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作者:Not Available (NA)

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页数:168

译者:

出版时间:2002-1

价格:$ 24.99

装帧:

isbn号码:9789057680205

丛书系列:

图书标签:

• 美术
• 画册
• 日本
• Japanese Patterns
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• Design
• Art
• Japan
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• Illustration
• Textile

Japanese Patterns 探寻日本传统设计的精髓：一览无余的图案世界 《Japanese Patterns》是一部深入日本传统图案艺术的详尽著作，它将带领读者穿越时空，领略那些塑造了日本美学、文化乃至历史的独特视觉语言。本书并非仅仅是罗列和展示，而是通过深入的解读和细腻的分析，揭示每一个图案背后的故事、象征意义以及它们在不同历史时期、不同艺术形式中的演变与应用。 本书内容涵盖了日本传统图案的广阔天地，从自然界的灵感汲取，到神话传说的意象具象化，再到日常生活中的实用纹样，无不包含其中。我们将一同探索那些被赋予深厚文化内涵的图案，例如： 自然元素的赞歌： 日本的自然环境对艺术创作产生了深远影响。本书将细致描绘那些源自春夏秋冬四季变化的图案，如象征春天生机勃勃的樱花（Sakura），夏季繁茂的流水（Nagare），秋季丰收的枫叶（Momiji），以及冬季宁静的雪花（Yuki）。此外，诸如松（Matsu）、竹（Take）、梅（Ume）“岁寒三友”，以及代表长寿和吉祥的鹤（Tsuru）、龟（Kame）等动物图案，都将被赋予生命力的解读，展现它们在日本文化中超越物质层面的寓意。本书将深入分析这些图案的线条、色彩搭配如何巧妙地传达季节感、生命力以及对自然的敬畏之情。 神话与传说的印记： 日本的神道教和佛教等宗教信仰，以及丰富的民间传说，为图案艺术提供了源源不断的灵感。本书将深入探讨那些与神明、妖怪、英雄故事相关的图案，例如龙（Ryu）的威严与力量，凤凰（Ho-o）的祥瑞与重生，以及与佛教相关的莲花（Hasu）的纯洁与觉悟。我们会一同解密这些图案如何在服饰、建筑、器物上承载着祈福、辟邪、颂扬的意义，以及它们如何成为连接过去与现在的文化符号。 工艺与生活的智慧： 日本传统工艺在图案的传承与发展中扮演了至关重要的角色。本书将重点介绍在不同工艺领域中具有代表性的图案，例如： 和服（Kimono）与织染艺术： 和服作为日本传统服饰的极致代表，其图案的变化是时代风尚和工艺水准的缩影。本书将详细介绍诸如“小纹”（Komono）的精细几何排列，“友禅”（Yuzen）染的色彩斑斓，“辻が花”（Tsujigahana）的神秘唯美等独特的染织技法，以及它们所运用的图案元素，如波浪（Nami）、云（Kumo）、闪电（Kaminari）等自然纹样，以及吉祥的几何纹样如“麻の葉”（Asanoha）和“青海波”（Seigaiha）。 陶瓷（Pottery）与漆器（Lacquerware）： 日本的陶瓷和漆器艺术以其精致的工艺和独特的图案闻名于世。本书将展示在这些器物上常见的青海波（Seigaiha）纹，象征着如水波般延绵不绝的吉祥；市松（Ichimatsu）纹，一种交错排列的正方形图案，简洁而现代；以及各种花鸟风月（Kacho-fugetsu）的细腻描绘，如何为器物增添生命力和雅致。 建筑与室内装饰： 从寺庙神社到传统民居，日本的建筑中也广泛运用了各类图案。本书将揭示例如格栅（Kōshi）的几何美学，屋檐上雕刻的装饰性图案，以及障子（Shoji）上纸的透光性所产生的独特纹理，如何共同构筑了日本独特的空间美学。 象征与哲学： 日本的图案并非仅仅是装饰，它们承载着丰富的象征意义和深刻的哲学思考。本书将带领读者理解图案背后所蕴含的“侘寂”（Wabi-sabi）精神，即对不完美、无常和朴素的欣赏；“幽玄”（Yūgen）的境界，即深远、含蓄的美；以及“间”（Ma）的概念，即留白与空灵带来的想象空间。例如，圆形（Maru）图案常与圆满、和谐相关；方形（Kaku）图案则体现了稳定与秩序；而破碎或不规则的图案则可能象征着生命的无常与变化。 《Japanese Patterns》不仅是一本视觉的盛宴，更是一次深入的文化探索。本书通过清晰的分类、详实的注解和精美的插图，力求让读者能够： 系统地了解日本传统图案的分类、历史演变及文化内涵。 欣赏不同图案所体现的精湛工艺和独特美学。 理解图案在日本社会、宗教和生活中的多重意义。 从中汲取灵感，无论是作为设计师、艺术家，还是对日本文化感兴趣的爱好者。 本书将是一本值得反复品读的参考书，它将为你打开一扇通往日本丰富多彩的图案世界的大门，让你从中发现那些连接过去、现在与未来的永恒之美。

