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页数:84

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出版时间:2009-4

价格:28.00元

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isbn号码:9787305052323

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《东方梵音：雕塑与绘画中的佛教意象》 本书并非一本涵盖中国佛教艺术全貌的百科全书，而是一次深度聚焦与艺术呈现的尝试。我们旨在通过精选的佛教雕塑与绘画作品，揭示蕴藏在这些千年艺术瑰宝中的精神旨趣、审美追求以及与社会文化思潮的微妙互动。本书将带领读者穿越时空的壁垒，亲近那些承载着信仰与技艺的非凡杰作，体味东方艺术中独特而深邃的佛教意蕴。 第一章：造像之魂——塑绘一体的佛教叙事 佛教造像，无论是庄严的石窟雕塑，还是精美的佛画，都不仅仅是宗教偶像，更是集哲学、美学、技艺于一体的艺术载体。本章将从“塑绘一体”的视角切入，探讨雕塑与绘画在塑造佛教形象上的异同与互补。我们将审视早期佛教造像如何从印度犍陀罗风格向本土化演变，如云冈石窟、龙门石窟中的那些雄浑壮丽的佛陀、菩萨形象，它们如何将古印度佛教的庄严与中国北方民族的粗犷、豪放融为一体，展现出一种早期中国佛教艺术的磅礴气势。 接着，我们将深入解析唐代佛教艺术的辉煌。唐代造像以其丰满圆润、神态生动而闻名，如西安碑林博物馆收藏的唐代佛像，以及敦煌莫高窟中色彩绚丽、线条流畅的壁画。这些作品不仅在技艺上达到了顶峰，更在精神气质上表现出一种博大雍容、自信开放的时代精神。我们会详细分析唐代佛像面部表情的微妙变化，如何通过眼神、嘴角、眉宇间的细微之处，传递出慈悲、智慧、威严等不同层次的宗教情感。同时，唐代佛画中对细节的刻画，如人物的衣纹、配饰、背景的描绘，是如何服务于整体的宗教叙事，增强艺术作品的感染力。 我们还将探讨佛教绘画在表现形式上的独特之处。不同于西方宗教绘画的写实主义，中国佛教绘画更倾向于意境的营造与精神的传达。从北宋时期的人物画大家李公麟的白描佛像，到元代画家赵孟頫笔下的佛像，以及明清时期流行的观音画、罗汉画，都展现了不同时代文人士大夫的审美情趣与对佛教的理解。这些画作如何通过笔墨的浓淡干湿，线条的刚柔曲直，色彩的明暗冷暖，来塑造出艺术家心中的理想境界，并引导观者进入一种冥想与体悟之中。 第二章：意象的流转——从 symbolism 到 aestheticism 佛教艺术的核心在于“意象”的表达，即通过具体的艺术形象来象征抽象的佛教观念。本章将聚焦于佛教艺术中常见的“意象”，并分析其在不同时期的演变与审美化过程。 我们将从“佛陀”这一核心意象开始。从早期佛教造像中象征性的佛塔、法轮，到渐次出现的具象化的佛陀形象，再到不同佛陀（如释迦牟尼佛、弥勒佛、阿弥陀佛）各自独特的象征意义与造像特征。我们会解析佛陀造型的“三十二相”与“八十随形好”是如何在艺术创作中被具象化，以及这些特征背后所蕴含的智慧与功德。例如，肉髻象征智慧，眉间白毫象征光明，臂舒金色象征慈悲。 随后，我们将深入探讨“菩萨”意象的多样性与魅力。观音菩萨作为中国佛教艺术中最受欢迎的形象之一，其“千手千眼”的象征意义，以及在不同时期、不同地域呈现的丰富形态（如水月观音、净瓶观音、送子观音），都将是重点分析的对象。我们会探讨这些形象是如何从印度佛教传入，并在中国文化语境下被不断丰富与再创造，最终成为民间信仰与艺术创作的重要母题。