Easy Rider (Bfi Modern Classics) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:British Film Institute

作者:Lee Hill

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1996-12-01

价格:USD 12.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780851705439

丛书系列:

图书标签:

• Easy Rider
• Film Studies
• American Cinema
• New Hollywood
• Counterculture
• Motorcycle Films
• Dennis Hopper
• Peter Fonda
• Road Movie
• BFI Modern Classics

《逍遥骑士》（Easy Rider）是一部划时代的美国公路电影，由丹尼斯·霍珀（Dennis Hopper）执导并主演，另一位主演是彼得·方达（Peter Fonda）。这部影片于1969年上映，不仅仅是一部电影，更成为了那个时代精神的象征，深刻地反映了20世纪60年代末美国社会的动荡、反叛和对自由的渴望。 影片讲述了两位嬉皮士，由彼得·方达饰演的“船长”（Captain America）和丹尼斯·霍珀饰演的“比利”（Billy），骑着他们标志性的哈雷戴维森摩托车，从洛杉矶出发，穿越美国，前往新奥尔良参加狂欢节。他们的旅程充满了对美国梦的追寻，以及对社会体制的反抗。他们身上带着贩毒得来的钱，象征着一种游离于主流社会之外的生活方式。 《逍遥骑士》的叙事结构并不拘泥于传统的线性故事线，它更像是一系列碎片化的体验和场景的拼接。影片通过快速剪辑、迷幻的视觉效果、摇滚乐和民谣的运用，营造出一种强烈的时代氛围。电影中大量的摩托车镜头，配以当时极具代表性的摇滚乐，如Steppenwolf乐队的《Born to Be Wild》，成为了影片最经典的标志之一，深刻地影响了后世的电影制作。 影片的两位主角，船长和比利，代表着两种不同的反叛姿态。船长，一身闪亮的星星条纹皮夹克，头戴安全帽，是那个时代美国自由精神的化身，他渴望找到真正的自由和超越。比利则更加务实，对体制充满怀疑和不信任，他的生活方式更像是一种漂泊和逃离。在他们的旅途中，他们遇到了形形色色的人物，包括一位名叫乔治（George Hanson）的律师，由杰克·尼科尔森（Jack Nicholson）饰演，他的角色为影片增添了一抹讽刺和悲剧的色彩。乔治对美国社会的现状有着深刻的认识，他的一句经典台词：“他们称你为‘自由人’，但你实际上却无法做任何事”，道出了影片的核心主题。 《逍遥骑士》之所以能够成为经典，很大程度上在于它对美国社会的反思。在经历了越战、民权运动、嬉皮士文化兴起等一系列社会变革后，美国社会弥漫着一种不安和分裂。影片捕捉到了这种集体性的失落感和对理想主义的幻灭。两位主角的旅程，从开始的充满希望和对自由的向往，逐渐走向了悲剧性的结局。他们试图寻找的自由，在现实的社会结构和人性的复杂面前，显得如此脆弱和难以捉摸。 影片的结尾，船长和比利在一次与当地村民的冲突中被枪杀，这一幕充满了象征意义。它暗示着，在美国这个宣称自由的国家，真正的自由和独立思考者，往往会遭到社会的排斥和扼杀。这种悲剧性的结局，让观众对影片所探讨的社会问题产生了更深的思考。 《逍遥骑士》在艺术上也具有重要的意义。它开创了一种新的电影语言，打破了传统的叙事和拍摄手法，对后来的新好莱坞电影产生了深远的影响。影片的成功，也证明了独立电影的巨大潜力，它改变了电影制作和发行的方式。 总而言之，《逍遥骑士》不仅仅是一部关于摩托车、公路和嬉皮士的电影，它更是对美国文化、社会价值观和个人自由的一次深刻的探索和反思。影片所传达的关于自由、反叛、失落和希望的主题，至今仍能引起观众的共鸣，使其成为一部不朽的经典之作。

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谈论起这部作品，绕不开那种深刻的、近乎宿命般的悲剧色彩。表面上看，这是一部关于自由骑行的电影，是阳光和无尽公路的故事，但如果你深入挖掘，你会发现骨子里流淌着的是对美国梦幻灭的哀歌。两位主角，比利和怀特，他们追求的自由，本质上是一种逃避。他们无法融入主流社会，也不想成为其中乏味的一部分，但他们也没有建立起一个真正的、可持续的反主流的乌托邦。他们的“自由”是建立在脆弱的、随时可能崩溃的基础之上的。电影对体制的嘲讽非常尖锐，尤其是在与南方小镇居民的互动中，那种保守、偏见和歇斯底里，与两位骑手那种松散的、不设防的态度形成了毁灭性的碰撞。观众清楚地知道，这种格格不入的组合，在那个年代的美国是无法长久的。最后的结局，与其说是暴力，不如说是一种必然的释放，它将所有未解决的矛盾，通过一种极度震撼的方式，彻底清算，留给观众的不是解脱，而是沉重的、挥之不去的无力感。

