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出版者:

作者:郁贤皓

出品人:

页数:503

译者:

出版时间:2009-7

价格:27.50元

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isbn号码:9787545801156

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《宋词的流变与审美范式》 导言：词的诞生与盛唐气象的余韵 本书旨在深入剖析宋代词体文学的兴起、发展脉络及其在不同历史阶段所呈现出的独特审美特质。我们将超越传统上将宋词仅视为“小令”或“艳科”的狭隘认知，着力展现其作为一种成熟诗歌体裁，如何与社会思潮、音乐变革以及文人个体精神世界深度交织，最终构建起一个与唐诗并驾齐驱的文学高峰。 宋代文学的起点，很大程度上是建立在对唐代文学（尤其是唐诗）的继承与反思之上。然而，词体的真正确立和成熟，标志着文人精神空间的一次重要转移。唐诗以“言志”、“载道”为核心，追求气象的宏大、境界的开阔与格律的严谨，其核心是“兴寄”与“风骨”。而词，则因其音乐性（依曲填词），天然地带有更强的抒情性、个人化和对日常细节的捕捉能力。 第一章：北宋前期——词体的“初醒”与格律的定型 北宋初年，词坛的主流仍笼罩在“花间派”的余绪之下，以描摹闺阁情事、宴饮享乐为主。然而，在这一阶段，词的音乐属性带来的结构限制开始松动，文人开始尝试将更广阔的社会题材和更深刻的哲理思考纳入词的范畴。 本章重点考察早期词人如柳永的贡献。柳永打破了传统士大夫对词体的不屑，通过大量创作慢词（长调），将市井生活、羁旅行役的艰辛与离愁别绪融入词中。其语言的通俗化和口语化，极大地扩展了词的表现领域，使其不再是宫廷或上层文人的专属。他的“凡有井水处，皆能歌柳词”的现象，本身就预示着词体大众化和成熟化的趋势。我们还将分析早期词调（如双调、三叠等）在音律上的试验，为后来的格律成熟打下基础。 第二章：苏轼的“以诗为词”与词体美学的革命 苏轼是宋词发展史上无法绕过的一座丰碑。他的出现，彻底解放了词体，使其摆脱了对音乐的过度依附，实现了“去音乐化”的审美转向。 苏轼提出的“无意不可入，无事不可言”的理论，实质上是将诗歌所具备的阔大主题和哲理思辨能力强行注入词体。他将山川景物、政治抱负、人生感悟、禅宗哲思等以往被认为是“不入词”的题材引入词中。例如，在他的《念奴娇·赤壁怀古》中，通过对历史遗迹的凭吊，将个人的英雄情结与宇宙的永恒变化融为一体，气象雄浑，标志着词体彻底完成了从“艳科”向“大家之言”的蜕变。 本章将详细辨析“以诗为词”的内涵——并非简单地将诗句填入曲调，而是运用诗歌的章法结构、散文化的叙事节奏和深邃的意蕴来拓展词的表现空间，形成了雄健豪放的词风，也为“豪放派”的形成奠定了理论与实践基础。 第三章：北宋末年的“婉约复兴”与审美的内敛 在苏轼豪放词风的影响下，词坛出现了对婉约传统的回归与深化，尤其以周邦彦为代表。周邦彦的词，被誉为“集大成者”，其核心价值在于对音律、格律的极致把握，以及对语言的精雕细琢。 我们探讨周邦彦如何将复杂精妙的音乐结构与极其细腻的情感描摹结合起来。他的词语工整，结构繁复，擅长铺叙和烘托，尤其在处理相思、别离等主题时，能够达到一种近乎完美的平衡——既有情感的真挚，又不失文人的克制与典雅。这与唐诗中追求的“直抒胸臆”形成鲜明对比，体现了宋人对“含蓄”和“蕴藉”的独特审美偏好。 第四章：南渡的悲剧与词体的“史诗化”倾向 靖康之变后，南宋王朝的建立带来了巨大的政治创伤和士人心态的转变。词体文学在这一时期展现出了前所未有的悲剧意识和历史使命感。 豪放词派在南宋得到了进一步的拓展和深化，李清照和辛弃疾是本章的两位核心人物。 李清照的词，在国破家亡的背景下，其前期清丽之音转为沉郁悲怆。她通过极富个人化的语言，记录了丧夫之痛、流离之苦，使得婉约词在悲剧的重量下获得了新的深度，达到了“以血书者，后世之文字，休言及之”的境界。 辛弃疾则将苏轼的豪放精神推向了极致。他的词中充满了抗金复国的壮志和壮志难酬的愤懑。他的语言极具张力，融合了典故、口语、哲理与兵家术语，其创作的深度和广度，使得他的词作在很大程度上承担了传统诗歌“言志”的功能，是南宋士人心灵的集体写照。 第五章：南宋后期的“格律的精致化”与词体的定型 南宋中后期，随着战局的稳定和文人对社会现实的审视趋于平静，词体的发展进入了精细化的阶段。姜夔、吴文英等词人，在音乐与格律的掌握上达到了炉火纯青的地步，他们更专注于对意境的营造和氛围的渲染。 姜夔对词的音乐性进行了理论总结，强调词必须“合乐”，其作品中充满了对自然景物和清幽意境的描摹，语言清冷、脱俗，显示出宋代理学对文人审美趣味的渗透。这一时期的词，虽然在气势上不如李辛，却在音律美和意境的纯粹性上，为宋词的最终定型划下了完美的句点。 结语：宋词的艺术成就与文学遗产 宋词的流变史，就是一部宋代文人精神结构和审美取向的演变史。它从依附于音乐的早期形态，通过苏轼的解放，发展到与诗歌并驾齐驱的地位，最终在南宋时期完成了格律与意蕴的完美统一。宋词以其独特的细腻、深沉的抒情传统，以及对时间、历史、个体命运的深刻反思，构筑了中国古典文学中不可替代的艺术高峰。它教会了后世文人，如何在有限的篇幅内，承载无限的情感与哲思。

