具体描述
《发展中的书籍艺术》这本书的意图是，指明书籍形式和书籍内容之间的内在联系。读者只要对它发生兴趣，就会从本书中得到一些收获，能够体验到现代技术和审美观对于书籍装帧的一些影响：两个方面，技术的和美学的；体验到在最近十年中的变化，一部分是影响深远的，另一部分是时髦的但也是短暂的。这种变化，自1951年以来，由书籍艺术基金会历年在“50本最美的书”竞赛中评选出的书籍中得到了充分反映。这一段时间和这种评选就是这本《发展中的书籍艺术》梗概的范围和基础。
目录
书籍艺术在美学上的发展
书籍艺术在技术上的发展
阅读
版面设计家——手工业者
环境和书籍艺术
书籍建筑艺术
书籍作为书籍
封面设计
护封设计
作者简介
汉斯·彼得·维尔堡，国际著名书籍艺术家、专业理论家和社会活动家。1930年10月4日出生于德国纽伦堡，1952年在斯图加特美术学院学习版面设计、字体设计、书籍装帧和插图，1957年毕业。
1957年与平面设计家布里吉塔·维尔堡结婚，作为书籍艺术家合作为各出版社设计护封、插图、版面设计和出版社广告。1968年至1975年担任法兰克福“书籍艺术基金会”管理处负责人，组织举办一年一度的“最美的书”（eines der Schönsten Bücher）竞赛，主编书籍艺术理论刊物《版面设计家肖像》，为促进书籍艺术的发展组织举办各种展览和有关活动。
1975年至今在美因茨美术学院担任教授，书籍装帧系主任。发表了大量关于书籍艺术的文章并出版了多种专著，如《发展中的书籍艺术》和《封面设计手册》等。在各种书籍竞赛中获诸多奖赏。并担任莱比锡国际书籍艺术展览会国际评审会员会委员。1980年受邀在北京中央美术学院讲学，收到一致好评。
目录信息
读后感
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用户评价
拿到这本书时，我就注意到了它在实体上的质感，这本身就是一种高明的“剧透”。装帧设计本身就体现了某种前卫的克制，纸张的选择偏向粗粝的触感，墨水的运用也极富层次感，仿佛作者在用这本书的“身体”先行阐述他的观点。我尤其欣赏的是书中对“时间性”在书籍艺术中的体现的探讨。作者没有停留在静态的美学分析上，而是深入挖掘了书籍如何记录、折射或加速我们对时间的感知。举例来说，关于那些需要“激活”才能完整阅读的书籍——比如需要通过光照或温度变化才能显现文字的实验性作品——这些讨论不仅新颖，而且引人深思。这种对“体验”的强调，让人意识到书籍艺术不再是静置于博物馆中的文物，而是需要互动的、有生命的客体。阅读这部分内容时，我常常放下书本，审视自己手上拿着的这本印刷品，思考它在未来某个时间点会被如何看待、如何衰败或被改造。书中对“修复”与“损毁”的辩证关系也有独到见解，认为合理的损耗和时间的痕迹，恰恰是书籍艺术生命力的重要组成部分，而非需要被严格保护的缺陷。这种对“不完美”的赞美，为那些在乎书籍外观的收藏者提供了新的精神支柱。
评分我必须坦诚，这本书的学术深度和广度让人有些喘不过气来。作者似乎对每一个分支领域都有着近乎偏执的了解，书中大量使用了行业术语和鲜为人知的艺术家名字，如果不是对书籍史和当代艺术领域有相当背景的读者，可能会在阅读过程中频繁查阅资料。举例来说，他在探讨“活字革命”时，不仅回顾了古腾堡的贡献，还深入对比了不同文明中活字材料的差异性及其对信息传播速度的隐性影响，这种层层递进的复杂分析，使得阅读体验变得极为密集。然而，正是这种密集的知识堆砌，使得这本书展现出了一种罕见的“重量感”。它不是那种轻飘飘的艺术普及读物，而是试图建立一个宏大而完整的理论框架来容纳“书籍艺术”的全部演变。我特别欣赏作者在论述中流露出的那种批判性思维，他并非一味赞美技术进步，而是时刻警惕新材料和新媒介对“阅读的沉静性”可能带来的侵蚀。这本书像一面镜子，映照出我们这个时代对效率和新奇的盲目追逐，并提醒人们在追求“发展”的同时，不应遗忘“存在”的深度。
