For three decades, no American filmmaker has been as prolific -- or as paradoxical -- as Woody Allen. From Play It Again, Sam (1972) through Celebrity (1998) and Sweet and Lowdown (1999), Allen has produced an average of one film a year, yet in many of these films Allen reveals a progressively skeptical attitude toward both the value of art and the cultural contributions of artists. In examining Allen's filmmaking career, The Reluctant Film Art of Woody Allen demonstrates that his movies often question whether the projected illusions of magicians/artists benefit audience or artists. Other Allen films dramatize the opposed conviction that the consoling, life-redeeming illusions of art are the best solution humanity has devised to the existential dilemma of being a death-foreseeing animal. Peter Bailey demonstrates how Allen's films repeatedly revisit and reconfigure this tension between image and reality, art and life, fabrication and factuality, with each film reaching provisional resolutions that a subsequent movie will revise. Merging criticism and biography, Bailey identifies Allen's ambivalent views of the artistic enterprise as a key to understanding his entire filmmaking career. Because of its focus upon filmmaker Sandy Bates's conflict between entertaining audiences and confronting them with bleak human actualities, Stardust Memories is a central focus of the book. Bailey's examination of Allen's art/life dialectic also draws from the off screen drama of Allen's very public separation from Mia Farrow, and the book accordingly construes such post-scandal films as Bullets Over Broadway and Mighty Aphrodite as Allen's oblique cinematic responses to that tabloid tempest. By illuminating the thematic conflict at the heart of Allen's work, Bailey seeks not only to clarify the aesthetic designs of individual Allen films but to demonstrate how his oeuvre enacts an ongoing debate the screenwriter/director has been conducting with himself between creating cinematic narratives affirming the saving powers of the human imagination and making films acknowledging the irresolvably dark truths of the human condition.
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这本书的出版消息传开的时候,我就迫不及待地想要一睹为快了。虽然我还没有机会深入阅读,但仅凭我对伍迪·艾伦电影的喜爱,就已经足以让我充满期待。他那些充满智慧的对话、略带神经质的角色以及对都市生活的细致刻画,总是能在我心中激起强烈的共鸣。我常常会因为他电影中某个巧妙的转折而拍案叫绝,或者因为某个角色的独白而陷入沉思。他的作品就像一面镜子,折射出现代人在追求意义、爱情和人生价值的过程中所经历的种种困惑与挣扎。因此,我非常好奇这本书会如何深入剖析他独特的电影美学,以及那些看似随意却又充满深意的创作手法。我希望它能提供一些新的视角,让我能够以更深刻的方式去理解和欣赏他那些经典之作,也许还能从中发现一些我过去从未留意到的细节和内涵。
评分作为一名电影爱好者,我总是对那些能够揭示创作过程的书籍情有独钟。尤其是像伍迪·艾伦这样一位独特而富有争议的导演,他的电影世界总是充满着神秘感。我渴望了解他作为一名电影艺术家是如何思考的,他如何构思剧本,如何与演员合作,以及如何在拍摄过程中实现他的艺术构想。这本书的名字本身就暗示着一种对“艺术”的深入探讨,而不是简单的影评堆砌。我期待它能提供一些关于他创作哲学、美学理念以及他对电影艺术的独特见解。或许,它还会触及到他电影中那些反复出现的母题,比如人生的荒诞性、爱情的脆弱以及知识分子的焦虑等等,并尝试从艺术创作的角度去解释这些主题的形成和演变。
评分对于任何一位伍迪·艾伦的忠实观众而言,这本书都是一份不可多得的礼物。它不仅仅是一本书,更像是一次与大师对话的机会。我一直对他的作品抱有一种复杂的情感,既欣赏他的才华横溢,又对他的某些观点持保留态度,但这并不妨碍我对他的艺术成就的认可。这本书的名字“The Reluctant Film Art of Woody Allen”也让我产生了浓厚的兴趣,它暗示着一种不那么“功利”或者“迎合”的艺术创作态度,一种纯粹的对电影艺术的追求。我希望这本书能帮助我理解这种“不情愿”背后所蕴含的深刻含义,以及它如何塑造了伍迪·艾伦独特的电影风格。我很期待它能提供一种不同于以往的解读方式,让我有机会重新审视那些我所熟悉的电影。
评分这本书的封面设计非常吸引人,采用了沉静的蓝色调,并以一幅精心挑选的伍迪·艾伦早期电影中的经典画面作为点缀,那种复古的质感瞬间就勾起了我对那个时代的怀旧之情。它传递出一种低调的艺术感,没有过度的花哨,却有着一种沉甸甸的分量,仿佛暗示着书中所蕴含的不仅仅是关于电影的讨论,更是一种对艺术创作背后深沉思考的探索。我尤其喜欢封面上字体的大小和排版,既保持了书名的清晰易读,又增添了一丝微妙的优雅,让人在拿起它的时候,就能感受到一种精心打磨过的美学追求。总的来说,这个封面给我留下了深刻的第一印象,它成功地在众多书籍中脱颖而出,让我在看到它的那一刻就产生了强烈的阅读欲望。我甚至开始想象,书本的纸张质感和印刷效果会是怎样的,是否也能延续这种精致和考究,让人在翻阅过程中获得触觉上的愉悦。
评分这本书的出现,让我想起了过去那些捧着影评杂志,一遍遍回味经典电影的时光。在这个信息爆炸的时代,我们很容易被碎片化的信息所淹没,而一本深度探讨艺术的书籍,就像一股清流,能够引导我们重新审视和思考。我尤其关注那些关于电影制作细节的讨论,比如镜头语言的运用、剪辑的节奏、配乐的选择等等,这些往往是决定一部电影能否成为经典的关键。伍迪·艾伦的电影在这些方面总是做得非常出色,他的作品仿佛有着自己独特的生命力,能够触动观众内心最深处的情感。因此,我期待这本书能够像一位经验丰富的向导,带领我深入他电影的肌理,去发现那些隐藏在光影背后的秘密。
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