Essays on Twentieth-Century German Drama and Theater

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出版者:
作者:Rennert, Hellmut Hal 编
出品人:
页数:333
译者:
出版时间:2004-1
价格:$ 84.69
装帧:
isbn号码:9780820444031
丛书系列:
图书标签:
  • German drama
  • German theater
  • Twentieth-century literature
  • Drama
  • Theater
  • Literary criticism
  • Cultural studies
  • Performance studies
  • Modernism
  • Postmodernism
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具体描述

This collection of articles by both German literature specialists and German theater experts grew out of the Comparative Drama Conference held annually between February and March from 1977 to 1999 in Gainesville, Florida. At the center of the contributors' work is the productive tension between the literary and the performance aspects of German drama and theater. At the same time, the reception is truly American, since the German playwrights, directors, theorists, and dramatists discussed have gone through creative filters in the researching, performing, and teaching of German drama and theater on various campuses across the United States during the last third of the twentieth century.

二十世纪德国戏剧与戏剧界的演进:一场跨越时代的探索 二十世纪的德国戏剧与戏剧界,犹如一面折射着时代风云变幻的镜子,深刻地记录了德意志民族在政治、社会、文化和思想上的剧烈动荡与转型。从帝国时期的繁荣余韵,到两次世界大战的摧残与反思,再到冷战分裂与统一的复杂历程,德国戏剧始终站在时代的前沿,以其独特的视角和艺术形式,对生命、社会、历史和人性进行着不懈的审视与追问。 本书旨在深入剖析二十世纪德国戏剧的方方面面,勾勒出其波澜壮阔的发展脉络。我们将从这个世纪初开始,回顾那个充满变革与创新的时代。表现主义(Expressionismus)作为德国现代戏剧的开端,以其强烈的心理刻画、扭曲的现实呈现和对个体精神困境的关注,挑战了传统的现实主义美学,为后来的戏剧发展奠定了重要的基础。剧作家如乔治·凯泽(Georg Kaiser)和恩斯特·托勒(Ernst Toller)的作品,以其尖锐的社会批判和对工业化社会异化现象的描绘,深刻地反映了那个时代人们内心的焦虑与不安。 接着,我们将目光投向魏玛共和国时期。在这个短暂而动荡的民主实验中,戏剧迎来了前所未有的多元化发展。库尔特·图霍尔斯基(Kurt Tucholsky)的讽刺剧、埃里希·卡斯特纳(Erich Kästner)的社会喜剧,以及具有社会意识的布莱希特(Bertolt Brecht)的史诗剧(Episches Theater),都以不同的方式回应着当时的社会现实。布莱希特的“间离效果”(Verfremdungseffekt)理论,更是对传统戏剧观的颠覆,他试图通过揭示戏剧的建构性,引导观众进行批判性思考,而非沉浸于情感的宣泄。他的《四川好人》、《三便士歌剧》等作品,至今仍是世界戏剧舞台上的经典。 纳粹时期,戏剧艺术的命运与国家的政治走向紧密相连。官方推行“血与土”的戏剧,宣扬民族主义和反犹主义。然而,即使在严酷的审查制度下,一些艺术家依然在暗中坚持创作,或以隐晦的方式表达抗议。许多优秀的剧作家被迫流亡海外,他们的作品在异国他乡继续闪耀着生命的光辉。 二战后的德国戏剧,则开始了漫长而艰辛的“清算”与“重建”过程。东德和西德在各自的社会体系下,发展出了截然不同的戏剧面貌。东德戏剧在社会主义现实主义的主导下,强调集体主义和政治教育功能,涌现出如彼得·海希(Peter Hacks)等剧作家。而西德戏剧则在自由创作的环境下,更加关注个体命运、历史创伤以及对现代社会的反思。马克斯·弗里施(Max Frisch)和弗里德里希·迪伦马特(Friedrich Dürrenmatt)是这一时期最重要的剧作家,他们的作品,如《安道尔》、《物理学家》等,以荒诞、黑色幽默和深刻的哲学思辨,揭示了人类存在的困境和社会的虚伪。 冷战结束后,德国统一给戏剧带来了新的挑战与机遇。跨越意识形态界限的交流与融合,以及对新现实的探索,成为这一时期戏剧发展的重要特征。剧作家们开始关注全球化、身份认同、环境问题等当代议题。 除了剧作家的创作,本书还将深入探讨二十世纪德国戏剧的表演艺术、舞台技术以及戏剧理论的发展。从表现主义的夸张表演到布莱希特的“非人物化”表演,再到后现代主义的多样化探索,表演形式的演变与社会思潮的变化息息相关。同时,舞台设计的创新,如表现主义的扭曲布景,以及后来的抽象化、多媒体化运用,也在不断拓展戏剧的表现力。 此外,我们还将审视德国戏剧在不同时期所面临的演出环境、观众构成以及政府的资助政策等因素。从国家剧院的辉煌到独立剧团的兴起,从商业演出的繁荣到非营利性机构的坚守,这些因素共同塑造了德国戏剧生态的独特风貌。 本书力求通过对重要剧作家、代表性剧目、关键性戏剧流派以及表演实践的细致梳理与深入分析,为读者呈现一个全面而深刻的二十世纪德国戏剧图景。它不仅仅是一部戏剧史的梳理,更是一场关于文化、历史、社会与人性的宏大对话。通过阅读本书,读者将能够理解二十世纪德国戏剧如何以其强大的生命力和批判精神,回应并影响着一个民族乃至整个世界的走向。

