具体描述
This book on the art of the twentieth century is published almost ten years after the end of the so-called "short century"—which, in terms of art, was anything but short—and is a valuable tool for reflection. The author has placed a series of works in sequence, accompanied by easy to understand critical commentary. With concise introductions devoted to every significant art movement and more than 400 color illustrations, this volume enables the reader to become familiar with the fascinating and complex world of contemporary art from futurism to pop-art, dada to conceptual. Presented are some of the most famous artists of the twentieth-century—from Arp to Brancusi, Bacon to Basquiat, Gris to Koons, Gaudi to Schnabel, Warhol to Grant Wood—and their greatest masterworks—never before have they been so accessible as they are in this format.
作者简介
目录信息
读后感
开始阅读，很多现代艺术的表现就是杂物的堆积，让你看不出美。 1850年以后照相技术的发展，让艺术表现现实的需求和作用降低，以前追求细节的油画和雕塑出现新的流派。
评分开始阅读，很多现代艺术的表现就是杂物的堆积，让你看不出美。 1850年以后照相技术的发展，让艺术表现现实的需求和作用降低，以前追求细节的油画和雕塑出现新的流派。
评分开始阅读，很多现代艺术的表现就是杂物的堆积，让你看不出美。 1850年以后照相技术的发展，让艺术表现现实的需求和作用降低，以前追求细节的油画和雕塑出现新的流派。
评分开始阅读，很多现代艺术的表现就是杂物的堆积，让你看不出美。 1850年以后照相技术的发展，让艺术表现现实的需求和作用降低，以前追求细节的油画和雕塑出现新的流派。
评分开始阅读，很多现代艺术的表现就是杂物的堆积，让你看不出美。 1850年以后照相技术的发展，让艺术表现现实的需求和作用降低，以前追求细节的油画和雕塑出现新的流派。
用户评价
我的阅读体验，简直像是在攀登一座思维的珠穆朗玛峰。**《Art》**这本书的结构极其晦涩，它似乎故意避开了传统的时间线叙事，转而采用了一种“主题螺旋上升”的方式来组织内容。你可能在前一章还在讨论古希腊雕塑的断臂之谜，下一章却跳跃到二战后美国抽象表现主义对“身体缺失感”的哲学回应，两者之间看似毫无关联，但当你读到第三层级的注释时，作者天才般地揭示出，两者都指向了对“完美范式瓦解”的共同焦虑。这种非线性的、高度跳跃的论证方式，对读者的背景知识储备要求极高，我常常需要停下来，查阅数个不同领域的词汇才能跟上作者的思绪。特别是在讨论二十世纪先锋派艺术对“物质性”的挑战时，他引入了现象学和后结构主义的复杂理论框架，将一件装置艺术的“存在”问题，提升到了本体论的讨论层面。这本书的句子冗长而句法复杂，充满着多重从句和嵌套结构，每一次成功理解一个长句的真正含义，都像是一次智力上的小胜利。它不是在“解释”艺术，而是在用艺术作为媒介，探讨形而上学的终极命题，对普通爱好者来说，这绝对是一次充满挫败感但又极度酣畅淋漓的智力冒险。