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这部电影的节奏处理，简直是教科书级别的反直觉。它故意放慢了速度，用大段大段近乎冥想式的镜头来展现骑行的过程，让观众习惯于那种“无目的性”。这种慢，恰恰是现代观众最难适应的，因为我们习惯了信息的高速轰炸和情节的快速推进。然而，正是这种缓慢，迫使我们去关注细节——比如角色之间沉默的交流，比如他们如何在小镇的边缘游荡，又比如他们对毒品和迷幻剂的使用，那不是为了寻求刺激，而更像是在试图穿越现实的屏障，寻找那个“真实”的美国。导演巧妙地运用了这种“留白”，让观众有空间去思考和感受，而不是被情节推着走。它拒绝提供简单的答案或清晰的道德判断，它只是呈现——呈现了两种生存方式的碰撞，呈现了时代转变期的躁动与不安。这种对叙事传统的颠覆，让影片至今仍被视为独立电影的里程碑，因为它敢于牺牲即时的娱乐性，来换取更深层次的共鸣。

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这部电影的配乐简直是神来之笔，它不单单是背景音乐，它就是角色本身，是公路本身。将大量的七十年代初期经典摇滚乐和民谣无缝地嵌入到叙事之中，这种处理方式在当时的美国电影中是相当大胆和前卫的。每一次当“Born to Be Wild”或者其他那些标志性的旋律响起时，那种肾上腺素飙升的感觉，那种对体制的反叛精神，都被音乐的力量提升到了一个全新的维度。音乐的选择精准地捕捉了主角们内心深处的渴望与挣扎——既有对自由无拘无束的拥抱，也有对主流社会排斥的无奈。更妙的是，有时候场景内是一片死寂，只有摩托车发动机的轰鸣声和风声，这种对比反而让音乐的出现更具爆炸性。这不仅仅是“好听”的问题，它是一种结构性的元素，如果抽离了这些音乐，影片的灵魂会立刻消散。对于任何热爱那个时代音乐的人来说，光是这张“声音地图”就值回票价了，它成功地为一代人的叛逆文化立下了一座听觉的纪念碑。

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这部影片的影像风格，着实令人着迷。那种带着怀旧滤镜的粗粝质感，仿佛一下子将人拽回了六十年代末加州那片燥热、自由却又暗流涌动的土地上。摄影师的镜头语言是如此的克制又充满张力，他们似乎并不急于捕捉任何一个戏剧性的高潮，而是耐心地等待着，让那种无所事事、漫无目的的公路旅行的氛围，如同慢火细熬的炖肉一般，慢慢渗透进观众的皮肤里。你几乎能闻到摩托车引擎散发出的汽油味和空气中弥漫的烟草味。尤其是那些日落时分的场景，天空被染成一片不真实的橘红与深紫，两位主角的身影被拉得极长，孤独感被无限放大。它不是那种炫技的运镜，而更像是一种情绪的记录，一种对美国精神在特定历史节点下某种消逝的侧写。这种视觉上的沉浸感，即便是在今天来看，也丝毫没有过时，反而因为现代电影的过度锐化和清晰，显得愈发珍贵，它保留了一种胶片特有的、略带迷茫和粗粝的美学，让人在欣赏的同时，也油然而生一种对逝去时光的怅惘。

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从人物塑造的角度来看，比利和怀特代表了两种截然不同的反叛姿态。比利（Peter Fonda 饰演）更像是那种带着精致的、近乎贵族式的傲慢，他似乎从一开始就没打算融入，他的“自由”是精心维护的形象，是那种“我就是与众不同”的宣言。而怀特（Dennis Hopper 饰演）则显得更为底层、更为情绪化，他的不安和愤怒更具爆发性，他身上的那种游民气质，让他更容易与社会中的边缘群体产生联系，也更容易被体制的偏见所伤害。他们之间的伙伴情谊是全片最动人的核心，但这种情谊本身也充满了缺陷和张力。他们互相需要彼此来定义自己的反叛，却又因为个性的差异和外部世界的挤压，无法真正地共享彼此的内心世界。这种复杂的关系网，超越了简单的“兄弟情义”，它探讨的是在极端环境下，个体对归属感和身份认同的渴望，即使这种归属感只能在短暂的、共犯式的逃亡中获得。他们是彼此的镜子，映照出对自由的共同向往，以及对最终孤独的恐惧。

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