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出版者:北京师范大学出版社

作者:启功

出品人:

页数:82

译者:

出版时间:2009-4

价格:23.00元

装帧:平装

isbn号码:9787303098446

丛书系列:坚净居丛帖·临写辑

图书标签:

• *北京师范大学出版社*
• 启功
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《翰墨丹青：中国近现代书画艺术的流变与探索》 内容简介： 本书旨在深入剖析中国近现代（约1840年至21世纪初）书画艺术在剧烈社会变革背景下的复杂演变历程、核心艺术思潮的碰撞与融合，以及不同地域、流派艺术家所进行的独特探索。这不是一部简单的艺术家传记汇编，而是一部聚焦于艺术语言转型、审美范式重塑与文化身份构建的宏大叙事。 第一章：风雨如晦——晚清的守正与开新（约1840-1911） 本章首先审视鸦片战争后，中国传统社会结构遭受冲击时，书画艺术所面临的“内忧外患”。在西方文化思潮的间接渗透下，传统文人画的“士气”与市场化的“商品性”之间产生了新的张力。 海派的世俗化与写实倾向： 重点分析以上海为中心的“海派”画家如何吸纳江南文人画的细腻与民间艺术的雅俗共赏，如吴昌硕早年对金石入画的执着，以及如何通过对花卉、蔬果的写实性描摹，回应新兴市民阶层的审美需求。探讨其如何在外师造化与内抒胸臆之间寻找平衡点。 岭南画派的地域特色与革新： 聚焦于岭南地区受海外文化影响，所孕育出的融合中西技法的先驱们。如何将印象派的光影处理、对色彩的敏感度融入传统水墨，尤其是在描绘本土物象（如花鸟、风景）时的创新实践。 “四王”传统的延续与僵化： 探讨清代中期以来占据正统地位的“四王”画派在晚清时期的表现。分析其恪守“笔墨”传统的局限性，以及部分遗老画家在政治动荡中，如何通过将笔墨推向极致的“古典主义”来寄托故国之思。 第二章：风起云涌——民国初期的学院化与现代转型（1912-1949） 民国时期的文化教育体系的建立，使得艺术教育第一次被纳入国家规划。本章着重探讨艺术“机构化”与“学术化”对书画创作带来的结构性影响。 “南北对峙”的格局： 详细对比以北京、上海、南京为中心的北方（或称京派）与南方画派在教育理念上的差异。北方画坛强调对宋元经典的严谨继承，而南方则更注重个人情感的抒发与技法的实验。 “折衷主义”的兴起： 分析以“新国画”探索为代表的思潮。这批艺术家试图在西方透视学、解剖学与中国传统笔墨之间搭建桥梁。探讨他们如何处理“线条”（骨法用笔）与“光影”（体积感）的冲突与调和。例如，对传统山水画的“立体化”处理，以及在人物画中引入西方写实造型的尝试。 文人精神的最后坚守： 探讨在商业化和学院化浪潮下，依然坚持传统文人画“不含经济利益”的理想，如部分隐逸书画家，他们对水墨“气韵生动”的极致追求，以及这种追求在时代变迁中的坚韧性。 第三章：重塑与革新——新中国成立后的艺术道路选择（1949-1976） 本章聚焦于新中国成立后，艺术创作被赋予“为人民服务”的政治使命，书画艺术如何适应新的时代主题和意识形态要求。 主题的转换与题材的扩展： 传统山水、花鸟题材如何被“改造”以适应社会主义建设的需要。如山水画中注入了工厂、水坝、垦荒的元素，体现出“改造自然”的主题。人物画成为主流，要求画家掌握写实技巧以描绘工农英雄形象。 写意画与现实主义的结合： 分析部分画家如何尝试将传统写意画的奔放笔墨与革命现实主义的叙事要求相结合，力求在政治正确的前提下，保留艺术的感染力。这种结合往往体现为色彩的大胆运用和构图的宏大叙事。 书法艺术的规范化与回归： 探讨在特定历史时期，书法艺术如何从纯粹的“个人修养”转向强调“规范汉字”和“爱国主义情怀”。分析碑学热的兴起与对传统帖学的批判与反思。 第四章：勃兴与对话——改革开放后的多元化探索（1978至今） 随着社会环境的开放，书画艺术迎来了前所未有的多元化和国际化进程。本章分析艺术观念的解放和中西艺术的深度对话。 “实验水墨”的爆发： 详细阐述在思潮解放后，艺术家群体对水墨媒介的边界进行的大胆拓展。这不仅包括对传统笔墨的结构性解构，也包括引入装置、观念艺术的手法，挑战传统书画“案头清供”的审美定势。 对传统“程式”的反思与继承： 分析当代画家如何重新审视“笔墨”的意义。一些画家回归对宋元绘画的精微研究，但其目的不再是模仿，而是通过深入理解古人如何构建空间和精神，来对抗全球化背景下视觉文化的冲击。例如，对传统皴法和墨色的重新定义。 书法艺术的“回归本源”与“观念化”： 探讨当代书法如何摆脱对“馆阁体”或僵化楷书的恐惧，走向魏碑、金文、大草的全面复兴。同时，也关注部分书法家将文字的“载体”功能剥离，将其转化为纯粹的线条和结构艺术的实验。 国际视野下的中国书画： 讨论中国书画在国际艺术市场和学术语境中的定位。艺术家如何在保持文化基因的同时，用国际化的语言阐释东方哲学与当代处境，促进了跨文化间的理解与交流。 结语：笔墨的永恒张力 全书最后总结，近现代中国书画艺术的发展，始终围绕着“传统与现代”、“个体与集体”、“写实与写意”这三组永恒的张力展开。艺术家们无论选择坚守、革新还是融合，其最终目的都是为了让这古老的艺术形式，在瞬息万变的时代洪流中，保持其精神的活力与审美的独立性。本书力求提供一个全面而深入的视角，揭示这些艺术选择背后的时代逻辑与文化心声。

