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出版者:Hal Leonard Publishing Corporation

作者:Miller, Scott

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:2003-11

价格:USD 16.95

装帧:Paperback

isbn号码:9780634065088

丛书系列:

图书标签:

• German Rock
• Keyboards
• Music
• Germany
• Rock Music
• Instrumental
• Progressive Rock
• Electronic Music
• Synthesizer
• 1970s

好的，这是一份不涉及《German-Rock Keyboards》内容的图书简介，重点描述其他相关或不相关的书籍内容，字数控制在1500字左右。 --- 《蓝色多瑙河畔的咖啡馆素描：战后奥地利小型工业的兴衰》 作者： 汉斯·施密特 (Hans Schmidt) 出版社： 维也纳历史研究社 出版日期： 2023年秋季 ISBN： 978-3-904567-88-1 内容简介： 本书深入挖掘了二战后奥地利共和国在重建与发展阶段，那些不为人知的小型家族企业和手工业作坊的生存图景。这并非一部聚焦于宏大经济政策或跨国公司崛起的通史，而是一部植根于地方、充满了人情味和烟火气的社会经济史侧写。 施密特教授将目光投向了从布尔根兰州到蒂罗尔山区，那些在战后物资匮乏、政治动荡中艰难求生的“隐形冠军”——那些制造精美搪瓷器具的工坊、在阿尔卑斯山脚下世代传承的手表维修店、以及在维也纳近郊默默生产专业化学试剂的小型实验室。 第一部分：灰烬与咖啡渣——战后初期的挣扎（1945-1955） 奥地利战后初期的经济图景，被盟军的占领和物资的极度短缺所定义。本书详尽考察了小型企业如何应对恶性通货膨胀和黑市交易的挑战。我们跟随三代面包师家族，观察他们如何用极少的面粉配额维持社区的日常供应；分析了手工艺人如何利用战损物资进行“二次创造”，例如将废弃的降落伞尼龙改造为耐用的鞋面材料。 施密特教授特别关注了“维也纳模式”下，小型制造业在保障地方就业中的核心作用。书中收录了大量口述历史，记录了工匠们在极度简陋的条件下，如何通过口耳相传的技艺和社群互助，艰难地维持生产链的运转。其中，对“奥地利雪松木家具制造合作社”的案例分析，揭示了地方资源有限性如何倒逼出创新的材料替代方案。 第二部分：经济奇迹的阴影——繁荣下的结构性转变（1956-1970） 随着《国家条约》的签订和经济的逐步复苏，奥地利的小型企业迎来了“经济奇迹”的余晖。然而，本书清晰地指出，这种繁荣并非均质的。大型工业项目的上马和消费主义的兴起，开始对传统的小作坊构成了结构性威胁。 这一部分重点探讨了小型企业在技术升级和市场定位上的困境。例如，面对进口廉价塑料制品的冲击，萨尔茨堡周边那些生产传统陶器的家庭工厂，如何选择坚守高附加值的艺术路线，或者彻底转向服务业。书中对“利奥波德·穆勒钟表学校”的兴衰进行了细致描摹，展示了教育体系如何试图为这些传统行业培养新一代继承人，但却往往面临年轻人向城市大工厂流失的现实。 第三部分：专业化与全球化边缘的博弈（1971-1989） 进入七十年代，小型企业必须面对石油危机和日趋激烈的国际竞争。本书强调了奥地利中小型企业（KMU）在“利基市场”（Niche Market）中的独特生存之道。与其在大批量生产上竞争，不如转向高度专业化和定制化的领域。 案例研究包括：一家位于格拉茨的金属加工厂，如何放弃普通零件的生产，转而专注于为核能研究设备提供超高精度的特种合金部件；以及蒂罗尔地区一家小型纺织厂，如何凭借其对传统提花工艺的精湛掌握，成为欧洲高端时装品牌的秘密供应商。 施密特教授的分析超越了单纯的经济数据，融入了社会人类学的视角。他探讨了企业主和工匠身份认同的转变——从战后的“重建者”到后来的“专业主义者”，以及这种身份认同如何影响了他们对创新和风险的态度。 本书的独特价值： 《蓝色多瑙河畔的咖啡馆素描》的价值在于，它提供了一个自下而上的视角，审视了奥地利社会在宏观经济浪潮下的微观韧性。作者通过对历史档案、商业信函和大量的企业访谈的细致梳理，重构了一个由无数坚韧的个体所构筑的经济景观。它揭示了在经济史常常被忽略的角落里，隐藏着塑造一个国家文化和经济特性的关键力量。 适合读者： 对战后中欧历史、经济社会学、工业人类学以及奥地利文化史感兴趣的读者。尤其推荐给关注中小企业发展战略和地方经济韧性的研究人员和政策制定者。 --- 《失落的交响：十九世纪末巴黎前卫艺术运动中的建筑声学探索》 作者： 伊莎贝拉·德拉库瓦 (Isabella Delacroix) 出版社： 法国现代艺术遗产出版社 出版日期： 2024年初 ISBN： 978-2-910022-74-3 内容简介： 本书是一部大胆的跨学科研究，将十九世纪末巴黎蓬勃发展的先锋艺术、新兴的声学科学，以及被遗忘的建筑设计理念紧密结合起来。德拉库瓦教授挑战了传统艺术史将建筑仅视为视觉艺术的观点，主张在那个充满实验精神的时代，声音的感知与空间的塑造是同等重要的议题。 本书的核心论点是：1880年至1914年间，巴黎的象征主义画家、印象派音乐家和实验性建筑师们，正以前所未有的方式，试图构建能够“重现”或“可视化”声音的建筑环境。 第一部分：从“眼睛的艺术”到“耳朵的空间”——概念的碰撞 在奥斯曼改造后的巴黎，旧有的剧院和音乐厅的声学设计日益无法满足瓦格纳主义和德彪西音乐对复杂声场的要求。本书首先梳理了当时声学理论的飞速发展，特别是费希纳（Fechner）的实验心理物理学和瑞利勋爵（Lord Rayleigh）在振动理论上的突破，如何渗透到艺术家的思维中。 德拉库瓦分析了诸如“共鸣室”（Chambre de Résonance）和“纯音建筑”（Architecture du Son Pur）等概念的起源。她指出，许多前卫团体，如“光与色协会”的成员，相信特定的几何形状和材料组合能够“捕获”或“引导”观众的听觉体验，使其达到近乎迷幻的境地。 第二部分：被遗忘的图纸——实验性声学建筑的项目分析 本书的重头戏是对一系列鲜为人知甚至从未建成的建筑草图和模型进行了深入的重建与分析。这些项目展示了建筑师如何运用非传统的结构来操纵声音： 1. “塞纳河上的穹顶”： 考察了建筑师阿莱克斯·勒邦（Alexandre Lebon）为音乐会设计的半潜式聆听空间，该设计试图利用水面反射来消除环境噪音，并用内部复杂的曲面墙体创造无限的混响效果。书中详细还原了当时采用的声学模型测试（使用沙粒和弦乐器进行振动可视化）。 2. 象征主义剧院的“寂静之墙”： 分析了作家和剧作家试图在舞台背景中融入能够吸收特定频率噪音的“消音壁龛”的尝试。这些墙壁并非用于美学装饰，而是作为物理屏障，旨在使舞台上的对白或音乐在特定的角度下，听起来具有一种“超自然”的清晰度或模糊感。 3. “色彩与音色的统一”： 德拉库瓦揭示了某些艺术家群体对“共感觉”（Synesthesia）的建筑实践。他们尝试用不同密度的石膏、大理石或彩绘玻璃来代表不同的音高和音色。例如，高音区可能对应于浅色、光滑的表面，而低音则对应于粗糙、深色的材料。 第三部分：声音的遗产与被遗忘的实践 本书的最后一部分探讨了这些前卫的声学探索如何被主流建筑学所吸收或抛弃。随着实用主义和现代主义的兴起，对复杂、主观听觉体验的追求逐渐让位于功能性和标准化。许多实验性的声学处理被视为过于昂贵或不切实际而被移除或简化。 德拉库瓦通过对比现存的巴黎歌剧院（加尼叶宫）的传统设计和那些前卫方案，论证了声学设计如何成为衡量一个时代艺术抱负的关键指标。本书结论提出，对声音空间的极端敏感性，正是十九世纪末巴黎艺术界对现代性焦虑的一种独特回应。 本书的贡献： 《失落的交响》首次将十九世纪末巴黎的声学科学、音乐美学与建筑实践放在一个统一的理论框架下进行考察。它不仅是对艺术史的修正，也是对建筑史的一次重要拓宽，邀请读者用耳朵去重新“看”待那些宏伟的十九世纪空间。 适合读者： 对音乐建筑史、十九世纪末欧洲艺术史、声学工程与美学交叉领域的学者、音乐家以及对巴黎历史和前卫艺术有浓厚兴趣的读者。 ---