评分这本书的书名是《发展中的书籍艺术》，我带着一种既期待又略带忐忑的心情翻开了它。首先映入眼帘的，是作者对于“艺术”这个概念极为宽泛且富有个人色彩的解读。他似乎并不局限于传统意义上的装帧、印刷技术，而是将书籍的物理形态视为一种流动的、与时代精神共振的媒介。比如，他花费了大量的篇幅去探讨那些看似与书籍毫不沾边的跨界合作，像是与数字媒体的碰撞，或者某种装置艺术的介入。这种“大跨度”的叙事方式，一开始让我有些迷失方向，感觉作者似乎总是在试图拉扯我们对于“书”的固有认知。然而，随着阅读的深入，我开始欣赏这种打破边界的勇气。书中穿插着大量对历史上那些“异端”书籍设计师的案例分析，那些在当时看来离经叛道的作品，在今天的语境下被赋予了新的生命力。我特别喜欢其中关于材料创新的章节，作者并没有简单罗列新技术，而是深入剖析了不同材料——从回收的工业废料到生物可降解纤维——是如何反作用于内容本身的“叙事张力”的。这本书与其说是工具书，不如说是一本充满哲学思辨的“宣言”，它挑战你思考：在屏幕主导的时代，我们为什么还需要一本物理意义上的书？它的价值又将如何演变？整体来看，它是一次对传统美学的颠覆性考察，阅读过程如同进行一场观念上的“重塑之旅”。
评分这本书的结构非常松散，更像是一本思维导图而非线性叙事，这对于习惯了严谨学术论证的读者来说，可能需要调整阅读策略。它更像是作者多年思考的碎片化集合，每一章的跳跃性极大，从古代手抄本的装订技术，瞬间跳跃到当代艺术家利用3D打印技术构建的“空间书”，中间缺少了明确的过渡桥梁。但正是这种不羁的跳转，反而模拟了“发展”这一主题的本质——发展往往是跳跃式的，充满了意外的岔路和未被预期的方向。我特别关注了其中关于“作者意图”与“读者再创造”的部分。作者似乎倾向于将书籍艺术的最终完成权交予阅读者，强调每一次翻阅、每一次折角、每一次光线的投射，都在无形中参与了作品的“再创作”。书中引用了许多晦涩的哲学文本来支撑这一观点，虽然理解起来颇有难度，但那种“解放”了书籍的束缚，让其回归到纯粹的符号交换和体验生成阶段的论调，非常具有煽动性。对我而言，这本书的价值更多体现在它提供了一种观看世界的全新视角，而不是提供明确的“做什么”的指导手册。
评分这本书最让我耳目一新的是它对“声音”在书籍艺术中角色的探讨。这是一个极少被主流艺术评论触及的角度。作者提出，书籍虽然是视觉和触觉的产物，但其在被使用、被翻动、被放置时所发出的细微声响——纸张的摩擦声、书脊的吱嘎声、书签滑落的轻响——构成了其“听觉肖像”的一部分。他甚至讨论了某些实验性书籍如何通过内置微型音响或利用材料的共振原理，将“寂静中的声音”纳入艺术体验。这种对多感官融合的探索，极大地拓宽了我们对“艺术品”的定义边界。阅读这部分时，我忍不住拿起手边的书，轻轻翻动，试图捕捉那种被作者细致描绘的、平日里被我们忽略的声景。此外，书中还涉及了数字化时代对“手感”的重构，即如何通过模仿纸张的纹理和重量感，在电子设备中复刻实体书的舒适性，这反映出作者对技术与人文之间微妙平衡的深刻洞察。这本书的贡献在于，它用一种近乎诗意的方式，提醒我们每一个感官的参与，都是完整艺术体验不可或缺的一环。
评分好书
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评分翻译算通，经典。最早的一本文字设计专业书之一。
评分翻译。。。扣一分
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