The Reluctant Film Art of Woody Allen

The Reluctant Film Art of Woody Allen pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

出版者:University Press of Kentucky
作者:Peter J. Bailey
出品人:
页数:334
译者:
出版时间:2003-04-19
价格:USD 19.95
装帧:Paperback
isbn号码:9780813190419
丛书系列:
图书标签:
  • 电影
  • woodyallen
  • Woody Allen
  • Film Studies
  • Film Art
  • American Cinema
  • Comedy
  • Jewish American Literature
  • Cultural Criticism
  • New York City
  • Autobiography
  • Humor
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具体描述

For three decades, no American filmmaker has been as prolific -- or as paradoxical -- as Woody Allen. From Play It Again, Sam (1972) through Celebrity (1998) and Sweet and Lowdown (1999), Allen has produced an average of one film a year, yet in many of these films Allen reveals a progressively skeptical attitude toward both the value of art and the cultural contributions of artists. In examining Allen's filmmaking career, The Reluctant Film Art of Woody Allen demonstrates that his movies often question whether the projected illusions of magicians/artists benefit audience or artists. Other Allen films dramatize the opposed conviction that the consoling, life-redeeming illusions of art are the best solution humanity has devised to the existential dilemma of being a death-foreseeing animal. Peter Bailey demonstrates how Allen's films repeatedly revisit and reconfigure this tension between image and reality, art and life, fabrication and factuality, with each film reaching provisional resolutions that a subsequent movie will revise. Merging criticism and biography, Bailey identifies Allen's ambivalent views of the artistic enterprise as a key to understanding his entire filmmaking career. Because of its focus upon filmmaker Sandy Bates's conflict between entertaining audiences and confronting them with bleak human actualities, Stardust Memories is a central focus of the book. Bailey's examination of Allen's art/life dialectic also draws from the off screen drama of Allen's very public separation from Mia Farrow, and the book accordingly construes such post-scandal films as Bullets Over Broadway and Mighty Aphrodite as Allen's oblique cinematic responses to that tabloid tempest. By illuminating the thematic conflict at the heart of Allen's work, Bailey seeks not only to clarify the aesthetic designs of individual Allen films but to demonstrate how his oeuvre enacts an ongoing debate the screenwriter/director has been conducting with himself between creating cinematic narratives affirming the saving powers of the human imagination and making films acknowledging the irresolvably dark truths of the human condition.