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我是在一个深夜，喝着冰镇啤酒，试图寻找一些能让我大脑高速运转起来的灵感时翻开这本《German-Rock Keyboards》的。我的兴趣点在于那些德式电子乐中特有的、那种冰冷而精确的、仿佛来自未来世界的节奏脉冲是如何被键盘手们捕捉和塑造的。我对那些充满了机械感的序列和反乌托邦式的音景极为着迷。很遗憾，这本书的叙事方式显得过于学术化和碎片化，它更像是一份分类详尽的乐器“图鉴”，而非音乐评论的深度剖析。书中花费了大量的篇幅去罗列不同年代德国摇滚乐队所使用的键盘型号，从早期的Hammond到后来的Fairlight CMI，数据详实得令人咂舌，但这些罗列之间缺乏有力的线索将它们串联起来，形成一个有机的历史发展脉络。我期待读到的是关于“Krautrock”这种音乐形式的哲学内核如何通过键盘的重复结构来体现，比如Can乐队那种近乎催眠的律动，或者Cluster那种空间感的铺陈。但这里，这些宏大的主题仅仅被轻轻带过，而那些关于特定音色如何影响特定歌曲情绪的分析，几乎不存在。读完后，我仿佛只是看了一份非常详尽的设备清单，而不是一次深入的音乐之旅。它告诉我“他们用了什么”，但没有告诉我“他们是如何用这些东西创造出如此震撼人心的声音的”。