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这部文集着实是一部引人入胜的智力之旅,带领我们深入探究了二十世纪德语戏剧与剧场景观的复杂肌理。作者的笔触细腻而深刻,对于魏玛共和国时期戏剧的社会批判性有着独到的见解,尤其是在分析布莱希特早期作品时,那种对资本主义弊病的犀利解剖,让人读来拍案叫绝。我特别欣赏他对“史诗剧场”概念的阐释,并非仅仅停留在理论层面,而是通过大量具体的剧作分析,展示了这种美学范式如何有效地介入并挑战当时的政治现实。那些关于观众距离感和知性参与的讨论,至今读来仍具有强大的现实意义,仿佛提醒着当代观众,剧场不应只是被动的娱乐场所,而应是思想交锋的前沿阵地。书中对于表现主义戏剧的梳理也堪称典范,不同于一般教科书的平面化处理,作者挖掘了其内在的心理动荡与社会焦虑的深层根源,将那些扭曲的舞台形象与时代精神的崩溃紧密联系起来,读完后对那个动荡时期的精神面貌有了更立体、更具层次感的认识。总体而言,这是一部需要静心细读、反复品味的著作,它提供的思考工具远比直接的结论更有价值。

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如果要用一个词来形容这本书给我的感受,那就是“精炼”。篇幅适中,但信息密度极高,几乎每一页都充满了值得记录的见解。我尤其喜欢作者在总结特定戏剧流派时,那种毫不拖泥带水的精准概括能力。他能够在短短一段话内,勾勒出一个流派的核心特征、代表人物及其主要的审美目标。这对于需要快速建立知识框架的读者来说,简直是福音。在比较不同地域(东西德)戏剧风格的差异时,作者表现出的冷静和客观也令人印象深刻,他没有陷入意识形态的窠臼,而是专注于艺术手段和表达策略上的分野。全书的行文风格非常克制,但这种克制之下蕴藏的学术力量却十分强大,它不以哗众取宠的论断取悦读者,而是通过严谨的逻辑和无可辩驳的文本证据来构建其论点。读完后,我感觉自己对整个二十世纪德语戏剧的发展脉络有了一种清晰的、地图般的感觉,知道该去往何处深挖,也明白了不同时期作品间的内在联系。

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我对这本书的文学评论风格感到非常新奇,它似乎拒绝了那种刻板的学院派腔调,转而采用了一种更具文学性和对话性的笔法来探讨戏剧理论。尤其是在讨论“后戏剧剧场”的先驱者时,作者的论述充满了活力,他没有被后现代的晦涩理论所裹挟,而是扎根于具体的舞台事件和剧作家的创作意图。比如,他对某位重要剧作家在七十年代末期实验性作品的剖析,那种对舞台空间、身体姿态以及非线性叙事的捕捉,简直像是在重现一场令人目眩神迷的现场体验。文字的节奏感极佳,时而急促有力,仿佛舞台上的冲突爆发;时而又变得悠长而富有哲思,引人进入角色内心深处的沉思。我惊喜地发现,许多我过去只是模糊感受到的舞台效果,经过作者的梳理和命名,立刻清晰起来,仿佛拿到了一把解读复杂艺术现象的万能钥匙。这种“带着热情去分析”的态度,极大地鼓舞了普通读者,让我们这些非专业人士也能窥见德语戏剧研究的精妙之处。

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这是一部在跨学科研究方面做得非常出色的作品。我特别欣赏作者如何娴熟地将戏剧文本的分析与二十世纪德国思想史、美学思潮进行交织对比。书中对于“主体性危机”在舞台上的戏剧化呈现,探讨得尤为透彻。它不仅关注了戏剧家写了什么,更重要的是,他们是如何在特定的美学框架内,对“人”的概念进行解构与重塑的。例如,在探讨荒诞派戏剧时,作者巧妙地引入了当时现象学和存在主义哲学的核心议题,使得那些看似荒谬的对话和场景,瞬间获得了坚实的哲学支撑。这种深厚的学理基础,使得全书的论证极具说服力,绝非空中楼阁。同时,作者在某些章节中对剧场技术革新的关注,也体现了他对艺术实践层面的尊重,他并未将剧场仅仅视为文本的载体,而是将其视为一个与时代同步呼吸的动态系统。这种全景式的考察,让读者对德语戏剧在现代性进程中的复杂角色有了更全面的认知。

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初读这本书时,我并未预期能获得如此丰富的历史细节与文本解读的精妙结合。作者对战后联邦德国剧场复兴的叙述,尤其是在处理“废墟戏剧”(Trümmerliteratur)对舞台的冲击时,展现了极强的史学敏感度。他并未将战后剧场视为一个简单的“重建”过程,而是深入剖析了其内部的张力——如何在面对历史的巨大创伤时,选择沉默、反思还是激进的控诉。例如,对于彼得·汉克的早期作品的分析,就不仅仅聚焦于语言的破碎感,更将其置于战后一代身份认同危机的大背景下进行考察,视角之广令人赞叹。而当论述转向东德戏剧时,那种对体制内与体制外张力的微妙把握,更是体现了作者深厚的跨意识形态分析功力。他展示了在特定审查制度下,戏剧家如何运用象征、寓言和“双重言说”的方式,完成对社会现实的隐秘批判。这种对特定历史语境下艺术实践的精确捕捉,使得整部书的学术价值和可读性得到了极大的提升,让人感受到德语戏剧的顽强生命力。

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