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这本《唐诗经典》真的是我读过的最有意思的唐诗读物了！我一直觉得唐诗里的很多意象都很抽象，比如“孤帆远影”、“野旷天低树”，总是想象不出具体的样子。但这本书就很厉害，它用了很多生动的比喻和形象的描绘，把这些意象都给“具象化”了。比如，在讲杜牧的《赠别》时，书中不只是讲“娉娉袅袅十三余”，还细致地描写了少女轻盈的姿态，仿佛能看到她红扑扑的脸颊，微微低垂的眼眸。这种细节的描绘，让诗歌中的人物和场景立刻鲜活起来。而且，书中还穿插了很多趣闻轶事，关于诗人的生活、关于诗歌的创作过程，这些都让阅读过程充满了乐趣。我记得书中讲到孟浩然在客船上看到友人远去的场景，那种不舍和怅然，通过书中对细节的描写，我仿佛能感受到晚风拂面，听到船桨划破水面的声音，感受到那种离别的凄美。这本书让我觉得，读唐诗就像在看一部部微电影，充满画面感和情感张力。

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这本《唐诗经典》真是让我惊喜连连！我一直觉得唐诗虽然美，但有时候读起来总感觉少了点什么，像是隔着一层薄雾。这本书完全打破了我的这种印象。它没有简单地罗列诗歌，而是深入浅出地讲解了每一首诗的背景、作者生平、创作意图，甚至连字词的细微之处都做了考量。我印象最深的是关于李白的《静夜思》，书中详细分析了“床前明月光”一句，从字形到意象，再到当时的社会背景，层层剥茧，让我才恍然大悟，原来这句诗看似平淡，实则蕴含着如此丰富的情感和文化底蕴。还有杜甫的《春望》，我一直认为它是家国情怀的写照，但书中通过对安史之乱的详细描述，以及杜甫当时颠沛流离的生活，让我更能体会到“国破山河在，城春草木深”所带来的那种痛彻心扉的悲凉。这本书不仅仅是文字的堆砌，更是历史的回响，情感的共鸣。读完之后，我感觉自己好像穿越回了那个波澜壮阔的唐朝，与那些伟大的诗人进行了一场跨越时空的对话。它让我重新认识了唐诗，也让我对中国古典文学有了更深的敬畏。

