎏金技术的成熟，以及它如何服务于皇权与贵族的奢靡生活。进入魏晋南北朝，本书深入探讨了佛教艺术的“域外风物”如何融入本土工艺，尤其关注了早期陶瓷釉色（如三彩的雏形）和织锦技术的革新，体现出民族大迁徙背景下工艺的“兼收并蓄”。 第三编：盛唐的辉煌——技术、贸易与国际影响的巅峰 (公元581年至907年) 唐代是中国古代工艺的鼎盛时期，本书将其视为一个集大成的关键节点。重点解析了长沙窑、邢窑等地方窑口的技术突破，及其通过海上丝绸之路对东亚乃至中东地区审美趣味产生的辐射效应。专题研究了唐代金银器的锻造工艺，特别是对宝相花、联珠纹等国际化母题的本土化改造。此外，对唐代乐器、服饰工艺的精微之处进行了细致描摹，展现了“万国来朝”背景下工艺的自信与包容。 第四编：理性的精致——宋代的文人趣味与技术内敛 (公元960年至1279年) 宋代是中国工艺审美从外放的盛唐转向内敛、注重“意境”的转折期。本书认为，文人士大夫阶层对“格物致知”的推崇，深刻影响了工艺的研发方向。核心章节聚焦于汝、官、哥、定、钧五大名窑，不再局限于色彩描述，而是运用现代材料科学的视角，探讨了釉料配方中对“天人合一”哲学追求的物质体现（例如对开片、自然光泽的极致把控）。同时，详述了宋代珐华工艺的兴起，以及铜镜、漆器的技术细节如何体现出宋人对极简与和谐的偏爱。 第五编：集权的整合——元明清的官营手工业与技术垄断 (公元1279年至1911年) 元代短暂的外来影响后，明清两代工艺制度化达到了前所未有的高度。本书重点分析了御窑制度的运作模式，揭示了官营手工业如何通过严格的“造办处”体系，实现对关键技术（如彩绘、描金、透雕）的垄断与标准化。对于明代永乐大典所依托的雕版技术，以及清代景德镇彩瓷（如粉彩、洋彩）的复杂工艺链条，进行了系统的流程再现。内容着重区分了官窑的“规范化”与民窑的“市井化”之间的审美张力。 第六编：工艺的传承与断裂——技术知识的隐性流传 本编是对前述五编的总结性探讨，关注工艺知识的传递方式。研究发现，古代精湛技艺的传承多依赖于师徒间的口传心授与秘方记录，而非系统的印刷出版。本章通过对明清匠人笔记、地方志中零星记载的梳理，尝试重建部分失传的镶嵌、镀金以及特定染料的制作过程，强调了这些技术知识的“非文本化”特性及其在近代工业化冲击下面临的失传风险。 --- 本书特色与学术价值： 1. 拒绝碎片化叙事： 本书摒弃了简单地罗列“名器”的传统手法，而是将每一种工艺的演变置于其所处的社会结构、政治气候和经济基础中进行考察，强调“物为人用，事由心生”的逻辑链条。 2. 技术细节的考古学还原： 运用现代材料分析的理念，对古代的冶金、烧制、着色等环节进行了严谨的推演和复原性描述，力求揭示古代工匠在没有现代仪器下所达到的技术极限。 3. 审美哲学的深度挖掘： 深入探讨了不同时期工艺造型、纹饰布局如何反映当时的主流哲学思潮（如道家的自然观、儒家的伦理观），将工艺从“技艺”提升至“文化符号”的高度。 4. 跨越国界的视角： 不将中国工艺史视为孤立发展，而是将其置于欧亚大陆的技术交流网络中，考察技术、纹样和物种（如特定矿物颜料）的相互影响。 《文脉赓续》是一部旨在重构中国古代手工业文明宏伟叙事的力作，它带领读者穿透历史的迷雾，亲身感受千年匠心如何通过泥土、金属与丝线，塑造了一个文明的独特气度与不朽风华。它关乎历史的精度，更关乎我们对“中国制造”背后精神内核的追溯。

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不得不提，《中国工美报告》这本书，在细节之处的呈现简直是无可挑剔！我一直是个对细节特别在意的人，而这本书恰恰满足了我的这一癖好。作者在描述每一种工艺时，都极其注重那些容易被忽视的微小之处。例如，在介绍中国传统绘画的笔法时，它详细分析了不同笔触的力度、速度、墨色变化所能达到的不同效果，甚至连画师在运笔时的呼吸频率都似乎被捕捉到了。还有关于书法，它不仅仅是讲了字体的演变，更深入到每一个笔画的书写技巧，以及这些技巧所蕴含的作者的情绪和意境。这种对“工”的极致追求，贯穿了整本书。让我特别感动的是，书中还穿插了一些关于古代工匠的轶事和传说，这些生动的故事让那些遥远的工匠形象变得鲜活起来，也让我感受到了他们对艺术的热忱和 dedication。读到这些部分，我常常会停下来，想象着那些在故宫深处、江南水乡、或是北方边陲，默默耕耘的匠人们，他们的双手承载着家族的传承，也塑造着中国的文化。这本书让我意识到，真正的美，往往就藏在那些毫厘之间的精巧和用心之中。