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这本书的装帧设计虽然典雅，但更让我欣赏的是它在实用性上的极致追求。我试过用钢笔、中楷笔、兼毫笔等不同工具去临摹同一个字帖，发现这本书的“吃墨性”和“笔锋过渡表现力”都非常出色。特别是那些需要展现枯笔飞白效果的段落，油墨的深浅过渡极其自然，让我可以清晰地分辨出启功先生在速度控制上的高下。很多字帖印得太死板，导致你一笔下去，不是墨太重就是墨太干，难以把握微妙的变化，而这本《启功临》在最大程度上保留了原作的“呼吸感”。这对于我们这些追求“写”而不是“描”的习书者来说，是至关重要的。它鼓励你去感受、去尝试，而不是僵硬地复制，这才是学习传统书法的真谛所在。

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这本《启功临》的装帧设计实在是太用心了，光是捧在手里，就能感受到那种沉甸甸的历史感和艺术的厚重。内页纸张的质地，那种微微泛着米黄色的光泽，摹写起来手感极佳，墨色在上面洇散得恰到好处，既能展现出启功先生笔法的细腻入微，又不失宣纸特有的苍润感。我尤其欣赏它对不同时期、不同书体（比如楷书、行书、草书）的收录的平衡性。每一页的排版都极其讲究，留白的处理达到了极高的审美境界，让人在临摹的同时，仿佛也被带入了一种宁静致远的创作心境中。那些精选的碑帖范本，其清晰度和还原度简直令人惊叹，即便是对着电脑屏幕研究很久都难以捕捉到的细微笔触，在这本书里都能清晰地洞察。对于一个致力于提升书法功底的爱好者来说，这本书简直是案头必备的圣经，它不仅仅是工具书，更像是一件值得珍藏的艺术品，每次翻阅都能带来新的体悟和启发。

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老实讲，最初购买这本书，是冲着启功先生的名头去的，但拿到后，我发现它更像是一部关于“审美哲学”的载体。启功先生的书法之所以耐人寻味，不光在于技法，更在于其超脱世俗的文人情怀。这本书在选取范本时，似乎也暗含了某种对这种情怀的致敬。从那些或清雅脱俗的小楷，到看似随意实则精妙的信札，你能感受到一种“不求人解，但求自安”的艺术态度。这让我开始反思自己的创作目的——我写字是为了炫技，还是为了表达内心的宁静与思考？这本书的价值已经超越了一般的技法学习范畴，它引导我从一个更高的维度去审视书法这门艺术，去体会那些笔墨背后所承载的文化重量和个人修为，这是一种非常难得的精神滋养。

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说实话，刚拿到手的时候，我对市面上众多的“名家临摹”字帖持保留态度的，很多都是粗制滥造，只是简单地把原作的照片印出来而已，完全没有体现出“临摹”的精髓。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它最大的价值在于对启功先生书写时“精气神”的捕捉与传达。观察那些被放大的局部细节，你会发现，启功先生在起笔、行笔、收笔时的微妙提按、顿挫，那种轻盈中带着老辣的韵味，被制作者用近乎苛刻的标准还原了出来。我尝试用不同型号的毛笔去比对着临写，发觉只要掌握了书中范本中那些看似随性实则严谨的结构关系，我的字形立刻就有了“精气神”的雏形，那种由内而外散发的文人气质，是单纯模仿字形很难达到的。这说明编者对启功先生的书法理解是非常深刻的，绝非流于表面。

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作为一名在书法学习路上走了不少弯路的人，我深知一套好的教材或范本对于学习者意味着什么——它决定了你能不能“走对路子”。这本书的结构安排非常合理，它没有一股脑地堆砌复杂的、难以辨认的狂草，而是从相对工整的楷书开始，循序渐进地引导读者进入到启功先生特有的那种灵动洒脱的行书境界。这种由简入繁、由实入虚的学习路径，极大地降低了学习的门槛，同时也保证了学习的系统性。我特别喜欢其中穿插的一些关于笔法要点的解析性文字（尽管文字不多），它们往往一语中的，点醒了我在练习中遇到的许多技术性难题，比如如何处理“蚕头燕尾”的过渡，如何保持行书中的“一脉相承”感。对于自学者而言，这本书无疑提供了一位高明的“隐形导师”。

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