电影中的焦虑与城市疏离:《二十世纪中叶美国独立电影的叙事转向》 作者: 艾米莉·卡特(Emily Carter) 出版社: 北岸大学出版社 出版年份: 2018年 书籍内容概要: 《二十世纪中叶美国独立电影的叙事转向》深入剖析了自20世纪70年代初至90年代末,美国独立电影在叙事结构、主题选择以及美学风格上所经历的一场深刻变革。本书旨在考察在好莱坞主流叙事范式日益固化、商业化倾向加剧的背景下,一批富有远见的独立电影人如何通过挑战传统叙事逻辑,构建出更具实验性、更贴近个体内心体验的电影世界。 本书的核心论点在于,这一时期的美国独立电影不再仅仅满足于对好莱坞传统“三幕剧”结构的简单模仿或反叛,而是系统性地转向了一种更侧重于状态、氛围和非线性体验的叙事模式。作者认为,这种转向不仅是对社会变迁(如后现代主义思潮的兴起、城市化进程的加速以及身份政治的复杂化)的文化回应,也是对电影作为一种媒介自身潜力的重新探索。 第一部分:对“经典好莱坞范式”的解构与逃逸(1970-1985) 本部分首先确立了研究的基点:经典好莱坞叙事(Classical Hollywood Narrative, CHN)的特点及其在1970年代初所面临的危机。作者分析了如马丁·斯科塞斯早期作品、约翰·卡萨维茨的“电影化戏剧”以及一些新学派纪录片对传统因果链条的侵蚀。 关键分析点包括: 破碎的时间感与非英雄主义: 探讨了独立电影如何放弃清晰的目标导向型主角,转而关注那些在社会边缘徘徊、目标模糊甚至自我毁灭的角色。叙事重点从“事件驱动”转向了“角色状态”的维持。 “反高潮”的运用: 讨论了在许多独立制作中,事件的发展往往导向平淡、无解或反讽性的结局,以此消解观众对传统“正义得到伸张”或“情感得到圆满解决”的预期。 低保真美学作为叙事工具: 强调了早期独立电影(如使用手持摄影、现场同期声、粗粝的剪辑)的美学选择,并非仅仅是预算限制的结果,而是一种主动的叙事姿态——拒绝好莱坞式的光洁与完美,追求一种“在场感”和即时性。 第二部分:城市空间、身份焦虑与后现代的碎片化(1986-1995) 随着1980年代中后期独立电影的商业化初步成功(如“新美国独立电影”的涌现),叙事主题开始聚焦于身份的流动性、都市环境的异化感以及文化符号的互相指涉。 本书花了大量篇幅分析了“对话电影”的兴起。这些电影的叙事张力不再依赖于情节的冲突,而是源于语言的交锋、知识分子式的踌躇以及对日常荒谬性的捕捉。作者细致考察了语言是如何在这些电影中成为一种既是沟通工具又是隔阂之墙的存在。 都市景观作为主角: 探讨了如纽约、洛杉矶等城市空间,如何被构建成一个充满潜在威胁、信息过载但情感贫瘠的迷宫。电影不再仅仅“发生”在城市里,城市本身——其建筑、街道和人群的匿名性——构成了叙事的基础结构。 知识与行动的脱节: 深入研究了主角们普遍存在的“过度思考”倾向。他们深谙文化理论、哲学思辨,却在实际的行动层面表现出瘫痪。这种叙事上的“认知过载”反映了后现代语境下个体面对海量信息的无力感。 黑色幽默与自我反思: 分析了如何利用讽刺、戏仿和元叙事(即电影对电影制作本身的评论)来解构既有的文化神话。这种叙事手法迫使观众跳出故事本身,审视叙事构建的过程。 第三部分:家庭关系的重构与情感的疏离(1996-1999) 在世纪之交,独立电影的叙事开始将焦点从宏大的社会批判转向微观的、私密的家庭和社会关系。这一阶段的叙事转向体现出一种对“温暖”和“连接”的渴望,但最终呈现的往往是更为精微的失败。 作者研究了独立电影如何重塑家庭肖像,着重分析了那些不再遵循“代际冲突—和解”模式的家庭叙事。取而代之的是: 沉默的叙事空间: 许多家庭场景中,角色之间充满了未说出口的张力,叙事依赖于长时间的凝视、环境音的堆叠以及肢体语言的微小变化。这种叙事策略有效地传达了现代家庭中情感的隔阂。 “非事件”的戏剧性: 探讨了如何将日常生活中看似平淡无奇的遭遇(如一次失败的晚餐、一次无目的的旅行)提升到具有核心戏剧性的地位。叙事重心在于捕捉这些“瞬间”中蕴含的巨大情感重量。 边缘角色的中心化: 关注了那些在主流叙事中被边缘化的角色(如青春期的女孩、精神受困的中年人),独立电影如何赋予他们的内心世界以同等的叙事权重,从而揭示出被主流叙事所忽略的复杂人性。 结论:叙事转向的文化遗产 本书最后总结道,20世纪中叶的美国独立电影所展现的叙事转向,标志着美国电影文化对主体性、真实性以及媒介自身局限性的深刻反思。它为后来的独立电影制作提供了宝贵的叙事工具箱,证明了电影不必依赖外部的宏大情节,其最强大的力量可以存在于对人类经验细微之处的细致描摹之中,以及对传统期望的审慎背离之上。 本书适合对象: 电影理论研究者、文化研究学者、独立电影制作人,以及对美国电影史和后现代叙事结构感兴趣的读者。