同时，我们也会涉及文殊菩萨、普贤菩萨、地藏菩萨等其他重要菩萨形象的造像特点与象征意义。 除了佛陀与菩萨，本章还将探讨“罗汉”、“力士”、“飞天”等其他佛教艺术中的重要意象。罗汉的“十八罗汉”或“十六罗汉”形象，如何从原本的修行者形象演变为具有鲜明个性的艺术形象，反映了中国民间对高僧大德的崇敬与想象。力士的健硕与怒目圆睁，如何象征佛教的护法力量。而敦煌壁画中那些翩翩起舞的飞天，则是佛教艺术中对极乐世界美好景象的浪漫想象，它们以优美的姿态、轻盈的舞姿，为佛教艺术增添了灵动与飘逸之美。 我们还将关注佛教艺术中的“象征性元素”，如莲花象征纯洁与解脱，法轮象征佛法永恒，宝瓶象征吉祥与富贵，以及各种“吉祥图案”在佛教器物和装饰中的运用。这些意象的流转与演变，反映了佛教思想在中国社会中的传播与融合，以及艺术家们在表达佛教义理时所展现的无穷创造力。 第三章：形式的演进——材质、技法与时代风韵 佛教艺术的生命力，不仅在于其精神内涵，更在于其材质的选取、技法的革新以及在不同时代风貌下的独特呈现。本章将从艺术形式的角度，审视佛教艺术的物质载体与技艺发展。 我们将从“材质”的维度展开。石窟寺的雕塑，如甘肃的炳灵寺石窟、四川的安岳石窟，它们以坚实的岩石为基础，历经千年风雨，依然屹立不倒，展现出一种永恒的力量。我们将分析不同地区、不同时期石窟雕塑所使用的石材特点，以及古代工匠如何利用石材的天然肌理与色彩，来增强作品的表现力。 除了石雕，我们还将关注“金属造像”的发展。从青铜佛像到金铜佛像，其制作工艺的不断精进。如秦汉时期的铜佛像，造型古朴；魏晋南北朝时期，开始受到印度犍陀罗和笈多风格的影响，造型趋于丰满；隋唐时期，则出现了集浑厚与秀丽于一体的铜佛像，如陕西历史博物馆收藏的隋代铜佛像，其庄严又不失雍容的气度。我们会探讨失蜡法、铸造工艺等技术在佛教造像中的应用，以及金属材料如何赋予佛像一种特殊的庄重感与神圣感。 “木雕”与“泥塑”也是佛教艺术中不可或缺的部分。佛教寺庙中的大型佛像，如宋代以后出现的木雕佛像，往往体量巨大，造型生动，色彩斑斓，如山西应县木塔内的佛像。泥塑则以其易塑性，能够表现出更为细腻的情感与丰富的层次，如明清时期寺庙中的泥塑群像，常以戏剧化的手法表现佛教故事。 在“绘画”方面，本章将深入探讨“壁画”与“卷轴画”的各自特点。敦煌壁画以其宏大的规模、丰富的题材、绚丽的色彩，成为中国古代佛教绘画的瑰宝。我们会分析敦煌壁画在题材上的多样性（如经变画、故事画、供养人像），以及其色彩的运用、线条的勾勒、构图的布局如何服务于宗教叙事与艺术表达。卷轴画则以其便携性与观赏性，在宋元明清时期得到极大发展。我们将选取一些代表性的佛教卷轴画作品，分析其构图的巧思、笔墨的韵味、色彩的运用，以及如何通过小幅画卷来营造深远的意境。 此外，本章还将触及佛教艺术中的“建筑与装饰”。寺庙的建筑风格，如佛塔的造型演变，殿堂的布局，以及建筑内部的彩绘、雕刻、藻井等装饰元素，如何与佛教的教义和宇宙观相融合，共同营造出一种神圣庄严的宗教空间。 结语：跨越时空的对话 本书通过聚焦中国佛教艺术中的雕塑与绘画，并非试图穷尽其所有的辉煌，而是期望为读者打开一扇窗，去感受那份穿越千年的艺术魅力与精神力量。我们所呈现的，是雕塑师与画师们如何以手中之物，将抽象的信仰具象化；是历代艺术家们如何在佛教的框架下，注入中华民族的审美情趣与文化精神。这些作品，既是中国佛教史的珍贵见证，也是中华文明独特智慧的闪耀光芒。 当我们凝视一尊古老的佛像，当我们沉浸在一幅绚烂的壁画之中，我们不仅仅是在欣赏一件艺术品，更是在与历史对话，与先贤的精神进行一场跨越时空的交流。希望本书能够激发您对中国佛教艺术更深层次的探索兴趣，去发现更多隐藏在这些不朽杰作中的动人故事与深刻哲思。

