具体描述
Diverse aspects of the performance of Golden Age plays are explored in this volume, ranging in approach from the theoretical to the concrete and from the historical to the contemporary. Several essays focus on staging and performance in sixteenth and seventeenth century Spain,examining areas such as audience reception, adaptations of Golden Age plays to the Italian stage, ways of representing the supernatural in hagiographic plays, and the participation of women in the theatre. Other articles concentrate specifically on the text, highlighting such issues as the representation of violence; while a third group deals with modern productions, looking at issues involving casting and staging for contemporary audiences, and including semiological anaylses of actual performances. Overall, the book reflects the very latest research in comediastudies.Spanish language.
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拿起这本书的时候，我心里是带着一丝期待的，毕竟“文本”和“舞台”这两个词的结合总能激发出无限的想象力。然而，这本书的叙事方式简直是一场灾难，它读起来就像是把不同作家的笔记随便扔进一个搅拌机里打碎了重组。风格的跳跃性太大了，上一章还在讨论符号学在后现代剧场中的应用，下一章突然就转向了对十八世纪歌剧舞台设计的冷峻描述，两者之间的逻辑衔接几乎不存在。我感觉作者好像有很多想法，但却完全没有能力将它们组织成一个流畅的阅读体验。更糟糕的是，它的语言风格非常僵硬，充满了重复和冗余，仿佛作者每写完一个句子都要确认自己是否已经用尽了所有可能的同义词。我必须承认，我多次在阅读过程中感到注意力涣散，这不是因为内容本身太深奥，而是因为呈现方式太过杂乱无章，让人难以抓住重点。它更像是一份未经编辑的研讨会记录，而不是一本精心打磨过的出版物。
评分我花了很长时间才读完这本书，不是因为它内容太厚，而是因为我不得不经常停下来，查阅那些被作者假设我应该已经知道的背景知识。这本书的受众定位极其模糊，它对初学者来说过于深奥，充满了行业黑话和专业术语，几乎没有提供任何基础的定义或背景介绍；但对于经验丰富的戏剧人来说，它提供的见解又显得过于浅显和老生常谈。这种“两头不讨好”的尴尬处境，让这本书的实用价值大打折扣。举个例子，谈到“观众的在场性”，作者只是用了一种极其绕口的方式重复了契特克（Chekhov）早就说过的观点，然后就急匆匆地转向了下一个议题，完全没有深入探讨在当前数字化媒体环境下，这种“在场性”又发生了哪些新的变异和挑战。总之，它错过了深入挖掘当下议题的最佳时机，而固守在对经典理论的重复阐述上，显得既保守又缺乏必要的锐气。
评分这本书的装帧和排版倒是挺赏心悦目，如果只看外表，你绝对会认为这是一本严肃且值得一读的艺术论著。然而，一旦你进入内容的核心部分，那种期待感就会迅速崩塌。它在探讨的议题——如何处理文学原著的精神内核在三维空间中的显现——本身是极具吸引力的，但作者似乎完全迷失在了自己的文献引用和自我辩护中。我读到好几处地方，作者花费了大量的篇幅去批判其他理论家的观点，但对于提出自己的、具有建设性的新见解却显得力不从心。这种“站在巨人肩膀上”的姿态显得矫揉造作，读者真正需要的是洞见，而不是无休止的学术口水仗。这本书给我的整体感觉是：它想成为一部划时代的巨著，却最终沦为了一部充满了“我不同意”和“然而”的堆砌品，缺乏那种真正能让人醍醐灌顶的原创火花。它更像是在为一场已经结束的学术辩论写一份冗长的总结陈词。
评分这本所谓的“文本舞台化”的书，我得说，读起来像是在迷宫里绕圈子。它试图探讨文本如何转化为舞台表演的那个瞬间，但给我的感觉更像是在用极其晦涩的学术术语把一个相对清晰的概念搅得一团浆糊。作者似乎沉迷于构建复杂的理论框架，对实际的戏剧操作却着墨甚少，让人不禁怀疑他是否真的理解一个演员是如何呼吸，一个布景是如何被搭建的。我期望看到的是关于改编的实用技巧、导演的决策过程，或者至少是一些鲜活的案例分析，结果却被一堆关于“能指与所指的剧场性张力”之类的概念轰炸。每次翻开它，都像是在解一道永远没有正确答案的哲学题，读完后，我脑子里剩下的只有一堆高深莫测的词汇，而对于如何把莎士比亚搬上现代舞台，我依然一头雾水。说实话，如果你想找一本能指导你实际工作的剧本分析或导演手册，赶紧把这本书放回去，它更适合放在大学图书馆最阴暗的角落里积灰，供那些热衷于纸上谈兵的学者们津津乐道。
评分要我说，这本书的最大败笔在于其近乎傲慢的写作姿态。它似乎在无形中建立起了一道门槛，仿佛只有那些已经精通了所有相关哲学流派的人才有资格理解作者的“伟大”思想。全书充满了“不言而喻的真理”式的断言，让你感觉如果自己没有立刻领会其深意，那就是你自己的智力存在缺陷。这种压迫感使得阅读过程变得非常不愉快，阅读艺术作品的乐趣荡然无存，剩下的只有一种被测试的焦虑感。我特别想知道，那些被作者奉为圭臬的“文本在场”的实例在哪里？书中引用的都是一些晦涩难懂的小众剧作，而非那些能引起广大读者共鸣的、经过时间检验的经典案例。这种选择性展示，让我严重怀疑作者的论点是否经得起更广泛的舞台实践的检验。它更像是一个自我满足的理论实验记录，而非一本旨在启发和引导读者的严肃读物，读完后只留下一声叹息，以及对时间流逝的追悔。
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