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读后感

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用户评价

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这本书的出版消息传开的时候,我就迫不及待地想要一睹为快了。虽然我还没有机会深入阅读,但仅凭我对伍迪·艾伦电影的喜爱,就已经足以让我充满期待。他那些充满智慧的对话、略带神经质的角色以及对都市生活的细致刻画,总是能在我心中激起强烈的共鸣。我常常会因为他电影中某个巧妙的转折而拍案叫绝,或者因为某个角色的独白而陷入沉思。他的作品就像一面镜子,折射出现代人在追求意义、爱情和人生价值的过程中所经历的种种困惑与挣扎。因此,我非常好奇这本书会如何深入剖析他独特的电影美学,以及那些看似随意却又充满深意的创作手法。我希望它能提供一些新的视角,让我能够以更深刻的方式去理解和欣赏他那些经典之作,也许还能从中发现一些我过去从未留意到的细节和内涵。

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作为一名电影爱好者,我总是对那些能够揭示创作过程的书籍情有独钟。尤其是像伍迪·艾伦这样一位独特而富有争议的导演,他的电影世界总是充满着神秘感。我渴望了解他作为一名电影艺术家是如何思考的,他如何构思剧本,如何与演员合作,以及如何在拍摄过程中实现他的艺术构想。这本书的名字本身就暗示着一种对“艺术”的深入探讨,而不是简单的影评堆砌。我期待它能提供一些关于他创作哲学、美学理念以及他对电影艺术的独特见解。或许,它还会触及到他电影中那些反复出现的母题,比如人生的荒诞性、爱情的脆弱以及知识分子的焦虑等等,并尝试从艺术创作的角度去解释这些主题的形成和演变。

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对于任何一位伍迪·艾伦的忠实观众而言,这本书都是一份不可多得的礼物。它不仅仅是一本书,更像是一次与大师对话的机会。我一直对他的作品抱有一种复杂的情感,既欣赏他的才华横溢,又对他的某些观点持保留态度,但这并不妨碍我对他的艺术成就的认可。这本书的名字“The Reluctant Film Art of Woody Allen”也让我产生了浓厚的兴趣,它暗示着一种不那么“功利”或者“迎合”的艺术创作态度,一种纯粹的对电影艺术的追求。我希望这本书能帮助我理解这种“不情愿”背后所蕴含的深刻含义,以及它如何塑造了伍迪·艾伦独特的电影风格。我很期待它能提供一种不同于以往的解读方式,让我有机会重新审视那些我所熟悉的电影。

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这本书的封面设计非常吸引人,采用了沉静的蓝色调,并以一幅精心挑选的伍迪·艾伦早期电影中的经典画面作为点缀,那种复古的质感瞬间就勾起了我对那个时代的怀旧之情。它传递出一种低调的艺术感,没有过度的花哨,却有着一种沉甸甸的分量,仿佛暗示着书中所蕴含的不仅仅是关于电影的讨论,更是一种对艺术创作背后深沉思考的探索。我尤其喜欢封面上字体的大小和排版,既保持了书名的清晰易读,又增添了一丝微妙的优雅,让人在拿起它的时候,就能感受到一种精心打磨过的美学追求。总的来说,这个封面给我留下了深刻的第一印象,它成功地在众多书籍中脱颖而出,让我在看到它的那一刻就产生了强烈的阅读欲望。我甚至开始想象,书本的纸张质感和印刷效果会是怎样的,是否也能延续这种精致和考究,让人在翻阅过程中获得触觉上的愉悦。

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这本书的出现,让我想起了过去那些捧着影评杂志,一遍遍回味经典电影的时光。在这个信息爆炸的时代,我们很容易被碎片化的信息所淹没,而一本深度探讨艺术的书籍,就像一股清流,能够引导我们重新审视和思考。我尤其关注那些关于电影制作细节的讨论,比如镜头语言的运用、剪辑的节奏、配乐的选择等等,这些往往是决定一部电影能否成为经典的关键。伍迪·艾伦的电影在这些方面总是做得非常出色,他的作品仿佛有着自己独特的生命力,能够触动观众内心最深处的情感。因此,我期待这本书能够像一位经验丰富的向导,带领我深入他电影的肌理,去发现那些隐藏在光影背后的秘密。

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