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我带着一种朝圣般的心情打开这本书，希望能从中窥见古代匠人对“美”与“神圣”的理解。这本书的优点在于它的广度，几乎涵盖了从印度传入到本土化演变的全过程，但正因如此，某些重点的挖掘深度略显不足。例如，在讨论辽金时期佛教艺术时，书中对契丹族和女真族自身的艺术传统如何与汉地佛教艺术进行融合创新的部分，着墨不多，使得那段时期的作品呈现出一种相对扁平的印象。我个人更期待看到更多关于区域性流派差异的分析，比如巴蜀石刻与中原造像在神态上的根本区别，以及这种区别背后的宗教实践差异。不过，书中收录的那些鲜为人知的地方性寺庙遗存的照片，非常珍贵，为我们了解佛教艺术在广袤中华大地上的全面传播提供了实证。总的来说，它是一本优秀的参考书目，但若想深入理解不同地域文化对佛教艺术的“二次创作”，可能还需要结合其他更专业的区域史著作。

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这本书的装帧设计和内容排版给我留下了非常深刻的印象，可以说，它在视觉呈现上达到了一个很高的水准。印刷的清晰度和色彩还原度令人称赞，尤其是在表现那些色彩斑斓、细节繁复的唐卡时，那些细如发丝的描金线条都能被清晰地捕捉。不过，作为一位普通读者，我注意到书中在某些段落的逻辑跳跃性有点大，似乎默认读者已经具备了相当的佛教基本知识。例如，在介绍密宗造像的复杂手印（Mudra）时，如果能增加一个清晰的图例索引，并对每一个常见手印的含义做一个简要的注释，阅读体验会更加流畅。我尤其喜欢其中关于“造像度量衡”的章节，那里面详细记录了古代工匠如何遵循“佛像度量经”来制作佛像的比例，这种对工艺规范的尊重和遵循，体现了那个时代艺术家的虔诚与专业。这本书更像是一本供人“参阅”而非“速读”的工具书，它要求读者带着敬畏之心，细细品味每一个图注和文字间的细微差别。

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我必须承认，这本书的某些章节读起来需要相当的耐心和专注力，它更偏向于学术研究的深度，而非轻松的普及读物。作者在探讨宋代以后，尤其是在徽宗时期佛教艺术在宫廷和民间所经历的审美转向时，引用了大量的文献资料进行佐证，这对于我这种业余爱好者来说，一开始确实有些晦涩难懂。但一旦坚持下去，那种深入骨髓的洞察力便会显现出来。书中对于“禅宗美学”在绘画和园林艺术中的渗透，分析得尤为精辟。它不仅仅停留在“禅宗讲究空寂”这种表层概念上，而是通过分析宋代水墨山水画中“计白当黑”的留白技巧，如何直接映射了禅宗的“照见自性”的哲学观，这种跨学科的结合，让我豁然开朗。作者似乎有一种魔力，能将晦涩的哲学概念，通过具体的艺术实例具象化。对我而言，最大的收获是认识到艺术创作并非孤立的审美活动，而是特定时代精神和宗教哲学的物质载体，这本书无疑是解开这个复杂密码的钥匙。

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这本书的文字风格非常典雅，颇有一种古典学术著作的韵味，读起来仿佛能感受到历史的厚重感。它成功地将宏大的历史叙事与微观的艺术分析结合起来，构建了一个立体的艺术世界。我特别欣赏作者在讨论造像的面相学时，如何将“三十二相，八十种好”的佛教标准，与不同朝代的审美偏好进行对比。比如，初唐佛像的饱满健硕与盛唐的雍容华贵之间的微妙过渡，不仅仅是艺术风格的演变，更是社会心态变化的反映，体现了国家强盛带来的审美自信。书中对建筑部分的描述也颇具匠心，尤其对唐代大明宫含元殿与佛教寺院布局的相互借鉴，进行了精彩的论述，揭示了世俗权力中心与精神权力中心在空间规划上的共鸣。这本书真正做到了“以小见大”，通过一件佛像、一处壁画，折射出一个时代的精神风貌和文化格局，无疑是艺术爱好者和历史研究者都不可多得的佳作。

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这本书的封面设计得非常精美，乍一看就给人一种沉静而庄重的艺术气息，装帧质量也相当考究，拿在手里很有分量感。我原本是抱着一种比较宽泛的期待来翻阅它的，毕竟“中国佛教艺术”这个主题涵盖的范围实在太广，从早期的石窟造像到后期的寺庙建筑，再到精美的唐卡和鎏金铜器，简直是一部宏大的视觉史诗。然而，真正让我感到惊喜的是它对艺术史脉络的梳理，作者并没有陷入简单的时间罗列，而是巧妙地将不同地域、不同时期的艺术风格变化与当时的社会文化思潮紧密结合起来。比如，在讨论魏晋南北朝时期犍陀罗艺术对中原的影响时，书中配有大量高清的图片对比，那些面部表情中流露出的希腊化特征，与本土化的圆润、慈悲的菩萨形象之间的微妙转变，被描绘得入木三分。尤其是对于敦煌壁画中那些色彩的运用，作者不仅描述了颜料的矿物来源，还深入探讨了特定色彩在佛教教义中所代表的象征意义，这种从技术层面深入到精神层面的解读，极大地丰富了我对这些艺术品的理解。这本书更像是一位博学的导游，带领我穿越千年时空，去触摸那些冰冷的石头和斑驳的壁画背后，蕴含的信仰与匠心。

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大国学基金会于2010年6月12日捐赠

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