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《中国工美报告》这本书，让我对“传承”这个词有了全新的理解。我一直认为传承就是简单地复制和模仿，但读了这本书，我才明白，真正的传承，是在尊重传统的基础上，不断地创新和发展。书中有很多关于当代中国工艺大师的案例，他们如何在继承了祖辈技艺的同时，又融入了现代的审美和技术，创造出了独具时代特色的作品。这种“古为今用，洋为中用”的精神，让我看到了中国传统工艺顽强的生命力。我特别欣赏其中关于“非物质文化遗产”保护的探讨，作者并没有简单地呼吁保护，而是深入分析了保护过程中面临的挑战，以及如何让这些古老的技艺在现代社会找到新的生存空间。这本书传递出的信息，是一种积极而乐观的对中国传统文化的自信。它让我觉得，中国的工匠精神，并没有消失，只是换了一种方式，在继续闪耀。读完这本书，我感到了一种强烈的民族自豪感，也对中国传统工艺的未来充满了期待。我迫不及待地想去亲自看看那些我读过的那些精美绝伦的工艺品，去感受那份跨越千年的匠心。

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我必须要说，《中国工美报告》这本书，真的颠覆了我对“报告”这个词的印象。我原本以为“报告”会是那种干巴巴的数据堆砌、枯燥的分析，但这本书完全不是。它以一种非常宏大而细腻的视角，展现了中国传统工艺的辉煌成就和深远影响。让我感到震撼的是，作者不仅仅是在列举各种工艺品，而是将它们置于一个更广阔的历史和社会语境中去考察。比如，它分析了不同朝代审美趣味的变化如何影响了玉器和漆器的发展，又探讨了丝绸之路对中国纺织品工艺的促进作用。这种跨学科的整合能力，让这本书的视野非常开阔，也让我对中国古代文明有了更深层次的理解。我印象最深的是关于“天人合一”理念在家具设计中的体现，作者通过对榫卯结构的精妙讲解，让我看到了中国古代匠人是如何将自然法则融入到人造物品中，达到一种和谐的境界。这种哲学层面的解读，让这本书不仅仅停留在技艺的层面，更触及了中国传统文化的核心。而且，书中引用的史料也非常丰富，参考文献也做得相当扎实，读起来很有说服力。我感觉这本书像一本百科全书，又像一部史诗，让我从全新的角度认识了中国工艺的博大精深。

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这本书《中国工美报告》带给我的，是一种前所未有的“触感”体验。即使是在文字的世界里，我也能仿佛感受到那些精美绝伦的工艺品在我手中。作者在描述各种材质的触感时，用词非常生动且有画面感。例如，描绘汝窑瓷器的温润如玉，或是景泰蓝珐琅的冰凉细腻，再到缂丝的丝滑柔韧，我都仿佛能通过文字触摸到它们的质感。它不仅仅是让你“看”到，更是让你“感”受到。书中对色彩的运用和解读也十分到位，它不只是简单地描述颜色，而是深入分析了不同颜色在中国传统文化中的象征意义，以及它们是如何被巧妙地运用到器物和服饰中的。我尤其喜欢关于“五色观”的讲解，将五种颜色与五行、五方、五时等概念联系起来，让我对中国人的色彩哲学有了更深的认识。而且，这本书的排版和插图也做得非常考究，每一张图片都仿佛是精心挑选的艺术品，与文字相得益彰，极大地增强了阅读的沉浸感。读这本书，就像是置身于一个琳琅满目的艺术宝库，而我，则是一个幸运的探索者，不断发现着新的惊喜。

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天呐，我最近真的是沉迷在一本叫做《中国工美报告》的书里，简直是欲罢不能！这本书给我最直观的感受就是，它太“懂”中国传统工艺了。不是那种浅尝辄止的介绍，而是深入骨髓的挖掘。我一直以为自己对中国的剪纸、陶瓷、刺绣这些东西有些了解，但读了这本书才知道，我之前看到的不过是冰山一角。作者对每一种工艺的起源、演变、技法、地域特色，甚至到它背后蕴含的哲学和文化寓意，都做到了娓娓道来，却又层层递进。我特别喜欢其中关于“点线面”在传统工艺中的运用的解读，那种从最基础的几何元素里看到无穷变化的可能性，让我重新审视了那些我熟悉的器物，仿佛打开了新世界的大门。书中列举的案例也非常精彩，从景德镇的青花瓷，到苏州的缂丝，再到苗族的银饰，每一个都像一个鲜活的生命，有自己的故事和情感。我常常在阅读的过程中，脑海中就会浮现出那些工匠们在灯下专注劳作的场景，他们的双手仿佛能与材料对话，将平凡的泥土、丝线、金属，幻化成一件件惊艳的艺术品。这本书的叙述方式也让我印象深刻，它既有学术的严谨，又不失文学的温度，读起来一点都不枯燥，反而充满了阅读的乐趣。我感觉自己不仅是在读书，更像是在进行一场穿越时空的文化对话。

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