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说实话，当我决定阅读《German-Rock Keyboards》时，我期待的是一场关于音色纹理和空间处理的感官盛宴，毕竟德国摇滚的键盘部分往往是营造氛围的绝对核心，那种如同在广袤的柏林墙下演奏的空旷感和疏离感，是其魅力所在。这本书给我的感觉是，它将所有的焦点都放在了硬件的“能”与“不能”上，而不是音乐家如何超越硬件的限制去创造艺术。举个例子，书中对于早期的模拟合成器滤波器的“共振峰”如何影响音色的“锐利度”进行了近乎教科书式的讲解，这无疑是正确的，但对于我们这些听众来说，我们真正想知道的是，为什么某个特定的共振峰设定能让一个简单的琶音听起来如此具有攻击性或如此梦幻。书中的案例分析非常缺乏，那些激动人心的、改变游戏规则的现场即兴段落，那些被键盘手即兴“调制”出来的、听起来仿佛是宇宙射线穿过房间的怪异音效，在书中几乎没有得到应有的重视和剖析。它更像是一本为未来的键盘设计师准备的参考书，而不是一本为热爱并研究德式摇滚的听众准备的导览。文字的堆砌感很强，缺乏那种直击人心的音乐洞察力。

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对于我来说，德国摇滚的魅力很大程度上来源于它那股反叛传统、拥抱未来科技的先锋精神。我打开《German-Rock Keyboards》，满心期待着能读到一些关于如何打破常规、用键盘制造出“非人声”或“非传统乐器”声音的秘诀或故事。我关注的是那些突破性的音色实验，是音乐家如何将冰冷的机器注入灵魂，创造出那些既机械又充满人性挣扎感的独特声景。然而，这本书似乎将重点放在了“如何维护这些机器”而非“如何用这些机器来表达情感”上。书中关于音色设计的描述，大多停留在对特定模块化合成器效果链的忠实记录上，对于这些效果是如何被用来表达诸如“疏离”、“速度感”或“集体主义的反思”等主题，几乎没有深入探讨。我找不到关于具体演奏者在面对这些复杂设备时所展现出的创造性“误用”或“滥用”的精彩片段，而这些往往才是创造出真正独特声音的关键。总而言之，它是一本百科全书式的参考资料，但缺乏成为一部引人入胜的音乐札记所必需的激情与人文关怀。

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这本《German-Rock Keyboards》的封面设计倒是挺引人注目的，那种略带复古的字体和深邃的蓝紫色调，让人立刻联想到八十年代新浪潮音乐的黄金时期。我原本是冲着对德国摇滚黄金时代的向往而打开它的，特别是对Kraftwerk、Tangerine Dream这类先驱乐队键盘音色的演变过程抱有极高的期待。然而，这本书的篇幅似乎更多地放在了对键盘乐器本身的技术规格介绍上，比如各种合成器的电路图解析，甚至是不同品牌电容对音色细微差异的影响。虽然这些技术细节对于硬核的发烧友来说或许是宝藏，但对于一个渴望了解音乐创作背景、编曲思路以及标志性键盘Riff是如何诞生的乐迷来说，阅读过程显得有些枯燥。书中对具体专辑中那些令人难忘的合成器旋律是如何被构建、如何与鼓点和吉他声墙融合的讨论，简直少得可怜。我更希望读到的是，某个传奇键盘手如何在录音室里，对着一台Moog Model D，一遍遍调试LFO的速率，直到捕捉到那种标志性的“呼吸感”。这本书更像是一本精密的手册，而不是一部充满激情的音乐史诗，它错过了将技术细节转化为生动音乐故事的最佳机会。如果它的定位是面向电子乐器维修师，或许会更精准，但对于想深入理解德式摇滚键盘精髓的听众，这本书显然提供的“营养”不够。

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这本书的排版和插图设计，给人的第一印象是严谨到一丝不苟，这确实符合我对德国工业美学的某种刻板印象。然而，这种过度的严谨性似乎也渗透到了内容的组织结构中，使得阅读体验变得异常线性且缺乏惊喜。我本期望能看到一些关于键盘手之间相互影响、互相挑战的轶事，比如某个新技术的出现是如何引发整个音乐社群的“军备竞赛”的。但《German-Rock Keyboards》更多地采用了一种冷冰冰的编年史写法，把时间线上的每一个关键乐器都单独拿出来进行剖析，缺乏将这些元素编织成一个宏大叙事的努力。比如，我想知道，从Eno在柏林时期对环境声音的运用，到后来的电子舞曲兴起，键盘技术是如何悄无声息地完成过渡的。这本书里，这些转变更多地是通过技术参数的更迭来体现的，而不是通过音乐风格的演变来体现的。这种“只见树木，不见森林”的叙述方式，让读者很难把握德式摇滚键盘在整个欧洲乃至全球音乐发展史中的真正地位和影响力。它更像是一部详尽的设备目录，而不是一部充满思想碰撞的评论集。

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