评分翻开这本**《Art》**，我立刻被那种扑面而来的、沉甸甸的学院气息所吸引。它不像那种轻飘飘的艺术史概览，更像是直接把我拽进了某个古老的美术馆的地下档案室。初读之下，我惊觉作者在对文艺复兴时期佛罗伦萨画派的“光影处理”这一细微之处的剖析，其深度堪比博士论文的边角注。他并没有停留在对达芬奇或拉斐尔那些耳熟能详的作品进行简单复述，而是聚焦于那些几乎被主流教科书忽略的二线画师，比如皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡，对他那近乎几何学的透视法进行了近乎痴迷的拆解。那种分析的严谨性，对颜料成分、画布底料处理的详尽描述，让我感觉自己不是在阅读艺术评论，而是在进行一次考古发掘。特别是关于“湿壁画颜料在不同湿度下的老化曲线”那一章，引用的文献资料横跨了五个世纪，从文艺复兴时期的工匠笔记到上世纪八十年代的化学分析报告，这种跨学科的熔炉效应，让原本枯燥的技术细节焕发出历史的厚重感。我花了整整一个下午，才啃下关于“提香晚期笔触中‘不可言喻的忧郁’的色彩学解读”，那种学术的密度和对细节的苛求，着实是对读者专注力的极大考验，但回报是清晰可见的——我对“色彩如何承载情绪”的理解，被提升到了一个前所未有的哲学高度。这本书，绝非茶余饭后的消遣之作，它要求你带着显微镜去阅读，去思考。
评分我是在一个阴雨连绵的周末，抱着消遣的目的随手翻开**《Art》**的，但很快就发现自己掉进了一个充满“语境迷宫”的陷阱。这本书的独特之处在于，它完全不关注艺术品本身，而是痴迷于“艺术品缺席后的权力转移”。作者似乎认为，一件艺术品一旦被创作出来，其生命力就转移到了它所处的“语境”之中——即展览空间、博物馆的分类标签、媒体的报道角度，乃至公众的集体记忆。他用极具讽刺意味的笔调，分析了某件标志性雕塑在被盗窃和修复过程中，其“原作性”是如何被一步步地消解和重塑的。他探讨的不是雕塑的美，而是围绕雕塑建构起来的一整套符号系统和价值链条。特别是关于“复制品与原作的道德差异”这一章节，作者引用了福柯对知识权力结构的分析，将博物馆的收藏行为解读为一种对历史叙事的垄断和清洗。这种抽离于实物的、专注于“关系”和“权力网络”的分析视角，极大地拓展了我对艺术社会学的理解边界，让我开始关注那些被遮蔽的、围绕艺术品运行的无形机制，读完后，看待任何艺术展览都会多一层警惕和审视的眼光。
评分老实说，当我拿到**《Art》**这本书时，内心是有些抵触的。我期待的是那种能激发灵感的、充满激情的艺术解读，结果这本书的开篇导言，如同冷水澡一般，直接泼灭了我所有的浪漫幻想。作者的笔调极其克制，近乎是一种病态的客观，他似乎对艺术作品背后的“美学”或“情感”毫无兴趣，完全沉浸在对艺术品生产流程的社会学考察中。比如，他花费了大量的篇幅来论证十八世纪巴黎沙龙制度下，艺术赞助人阶层对“可接受的主题范围”的隐形控制力，将艺术创作定义为一种高度结构化的市场博弈。读到他对印象派初期，莫奈的作品是如何被当时的评论界视为一种“不雅的、带有中产阶级户外郊游低俗气息的”产物，并且这种偏见如何影响了画作的最终售价和博物馆的收藏策略时，我感到了一种强烈的、对艺术界虚伪性的揭露。这种分析角度，完全颠覆了我之前对“天才艺术家”的浪漫想象，取而代之的是一幅关于权力、金钱和审美霸权的冰冷图景。这本书读起来，与其说是欣赏艺术，不如说是在解剖一个复杂的社会机器，每一个段落都充满了对既有艺术神话的系统性解构，其逻辑的冷酷和结论的犀利，让人读完后对“艺术”这个词汇本身都产生了审慎的怀疑。
评分说真的，这本书**《Art》**完全不像一本艺术书籍，它更像是一本关于人类感官和认知局限性的神经科学专著，只不过它的“实验对象”恰好是视觉艺术。我注意到作者几乎没有引用任何艺术史学家的话语，而是大量引入了视觉心理学和认知神经科学的最新研究成果。例如，他详细阐述了人类大脑如何处理“不和谐色彩组合”时产生的杏仁核反应，并将此与巴洛克时期卡拉瓦乔作品中戏剧性的明暗对比进行了关联，试图用生物学机制来解释为何某些艺术形式会引发强烈的情感冲击。这种纯粹的科学化处理，彻底剥离了艺术的神秘光环，将其还原为一种对视觉系统的特定刺激和反馈循环。读到关于“深度错觉在二维平面上的欺骗性构建”的那一部分时，作者甚至引用了眼动追踪仪的数据，来分析观众在凝视某一幅立体主义画作时瞳孔微扩张的模式。这种将艺术经验量化、数据化的尝试，令人既兴奋又感到一丝寒意，它宣告了一种新的、更具实证精神的艺术研究范式的崛起，让一切基于个人主观感受的赞美显得如此脆弱不堪。
评分作为画册，文字部分不含糊。另外在QUOTE作为装帧方式盛行的今天，其中QUOTE部分的有用性令人感动= =
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