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我一直是个对诗歌不太感冒的人，总觉得那些古老的文字离我太遥远，难以理解。直到我偶然翻开了这本《唐诗经典》，我的看法彻底改变了。这本书太接地气了！它没有用那些晦涩难懂的学术语言，而是用一种非常亲切、生活化的方式来解读诗歌。比如，书中在讲解王之涣的《登鹳雀楼》时，没有直接讲什么“登高望远，心胸开阔”，而是描绘了当时的登楼场景，仿佛我置身其中，看到了炊烟袅袅，听到了市井喧嚣，然后才引出“欲穷千里目，更上一层楼”的意境。这种“情景交融”的讲解方式，让我一下子就抓住了诗歌的精髓。我还特别喜欢书中对一些意象的解读，比如“明月”在不同诗人心中的象征意义，有思乡，有离愁，也有对自由的向往。这些细腻的解读，让我感受到诗歌背后隐藏的丰富情感，仿佛每一个诗人都是我的老朋友，在向我倾诉他们的喜怒哀乐。这本书让我觉得，原来唐诗离我们并不遥远，它就藏在我们每一个人的情感深处。

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说实话，我买这本书的时候，并没有抱太大期望，只是想随便翻翻，了解一下。但这本书真的给我带来了意想不到的惊喜！它不像市面上很多唐诗解读的书那样，只讲些皮毛，而是非常有深度。书中对每一位诗人的生平、创作风格都有很详细的介绍，而且还穿插了很多当时的社会风俗、历史事件，让我对诗歌产生的那个时代有了更直观的认识。举个例子，在讲到白居易的《琵琶行》时，书中不仅分析了诗歌的文字和情感，还详细描述了当时文人雅士的生活方式，对歌女的社会地位，以及“同是天涯沦落人”这句诗所引发的广泛共鸣。这种将诗歌置于广阔历史文化背景下的解读方式，让我觉得非常有启发性。我感觉这本书不只是在讲诗歌，更是在讲历史，讲文化，讲人的情感。读完之后，我不仅对唐诗有了更深的理解，还对唐朝那个繁盛的时代产生了浓厚的兴趣，甚至开始主动去了解更多的历史资料。

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我之前也读过不少唐诗解读类的书籍，但大多都流于表面，或者过于学术化，让我很难坚持读下去。直到我遇到了这本《唐诗经典》，它给我带来了完全不同的阅读体验。这本书的独特之处在于，它非常注重诗歌的“语感”和“节奏”。它不仅仅是解释字面意思，更重要的是引导你去体会诗歌在朗读时的韵律之美，以及不同句式、词语组合所带来的情感变化。比如，在讲解李白的《将进酒》时，书中不只是分析“人生得意须尽欢，莫使金樽空对月”，而是通过分析这句诗的音韵，以及其背后所蕴含的豪放不羁、及时行乐的人生观，让我能真切地感受到李白那种洒脱不羁的性格。而且，书中对一些押韵和对仗的讲解也很细致，让我了解到唐诗在形式上的严谨和优美。这种对“声”与“形”的结合解读，让我觉得，原来唐诗不仅是文字，更是一种音乐，一种艺术。读完这本书，我不仅理解了诗歌的内容，更体会到了唐诗的韵味，让我不禁想要大声朗诵，去感受那份悠扬的美。

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