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这是一本真正能让人“慢下来”的书。我通常不喜欢读那种文字和图像占比高度不平衡的书籍，但这本书的图像设计达到了一个近乎艺术品的高度，每一个图例的选择都经过了深思熟虑，它们不仅仅是插图，更是论证的一部分。我花了好大力气才将注意力从那些精美的照片和图表中抽离出来，专注于文字的逻辑。书中对“时间性”在图案中的体现有着独到的见解，比如图案是如何通过光线的变化、材料的老化来完成最终的“自我实现”的。这彻底颠覆了我对图案静态属性的认知。作者用生动的笔触描绘了某些古老纸伞在历经风雨后，颜料自然剥落所形成的“偶然之美”，并将此视为一种最高级的动态模式。这本书的装帧设计本身就是一种对“时间”的致敬，那种略微泛黄的书页边缘，仿佛在无声地诉说着这本书所承载的悠久历史和文化积淀。读完后，我感觉自己的“视觉词汇库”被极大地拓宽了，尤其是在处理动态和演变中的美感时，获得了一种前所未有的自信。

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这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深邃的靛蓝和细腻的墨黑交织在一起，仿佛能触摸到古老丝绸的纹理。拿到手上时，纸张的质感也出乎意料地好，不是那种廉价的光滑，而是带着微微的粗粝感，让人联想到手工制作的痕迹。我原本以为这会是一本偏向理论分析的学术著作，毕竟“Pattern”这个词总是带着某种结构性的暗示。然而，翻开第一页，映入眼帘的是一系列令人惊叹的几何图形，它们并非是生硬的数学公式，而是被赋予了生命力的抽象表达。作者似乎非常擅长捕捉那种转瞬即逝的美感，用最简洁的线条勾勒出复杂的韵律。特别是关于空间留白的处理，简直是教科书级别的示范。很多设计书籍总是在强调“填充”的重要性，但这本书却高举了“虚”的大旗，论证了负空间如何塑造主体的力量。我花了整整一个下午，只是盯着其中一页关于“折纸的无限可能”的插图出神，那是一种近乎冥想的体验，让你重新审视日常生活中那些被忽略的结构逻辑。这本书带给我的，不仅仅是视觉上的愉悦，更是一种对秩序与混沌之间微妙平衡的深刻理解。它不是一本用来速读的书，更像是需要你沉浸其中，与纸张和油墨进行一场缓慢的对话。

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老实说，这本书的学术密度让我有些吃不消，但每一次咬牙坚持下去，总能收获意想不到的甘霖。它更像是一本“设计哲学词典”，而不是一本操作指南。其中引用了大量晦涩难懂的日本古典文献，让我不得不频繁地查阅注释，这使得阅读速度慢得惊人，但也确保了理解的深度。我特别想提一下其中对于“边界”的定义。作者似乎将“图案”定义为一种边界的艺术——既是事物与非事物的界限，也是意义与无意义的交汇点。这种抽象的论述，通过一系列极具象征意义的木刻版画插图得到了有力的支撑。那些版画的层次感，就像是信息在时间的沉淀中逐渐显影的过程。我注意到作者在描述色彩运用时，总是围绕着“克制”二字打转，即便是使用强烈的对比色，也会通过细密的线条或特定的纹理来缓冲其冲击力，使之融入整体的和谐之中。这本书对那些习惯于西方设计中那种直白、强烈的视觉冲击的读者来说，可能需要一个适应期，但一旦适应了这种内敛的表达方式，你会发现其蕴含的力量是何等的持久和深远。

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这本书带给我的感受非常奇特，它让我想起在深夜里独自漫步于京都古寺的经历。那种氛围是静谧的，但绝非空洞的。书中的文字极其精炼，几乎没有一句废话，每一句话都像被锤炼过的金属，坚硬而有光泽。我尤其关注了其中关于“重复与变化”的探讨。在很多文化中，重复意味着稳定和安全，但在这本书中，作者却成功地展示了微小的、近乎难以察觉的变异如何从根本上颠覆既定的模式，并催生出更高级的审美体验。例如，书中对一种传统纺织品中经纬线细微错位的分析，用寥寥数语就阐释了这种“不完美”如何成为设计的灵魂所在。我尝试着在自己的素描练习中模仿这种思路，放弃了对绝对精确的追求，转而拥抱那种“手工误差”带来的生命力。这让我对“完美”的概念产生了一次剧烈的动摇。这本书不提供现成的模板，它提供的是一把钥匙，让你能够解锁自己大脑中潜藏的结构感知能力。读完之后，你会发现自己看建筑、看布料、甚至看云彩的方式，都变得更加有层次感和洞察力了。

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我必须承认，我最初购买这本书是带着一丝功利的目的：希望能从中找到一些可以直接应用于我服装设计项目中的灵感元素。结果发现，这本书的深度远远超出了我最初的预期，它几乎提供了一套全新的观察世界的方法论。与其说是提供“图案”本身，不如说是解构了“如何形成图案”的底层逻辑。书中对自然界中分形结构的讨论尤其精彩，作者没有停留在展示漂亮的树叶脉络或蝴蝶翅膀的对称性，而是深入剖析了生成这些模式的数学原理，并且巧妙地将其与日本传统工艺中的“侘寂”美学联系起来。这种跨学科的融合令人拍案叫绝。我特别喜欢其中一个章节，详细对比了江户时代建筑中窗棂的开合方式与现代极简主义室内设计之间的精神传承。这种对比极其锐利，清晰地揭示了跨越数百年的设计哲学是如何在不同的材料和功能下保持其核心精神的。这本书的排版也极其克制，大量的留白不仅仅是为了美观，更是为了引导读者的注意力，让每一个元素都拥有足够的呼吸空间，不至于让信息过载。对于任何一个对形式语言感兴趣的创作者来说，这本书都是一个极好的思维体操训练场。

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